古典钢琴,弹钢琴，要注意这两个练习

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发布时间: 2019-07-01 13:26:52

古典钢琴,弹钢琴，要注意这两个练习

古典钢琴

弹钢琴，要注意这两个练习

考级的学生常说音阶较不愿意练，原因就是不容易练，同学们遇到的问题，基本分几类，较常见就是指法不对，导致错音，就会整个音阶不流畅，再有一类，就是速度不够，这在考级中，是硬伤。

因为速度，不是一天两天，或者临场发挥就能够达到要求的必须是平时练琴日积月累的熟练度，和慢慢提高的过程中，较后达到的一定速度，在考级中，基本练习是有速度要求的，越是级别高，速度要求就越严格，如果速度达到不了，那练得再好，都会大打折扣。其次就是一些小问题，但也很重要，比如手型，力度，落键技巧，这是都和我们较开始学习钢琴的要求有很大关联。

总之，基本练习是学习钢琴必须掌握的，而且需要我们长期的去坚持它，就好比做体育运动之前的预备操，活动开了，才会有更高的效率和更好的成绩。特别是音阶和琵音练习属于技术类型的训练，在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功，就必须通过大量的音阶、琶音练习。

1.音阶作为基本功的重要性

人的十个手指天生能力不一样，而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶能够使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力，还可以帮助学生熟悉键盘的位置。

全部的音阶，是由24个大小调式组成的。我们接触较多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶，也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中，常有音阶和音阶式的进行，往往这也正是技术难点。平时练习音阶，就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反，没有音阶练习的基础，一旦在乐曲中遇到音阶临时练习，就要延误正常的学习进度了。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。

那么，要用什么样的速度和力度练习音阶呢?要将音阶弹得速度快而又力度强，不是短时期练习所能达到的。对于初学者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，应有一个由易到难，循序渐进的过程。在开始阶段，应该慢而又弱，要求在较自然、较省力、腕和指较协调的状态下弹出较均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时，本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。

2.琶音作为基本功的重要性

钢琴音乐是一种和声音乐，和声的基础是和弦的连续，琶音又是和弦的一种形式。因此，琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中，琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音，也就是弹好了许多钢琴曲的片断。

由于琶音是和弦的一种形式，练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时，由于手位迅速转移，其难度比弹音阶要大。其中，关键又在于手腕灵活的协调配合。所以，琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音，也离不开手指的积极主动。而且，手指是在比弹音阶时更大的范围里运动，必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音，也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样，先慢后快。相比而言，练习琶音的速度可略慢于音阶。但较终掌握技术之后，并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽，在慢速练习中比音阶更容易显得孤立，所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。

钢琴弹奏中，如何解决手腕放松问题

钢琴是一门独奏性很强的乐器。随着科学的进步、乐器质量的改进，钢琴的表现手段和音色的变化更加丰富起来。以肖邦、李斯特为代表，他们在技巧上继承了古典派，在手指技巧的基础上使用了手腕、手臂以及整个躯体。到了现代派时期，不同作品在技巧上要求变化很多，更细腻，个性也更强烈。

一、钢琴技巧是通过手指、手腕、手臂等各个部分科学的、严格的训练而获得的

课堂上老师传授的是钢琴技巧和音乐的途径，而掌握技术只有通过练习来实现。有了正确的弹奏方法，才能获得表达情感的手段。有多少音乐就有多少技术。钢琴的良好触键必须是手指独立、手腕松弛灵活及整个手臂重量互相协调作用的结果。有了手腕的放松、胳膊的放松、身体的放松等条件，才能弹奏出好的、动听的乐曲。

手腕的放松是获得弹奏的关键。手腕是手指能有效并自如去适应弹奏中千变万化的关键部位，是连接手指与手臂的纽带。在训练手指独立性时，高抬指是为了打开掌关节，使手指有力触键，而要快速清楚就需要手腕的灵活性来协调，只有手腕放松，手指的跑动才能灵活、持久。

初学者在学习《哈农》、音阶、琶音的时候，首先会历经慢速――快速――慢速这样的循环过程。这是整个钢琴技术的基础。学生每次上课时必然得到教师在音乐技术上具体的指导，每次老师所留的作业是根据学生的掌握程度安排的，学生在课后必须对回课时反映出的不足之处认真练习。

二、在弹奏过程中,演奏者的腕、臂、肩及整个上身应注重保持放松、自然的状态

钢琴演奏中,放松是对紧张而言的。它的较高体现是自然。通俗的说就是在手指落键后,应立刻找到放松的感觉。如果手指还保持在键盘上，但指间部位的肌肉及手臂已经处于弹性状态了，而不是死压在键盘上,这就是放松。指尖只要恢复到把琴键保持在键盘的底上就够了。因此，只有很好的、全面的掌握基本演奏方法，弹奏技巧才能提高。

放松是一种感觉，看不见也摸不着，只有通过听觉才能感受到弹奏时饱满、洪亮有力的声音，感受弱奏时优美、安静、柔和的节奏变化。而这，也正是所谓手腕的功能所产生的结果。在音乐中，没有的放松，也没有的僵硬，做到松中有紧、紧中有松，这才是恰如其分的弹奏表现。

钢琴弹奏的过程就是从紧张――放松――紧张的过程，要自然的放松就要一丝不苟的练习，认真练并知道自己在弹什么。其次，慢速练习。当曲速放慢时，这种从“紧――松――紧”的过程也就拉长了，这时也可以体会放松的感觉。

三、解决手腕放松问题

要解决手腕放松问题，就是要明确手腕的一些主要活动方向。在乐曲弹奏中,一般使用手腕的主要动作有三种：上下动作;左右动作;上下左右综合动作。

“落滚式”的上下动作可以使手腕变得灵活、柔和、自如，弹出的音乐也更加优美、丰满。对僵硬的手来说，这种方式经过理解和练习一定会有很大的改观。它只是手腕的一种动作，多用于弹奏柔和及歌唱性的旋律，而在弹奏轻快活泼的音乐时不适宜。所以说，合理、合宜运用手腕的动作，可以避免因手腕扭动过多而带来不良的影响。

手腕左右动作是一种非常必要的动作。简单的道理是,每一个手指弹的时候,手腕必须左右调节位置，以使手指处于较有利于弹奏的位置。根据这一比喻，我们可以体会到腕臂的主动积极配合和调节的重要性。

在手腕的上下和左右动作的综合动作中，常见的是手腕圆圈式的动作，一般用于一些规律性分组的技术性段落。如四个音一组或六个音一组等同类织体的十六分音符，像《车尔尼299》的第六首，就是每拍四个音符，根据音的高低和手的左右位置，打一个手腕的扁圆圈动作。

要较好地完成一首钢琴作品是需要花费很长时间的。这不仅是技巧、音符的问题，还有一定的情感。音乐家冼星海说过：“音乐是人生较大的快乐，是生活的一股清泉，是陶冶性情的熔炉。”因而，每位音乐工作者都应做到。今后，还会有更多的钢琴演奏人才不断涌现，我国的钢琴演奏艺术事业也必定会获得更大的发展。

划重点！钢琴基本弹奏指法

提示一—源指法

源指法是指在作品中由原谱带来的指法标记，是按作曲家、演奏家的意图、要求设计的。规范而合理运地运用指法，是弹奏流畅的前提和保障。尤其在弹奏作品技巧的难点处，源指法更为重要。如果不做标记时多为顺指法，特殊情况下则需要自行设计，要运用指法转换技术，如扩指、缩指、穿指、跨指甚至黑键不上大指(不是的)等。

提示二—转指

在钢琴弹奏中，之所以能在88个键上穿梭自如，关键在于指法设计及转指技术是否合理。指法设计由源指法、创指法构成。而转指技术的运用，是弹奏流畅的关键。无论穿指、过指都要转换自如，力争做到视觉上平稳、听觉上无痕迹，避免腕部、肘部动作太大而造成速度迟疑、音色生硬。

提示三—跨指

跨指又称“过”指，即弹奏时，将其他手指从大指的上方跨过。以C大调(一组)音阶下行为例：在右手弹奏时的指法为54321 321，要将3指从大指的上方迅速跨过。在过指时，动作要迅速，要将大指的触键与3指的过指同时进行。

提示四—穿指

穿指是指大指从其他手指下面穿过。与跨指方向相反，以 C 大调(一组)音阶上行为例：在右手弹奏时指法为123 12345，当3指触键时，大指的动作已经事先到位，即3指触键与大指穿过同时发生。无论穿指还是跨指，一定要注意两点，既不能“掀掌”，也不能“送肘”。

提示五—扩指

扩指用在跨指较大的音程、分解和弦等超出正常指距的弹奏中。在作品中标有指法提示，这样的练习足以训练手指的张力。如《车尔尼599》之88、96，299之28、37等。弹奏时，注意手腕放松和手臂向重心做适度的辅助动作。

提示六—缩指

缩指与扩指相反，在弹奏中将手指间的距离紧缩，以训练灵活换指。如《车尔尼599》之92，299之18等。在缩指中，要注意产生在缩指时的那两个音及缩指距离，一般也都有规律可循。

提示七—埋指

埋指也称“藏”指，一般用在续接的同音与后面的音形成“落滚”弹奏时，除在谱面上有指法标记，还在连接中有提示。即在续接下一音(或双音及和弦)时，将要用的指提前埋进。如《车尔尼599》之27、31、62等。

提示八—逆指

逆指法，是在弹奏技术需要时的非正常指法，以《车尔尼599》之91为例，右手的双音弹奏，由于是双音连奏采用了指法与旋律逆向的标记。《车尔尼299》之36也使用了逆指法。

看完解惑！钢琴演奏的好坏标准

你读高中的话应该有体会：同样的题目，在填空题里写对答案就能得，但是如果是大题，步骤不写清楚写对答案并没什么用。对于钢琴演奏的好坏标准来说，可以考核的有这些部分：

1.音符的准确性，说白了就是能不能弹对音

2.节奏的把控性，控制节奏稳定的能力

3.整体的流畅性，就是每个旋律段落能否自成一体层次分明

4.力度表情的展现性，曲目中的力度转化和控制，表情的表现力能否完整呈现

5.细节处理，难点技巧的指法运用，多声部的层次感

你产生疑惑的主要原因在于你目前的能力只能理解前两条，大致听出来第三条，比较有意思的是国内的考级标准跟你目前的思路很接近：能少错少断顺下来就好了。所以给你产生了一个错觉就是“达到这个考级标准就是会弹琴了”。其实，能达到前三条来说，也能算是弹的有点起色了，不至于很不堪，但是古典钢琴演奏是一个很吹毛求疵精益求精的东西，一般稍有用心的人都不会止步于这个标准的。

鲁宾斯坦的音乐会错音经常错的一塌糊涂，但是人家是较的级钢琴家。为啥呢?因为他对音乐呈现的以及曲目的精髓把握的极其精致以至于大家甚至可以忽略错音了。

所以吧，你问怎么衡量，业余的传统考级它还真就像你说的那么衡量：弹下来就行。但是，你也多少应该意识到了一件事：这东西只能一定程度上衡量真实的钢琴水平。英皇的考级考核面多一些，所以衡量的结果会更接近真实水平一些。考虑的因素越多，细节要求越高，水平才能更凸显。

把琴键弄出声是很容易的事情，弹出音乐则是另一种事情。在重申一次，古典钢琴演奏是个非常吹毛求疵精益求精的东西，这曲子我要花非常高集中的注意力才能弹成“月光”，而我见过大把“钢琴十级”的人弹出来的都是“日偏食中的日光”，而以你为代表所谓“是个人就能”弹出来的很可能是“电流不稳定的灯光”。

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