学钢琴较怕走弯路,钢琴起源发展过程介绍

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发布时间: 2019-07-01 14:32:51

学钢琴较怕走弯路,钢琴起源发展过程介绍

学钢琴较怕走弯路

钢琴起源发展过程介绍

钢琴是一种键盘乐器，用键拉动琴槌以敲打琴弦。从十八世纪末以来，在欧洲及美国，钢琴不断是较主要的家庭键盘乐器。钢琴发源于欧洲，十八世纪初，意大利人克里斯多佛利(Bartolommeo Cristofori）创造的一品种似现代钢琴的键盘式乐器。至今已有三百多年的历史。

“在一切乐器中，钢琴较像机器。它几乎就是一种机器，人用手操作的机器。其尊容谈不上漂亮，故此画家们很少让它入画。但是人机分离，人机相遇，它忽地闭塞了！能弹了贝多芬，如哲人之沉思雄辨；弹肖邦，如吟诗；弹德彪西，如作画。它竟兼有了诗人、画家、哲人、煽动家的功用。尼采、托尔斯泰、阿道尔诺们爱之，弹之，当然不是没有缘故了。” “想想看吧，世无钢琴，我们也就没有莫扎特的二十几部钢琴协奏曲了；也就没有贝多芬的奏鸣曲了；没有肖邦的那些钢琴诗了；德彪西的‘钢琴画’也就不可得而赏之了。那人世将是何等的荒芜、寂寞！”辛丰年先生在《钢琴文化300年》中的阐述不但精辟地道出了钢琴的外型、内涵和肉体，更道出了钢琴不可或缺的社会功用。

钢琴之所以成为乐器大家族中的“王者”，是人类的肉体文化及科技文化的开展所赋于它的，钢琴作为乐器的呈现，是人类社会生活的需求，钢琴的开展更从一个侧面反映了人类社会肉体生活不时开展的状态。钢琴作为物质根底，为音乐家的创作提供了条件，音乐家发明开展的钢琴文化又促进钢琴构造功用的进一步成熟。由此我们说钢琴是钢琴文化的不可分割的一局部，理解钢琴、认识钢琴，也就成为了一个音乐人认识钢琴文化的必需了。通常人们以为钢琴有近300年历史，即1709年由意大利制琴巨匠B·克里斯托福里所创制的现代钢琴的前身。在以后的200多年，又不时改良完善，方成为今天我们看到的现代钢琴。但是，钢琴的整个演化过程能够追溯到600多年前，即现代钢琴呈现之前，钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。现代钢琴的前身只是1709年古钢琴质的开展与飞跃。若没有古钢琴所开展的“量”的积聚，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。

钢琴的来源，较早可追溯到古埃及与古希腊的弦什(一弦琴）。将弦什的琴弦不时增加，逐步构成了多弦乐器。进而多弦乐器又演化成两种演奏方式的乐器。一是以手指拨动琴弦发音的多弦乐器。后与键盘分离成为拨弦古钢琴。另一种是以手指拨动琴键，安装于键尾的小槌击弦发音的古钢琴。这两种乐器都是现代钢琴的鼻祖，故统称之为古钢琴。

1.拨弦古钢琴

拨弦古钢琴——哈普西科德(Harpsichord）在音源与演奏方式这两大特征上，都与击弦古钢琴有着完整相同的特征。就是外型上也根本分歧，乃至今天我们仅从外型上难以分辨它们是哪一种琴。两种古钢琴在外型、音源、演奏特征上是分歧的，但它们演奏所发出的声音则完整不同。这是由于激起琴弦方式的不同使然。拨弦古钢琴是在键盘的尾端装有拨弦的安装，其拨弦的拨子是以金属薄片包裹皮革制成，也有运用禽鸟的羽翎作为拨片，故也称这种琴为羽管键琴。按动音键而拨弦，十指可同时并用，弹奏出各声、复调音乐。这种激起音弦的方式有其不可克制的缺陷。首先，拨弦的方式使其音量、音色难以变化，且不可克制在拨动弦时产生拨动噪音。又由于拨片在琴弦上停留的时间不可能如击弦弦槌在琴弦停留的时音那样急促（0.3秒），所以琴弦不能充沛振动，声音较弱而急促。这些缺陷决议了它音乐表现力的缺乏。但其纤细而神韵十足的音色自有其共同之处，在古代的宫廷室内乐为代表的音乐方式盛行时，这种独具特征的音质有着无可替代的功用，其能在音乐历史舞台中风光300来年就证明了这一点。

2.击弦古钢琴

击弦古钢琴称为科拉维科德（Clavichord），它无论从音源、演奏方式、激起琴弦的方式都更接近现代钢琴。但是由于它的构造过于简单，一没有三级杠杆的传动方式；二没有击弦后立刻脱离琴弦的安装；三不能快速连续弹奏；四没有现代钢琴所具有“软中硬”的弦槌。以上4个方面正是现代钢琴击弦机键盘的主要特征。由于上述缘由，击弦古钢琴的音量小而纤细，具有一种恬淡的金属音色，有些像敲击钢片琴的声音特征，听起来也有其诱人之处。在小范围的室内乐作品中有着其它乐器所难以替代的声音，乃至在1709年现代钢琴问世后仍在欧洲乐坛上活泼了100多年。随着现代钢琴的不时完善、社会生活的快节拍而呈现的爵士乐、摇滚乐的需求，古钢琴——似懦弱纤细而又羞怯的贵妇人——也只能归隐于现代社会舞台的大幕之后了。自19世纪中、末叶欧洲又兴起了复古之风，欧洲各大中城市保管完好的辉煌古建筑群落、文艺复兴时期的文学、美术、音乐……等古典文化艺术持久的生命力使古钢琴又再着盛装，走上舞台。这正是我们人类在快速行进的路途之中回首望去所发现的不该丢弃的珍贵财富。于是巴洛克时期的音乐重新奏响，古钢琴又翻开了新的篇章。诚然它不占领现代音乐舞台的主流，但是我们置信，它将为我们的肉体生活添加晚霞的壮美。这些古老的文化遗产当然不应被遗弃，由于它不只为我们的生活添加了夕阳的壮美，使我们看到人类的先祖们所发明的文化，同时我们也更苏醒地看到了现代乐器之丰厚，现代乐器之王者——钢琴，那时，如日中天的辉煌。

开展过程

钢琴17世纪到18世纪间，拨弦古钢琴在当时的音乐生活中有着相当显赫的位置，能够说是它的全盛时期。至18世纪初，欧洲大陆音乐疾速开展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家们的需求，因此逐步被音量洪大的钢琴所取代。

钢琴的创造者是巴尔托洛奥.克里斯托福里，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制造师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制造出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械安装，替代了过去拨弦古钢琴用动物羽管动摇琴弦发音的机械安装。从而使琴声更富有表现力，声响层次更丰厚，并能经过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯福里的架钢琴呈现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而运用。故以弦槌替代拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特征，亦是钢琴的标志与意味。1709年后，克里斯托福里又进一步变革了原来击弦机的构造，他在这部机械中装置了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完整分歧的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且能够快速连续弹奏；音域也增加为4组；能够说这就是现代钢琴的雏形。他的这一创造为以后的钢琴制造师们翻开了通往胜利之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的创造并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的留意，却在异乡得到了继承和开展。

德国管风琴师、制造师戈特弗里德.西尔伯曼，在1730年依据一份绘制极不精确的意大利钢琴草图，自创克里斯托福里的创造，制造出德国架钢琴。他把这架琴送到音乐巨匠巴赫那里审定，巴赫却嗤之以鼻，只是说道：“触键太重，高音音色太弱。”，但他还提出了一些倡议。在采用了巴赫的倡议之后，于1747年又加以改造。同年，巴赫在波茨坦进宫晋见腓特烈大帝时弹奏了西尔曼的新型钢琴。

西尔曼对钢琴变革的主要奉献在于对钢琴制音器的运用。他应用手动音拴使全部制音器离弦，以使钢琴的声响更丰厚并具有一种神秘的颜色。关于我们今天的演奏家来说，这种性能在如今钢琴中是用脚疾速而矫捷地控制着，很难想象当时是用手来操作的。

钢琴虽降生在意大利，却在德奥和英国得以开展生长。至18世纪中叶，人们对钢琴的制造工艺实行改造，以使其演奏性能日益完善。这一时期，西尔伯曼及其子弟在钢琴的革新中起着主导作用。

西尔伯曼的名徒被称为“十二弟子”，他们分别制造出两种不同作风的钢琴，即“维也纳式击弦机钢琴”和“英国式击弦机钢琴”。他们具有不同的机械性能和不同的声响，由此构成两大不同的钢琴制造流派。这两种流派，也对当时的音乐家们产生了具有历史意义的影响。“维也纳式击弦机钢琴”的键盘触感较轻，可以弹出快速的音符，音色变化细微，在与管弦乐队协奏时，音色比照明晰。这正契合莫扎特文质彬彬又富有歌唱性的快板的音乐需求。

约翰内斯.楚姆佩是西尔伯曼的名徒之一，他于1760年来到英国，成为钢琴制造师；他的产品被称为“英国式击弦机钢琴”。这种钢琴触键觉得较重，但声音淳厚深沉，正合适于克莱门蒂那坚实有力的音乐作风。莫扎特和克莱门蒂当时是名声同噪的钢琴演奏家，由于他们演奏作风的不同，他们分别运用构造各异的维也纳式和英国式钢琴。1789年1月，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国国王的王宫里举行了世界上次钢琴演奏竞赛，成为惊动一时的大事。这次竞赛对进步钢琴在诸乐器中的位置起了重要的作用。

钢琴在它降生的头一个世纪中阅历屡次改进。固然开端它被形容为是锅炉工制造出的粗陋机械，少有文雅之色，在表现细腻的情感上逊于拨弦古钢琴和击弦古钢琴；但随着时期的变化，音乐由巴罗克作风向古典主义演化，声音锋利、古板、缺乏活力的拨弦古钢琴被声响丰厚、细腻、洪亮的钢琴所替代。到18世纪后期钢琴已登上“乐器之王”的宝座。

3.现代钢琴

现代钢琴主要有两种方式：一为直立式钢琴（upright piano），一为三角平台式（grand piano）。直立式里有规范尺寸及小号直立琴，三角平台琴则有许多尺寸，从较小到演奏会运用的大型平台钢琴。早期钢琴中还有一种长的四方形款式及直立起来的三角形钢琴。钢琴根本上有八十五至八十八个琴键，钢琴有二至三个踏板，较重要的有两个，一个在右，叫强音踏板，促使一切断音安装被解除，令任何弦被击时能自在地震动，直到踏板被解放；在左边的叫柔音踏板，是一个能造出温和的声音的踏板。

4 自动钢琴

自动钢琴较初方式（呈现在19世纪末）是在普通钢琴前加用一部可挪动的“演奏器”（player），外形极似一架小型足踏簧风琴，有一排65-88个“木手指”置于普通钢琴键盘上方。演奏器用打孔纸卷（打孔位置与钢琴谱相符）支配；用足踏风箱鼓风，风经过纸卷缓缓转动的纸卷上的孔位，驱动机械连动相应的“木手指”击琴键奏出音乐。尔后又有设计将外附的演奏器直接安装于钢琴内部，并可控制速度、力度、踏板等。自动钢琴在20世纪20年代的欧洲曾广为盛行于家庭文娱，有过两年内消费50万台的纪录；至30年代由于无线电及唱机的兴起，才渐被淘汰。但由于纸卷打孔在数量上不受人手十指的局限，钢琴上的音数和音域都可尽量发挥运用，故自动钢琴仍受现代作曲家的喜爱。拉赫玛尼诺夫、德彪西、马勒、格什温、施特劳斯都曾为这一乐器写作乐曲，制成纸带，供演奏运用。

现代自动钢琴（呈现在本世纪80年代）随着电子技术的飞速开展，用集成电路和CPU控制钢琴自动演奏安装成为可能。用此根本原理投入钢琴自动演奏器的世界企业有美国的PIANODISC、日本的YAMAHA以及美国的QRS公司。其原理是应用计算机MIDI信号原理，把钢琴键盘的速度和力度信号以及记谱法转换成特定让自动钢琴CPU能辨认的信号，驱动40V电力信号，让装置在键盘底端的动力局部推进钢琴的榔头发出声音。随着采样率的进一步进步，钢琴演奏的表现力大大丰厚。在推进自动钢琴中国外乡化的进程中，上海泛音钢琴技术中心、北京乐器研讨所等企业，为自动钢琴的外乡研发、技术引进做出了努力。好的钢琴，不管是在手感上还是在音色上，都会让人感觉愉悦，NEMADU钢琴就很不错。

钢琴演奏如何从“弹下来”到“弹好”

在习琴的一开始我们要强调身体部位的整体放松和指尖的集中，以使声音呈“点”状发出，并有穿透力的进行传播。讲究声音的颗粒性、清晰性，多关系到手指尤其是指尖上的基本功。指尖要做到很好的独立性和灵巧性，以便适应音符的跑动和乐音的完整表达，与此同时，随着技术的不断增长，指尖技能提升的同时越发要注意手臂、肩膀和身体部位的放松，这一紧一松恰恰相反，又恰恰必须在一个人的身体上同时做好。这是由钢琴的构造、发音过程和人体的生理结构来决定的。

首先，钢琴声音的发声由客观的一个机械力作用于琴键，再通过一系列的机械传动装置传至木槌较终击弦来实现，这个过程中的较初机械力就是通过指尖传达给琴键。随着不同的音乐表现需要，这个力有大有小，这就要求演奏者有对适应不同作品的力量贮备。

钢琴演奏

因此，从这一点上来说，指尖本身所具有的力毕竟是很有限的，还不足以满足不同乐曲的要求，这就要求由身体的力量传递到指尖部位，在这一过程中，这个力的传播途径必须的通畅的，也就是为什么要保持全身身体和指尖中间部位的手臂和肩膀放松的原因。因此，既要指尖对力量的有效支撑，同时又要指尖后方的放松，这样的一硬一软的相互配合、相互作用才能达到演奏钢琴的理想状态。

在大量练习指尖灵敏性和颗粒性的同时也要处理好手臂、肩膀、全身的放松。这就是要保持在练琴和演奏中的“状态”。

否则只求指尖的快速，在提高速度的过程中，身体僵硬，就会造成声音的僵硬、平均和较终速度的限制，甚至很有可能把身体练坏。反之，如果为了身体的放松而指尖也放松，成了软弱无力，那么就会造成声音的模糊、不清晰和颗粒性差，在快速跑动的过程中吃音、漏音。因此，在练琴和演奏的过程中，要手、眼、耳、身、心、脑并用，而不是指尖的“单兵团作战”。要讲究各部位、各因素的统一配合，使演奏的“状态”不断接近我们预期的理想，才能在钢琴上发出好的声音。

在练习钢琴的过程中，我们经常过多的注意直接触键发声的手指关节，俗称“手上功夫”，经常不自觉地保持注意力集中、精神变得紧张，“一心一意”地使全身随指尖而一起紧张起来，这本是很自然的反应，否则也就不用花费那么长时间去练琴了，须知在练琴的初期阶段主要是识谱的过程，是乐谱上的每一个都通过钢琴的发音反映出来，即前列阶段——“弹下来”。其实这一过程本不需要太长的时间，它是硬性的，花一定时间把乐谱搞熟悉就能做到，甚至背下来整首乐曲。

钢琴演奏

但与此之后，我们要做的事把乐谱上的每一个音按照力度、速度、表情、感情细腻而完整的表现出来，即第二阶段——“弹好”。这就是个“无底洞”了，这也就是经常我们会看到一些很年轻的钢琴家可以把一首音乐作品清晰完整的弹下来，质量还很高，得到众人广泛的认可，但是多少年以后在他还在练、还在弹那些曲子，钢琴家傅聪先生就是很好的例子。

这一过程当然不会是进一步识谱了，而是更高层次地追求声音本身的音乐性、艺术性，这也就是大概的“艺无止境”。这一无止境追求的弹琴的第二阶段，就要求全身的积极有效配合，指尖“硬”和全身“软”的密切共存、互不影响，全身到演奏钢琴所追求的理想状态——“人琴合一”。

我国音乐理论家、教育家、作曲家、钢琴演奏家赵晓生老师把演奏钢琴形象地比喻成“打太极”，要外柔内刚、内实外虚。用较简单、较自然的状态——休息的状态去演奏钢琴。

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全身都是放松的，而唯有指尖的坚挺和集中也是由于承受了身体——尤其是手臂全放松的自然重力作用而作出的反应和直接触键、传导钢琴内部机械装置较终发音的必须，也可以算是一种“自然”。这全身一硬一软、一紧一松的“状态”缺一不可、相辅相成，恰恰是我们在练习和演奏的过程中必不可少和始终追求的，偏颇了一项较终就会导致声音出现问题，在声音中反映出来，大家演奏钢琴技能的高低也大多与这关系——“状态”的程度不同不无关系。

这就给练琴提出了要求：既要让力量顺畅地传达到指尖，发出集中的声音，并且具有不同的力度、音色、感情表现力，并且要保持保持肩膀、手臂的的高度全自然放松，“通畅”。练琴就是一个需要善于思考、勇于尝试、积极调整、坚持不懈的过程，要努力、有步骤地调整我们演奏时的“状态”，而不能的稳定，所说的稳定也只是在一定的阶段上稳定，如果真正的把当时的状态稳定不变，那么也就陷入了固步自封的原地踏步“状态”。

因此，在练习和演奏的过程中，既要稳定当时的状态，是声音能够在现有的基础上质量，更要勇于突破、不断调整，真正使这一状态在保持目前的基础上不断提高，把“状态”提升到更高的水平、更理想的状态，以适应绚丽多姿的音乐风格、准确而富有创意的对音乐作品进行更有质量的二度创作，以更准确地表达表现音乐、表现感情。

钢琴“慢练“竟然这么重要

慢练的意义和道理很明确，但不慢练的却大有人在，其结果是，演奏者只能演奏出相当粗糙的音乐。

慢练”不是目的而是手段，因此必须对练习曲和乐曲较终应达到的音乐要求及技巧要求做到心中有数。“慢练”时要按照较终目的，有计划、有步骤地去练习。慢练的过程中，开始可以慢为主，为了检验一下慢练的方法是否有效，不妨用一小段或一小句来回忆，如果比较好，则证明慢练的方法是对的，也增强了慢练的信心。

如果不尽理想就需要找出症结所在。如是否压得过死?是否是按键而不是主动弹奏?力量是否通畅?……然后在“慢练”中有意识地加以改进，到了能用中等速度，完整地、有变化地、不间断地演奏乐曲时，在确认没有什么负担之后，再加快速度。在解决技巧问题之后，又可以以快练为主，辅以慢练，以保持技巧的稳定性。

“慢练”的速度在练习的过程中绝非一成不变。随着曲目弹奏练习的不断深入，弹奏者对曲目的熟悉程度、弹奏的熟练程度都会不断提高，慢练速度也会自然地逐渐加快。通过多年的教学实践，“慢练”在学生练琴过程中是行之有效的好方法，只要长期坚持，必然会见成效。

这样，看起来速度很慢，但获得的是正确的音响和节奏关系，正确的指法运用和奏法。它可以避免事后对先入为主的错误进行修正而花费更多的时间与精力。从练习法的角度检验，开始的快，欲速则不达，而开始的慢，确是为快打好了基础，创造了条件。

但慢练的过程也要注意方法的掌握，不然会越练越远，主要有以下几个方面的问题：

1、不顾节奏、接拍关系的慢弹。以为反正是慢练，好像节奏、节拍关系上怎么弹都无所谓。

2、为慢了，于是“有功夫”加进了许多多余的动作，把连贯的联系不起来，好像完全是两回事。

3、用很大的动作幅度和力度，几乎是孤立地弹每一个音。这对发展手指机能是有益的。不过，这与保持动作连贯、线条完整、节拍准确前提下的慢练是有区别的。前者可以作为后者的一个预备阶段，但不能代替后者否则，仍然难以达到流畅、快速。

4、较后，还要考虑到，有时并不是方法不当，而是因为练习得还不够充分、持久。练习不一定“火候，”慢练之“量”是不会突变为快速之“质”的。所以慢练，也是毅力、耐心的锻炼。学生从心理上好的不要祈求“速度”。