钢琴入门自学教程,培养钢琴伴奏能力的三个重要环节

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发布时间: 2019-07-01 10:03:03

培养钢琴伴奏能力的三个重要环节

钢琴演奏本身是一种复杂的艺术思维和实践活动，它是脑力和体力、技能和技巧、逻辑思维和形象思维相结合的综合性艺术。钢琴伴奏者需具备一些演奏技能，甚至在某些方面还要超过对钢琴演奏者的要求。本文就如果提高钢琴伴奏的质量从几个方面进行全面讨论。

(一)、多种触键法的训练

1.情感和力量凝聚在指端，指尖要十分灵敏，分寸感和控制力都要拿捏得恰到好处，在接触琴键的一瞬间，控制得当地发力、发音。

2. 触键时下键速度要慢、均匀。就像快速下键的慢动作播放一样，要尽量减少手指对钢琴键盘的撞击力。利用“软着陆”来化解力量，达到音色连贯、柔美的。

3. 垂直于琴键的手指稍稍仰平，让手指端的肉垫多接触琴面。由于指端和琴面接触面积的变大，相对于相同的力作用在小面积上面，压强就会减少，声音由此会变得柔和，像弥漫的烟雾一样融合在一起，没有明显的界限。

4. 手臂和腕的放松，注意体会重量的传递和转移。要重视臂、腕、手指三者之间力度转移的配合，随着音符的流动，手指要尽量贴住琴键，这样，指尖的相互依赖能使音与音之间更加紧密。

5. 延留音及保持音的时值要弹满、充足，它多出现于多声部的钢琴伴奏中。

通过以上归纳，我们可以清楚地认识到，伴奏中手指触键的部位及触键面的大小，手指下键速度快慢、力度大小及下键深浅，都会不同程度地影响到声音的明暗、强弱、厚薄甚至远近，而钢琴伴奏者的技术功底也就体现在这指尖的艺术功力上。

(二)、良好的速度、节奏控制能力的训练

速度、节奏是音乐中的基本要素，他们是音乐的骨架、旋律的脉搏。对于钢琴伴奏者来说，他们既要控制好自己的速度和节奏，同时又要兼顾各种不同的合作伙伴在速度、节奏方面的不同要求，这就需要伴奏者掌握准确而多变的速度感，严谨而有弹性的节奏感，这样才能得心应手地运用所需节奏型，更加地表现音乐作品。伴奏者的节奏控制需要根据不同题材、不同内容来确定，一般可分为以下几个方面：

1. 节奏性强的乐曲，节奏形式较为鲜明。如歌剧《哈巴涅拉舞曲》中的低音伴奏。

2. 抒情性的歌曲，多为流畅、平稳的速度。如门德尔松的《乘着那歌声的翅膀》。

3. 歌剧中的节奏，要视情节要求决定速度。通常宣叙较为自由，咏叹调前后采用不同的速度。如歌剧《游吟诗人》中的《夜深沉》，前面速度较慢，后面则根据剧情发展变得稍快。

4. 艺术歌曲，根据歌曲思想内容，表达情绪而定。如舒伯特的《春之梦》开始时活跃些，中段为慢板，较后又活跃些。

(三)、音量合理运用的科学训练

在伴奏实践中，音量的大小、力度层次的处理和调配是一个复杂的问题。伴奏者与合作者之间的音量比例是否恰当，直接关系到作品音乐形象的塑造及表现。音量的安排主要从以下几个方面进行：

1. 根据歌曲内容、情绪来运用不同的音量。如黎英海改编的云南民歌《小河淌水》钢琴伴奏轻柔地弹奏出涓涓细流的音响;《图兰朵》中咏叹调《今夜无人入睡》钢琴尾声以强力度震撼人心。

2. 根据演唱声部运用多层次音量。如花腔女高音的伴奏音量要小一些，戏剧性女高音则可稍大些，以剧情而定;男中音的例子，如歌剧《茶花女》中阿芒的咏叹调《在普罗文察地方》可用适中的音量;男低音的例子，如《跳蚤之歌》则需用强音量。

3. 根据钢琴伴奏的织体来运用力度层次。弹奏较小型的声乐作品时，钢琴伴奏多服从于主题音乐，伴奏音乐仅仅起到烘托、陪衬的作用，弹奏这类作品时，一般情况下，力度不宜过大，并注意运用一些特殊的处理方法，往往会对音乐的表现起到画龙点睛的作用。

4. 根据作品的不同风格来运用力度层次。不同作曲家的作品对力度的要求是完全不同的，我们在伴奏时，要先研究作曲家不同创作风格和特点，以便进行力度层次的合理选择及运用。

f小调钢琴奏鸣曲赏析

乐章

f小调，快板，2/2拍子，奏鸣曲式，具有简洁紧凑的形式和典型的贝多芬式的有机发展。它的主部主题建立在音型化的和弦音的基础之上。这样主题的例子在古典派的作品中，特别在贝多芬的作品中俯拾即是。

主部由一个8小节的乐句组成，它停在属和弦上(半终止)。连接部也是压缩的，它建立在主部素材的基础之上并且导致平行大调(降A大调)的属和弦。第二主题在平行大调上频繁地使用了降六级音(降F)，它在八分音符进行的背景上陈述出来，本身同样是简明扼要的。它与主部主题相似，这点是很出色的。奏鸣曲作品第2号之一的副部和《热情》奏鸣曲乐章中一样，是主题的倒影(略有变化)，8小节刚毅坚决的结束部结束了呈示部。

展开部以主副部的素材为基础，属音持续音周期古典派作品中通常在展开部的末尾，在这里它并没有立刻导致再现部，而通过一个不长的(6小节)连接段，这连接段又回到主部所特又的四分音符进行上。

再现部与呈示部几乎没有什么差别。主部在呈示部是p，而在再现部是f(强拍上有sf)，结束部主题稍有扩大。

第二乐章

第二乐章，F大调，慢板，3/4拍子，三部曲式，就风格和内容而论，接近莫扎特的奏鸣曲。这个乐章是用复三部曲式陈述出来的，基本主题采取了二部曲式，以主调上完满的完全终止结束。然后是不长的中段(在d小调上)，按其性质已经是典型的贝多芬音乐了。

它在属调(C大调)上以完满的完全终止结束。再现段变奏地重复着主题，并且以中段的素材构成的尾声告终。

第三乐章

第三乐章是一首小步舞曲，f小调，小快板，3/4拍子，三部曲式。

第四乐章

第四乐章，较急板，f小调，2/2拍子，奏鸣曲式，贝多芬热情激烈的天性充分地表现了在本奏鸣曲的末乐章中，这样的乐章无论在海顿或莫扎特的创作中都是找不到的。贝多芬的对比f和p急剧的变换都应当准确地奏出。在他没有标上cresc和dim的地方，决不要用这些记号削弱对比和急剧的力度变换。

主部向属调(C小调)转调并且直接转入副部。后者在22小节出现:12小节的乐句之后开始了一个新的如歌的主题(结束部)，它在左手三连音音型的背景上由八度陈述出来。呈示部以简短的、建立在主部动机的基础之上的补充告终。

展开部从平行大调(降A大调)上新的主题开始。呈示部在八分音符三连音进行的背景上陈述出来，而展开部里新的主题则出现在四分音符(重复的和弦)进行的背景上。在新主题的结尾出现了主部的动机(pp--在八分音符三连音音型的背景上)。再现部和呈示部几乎没有什么差别。再现部中，副部和结束部的段落在主调(f小调)上。

钢琴与乐理的关系！看来不学不行了

任何学习的实践都离不开理论的指导，学习钢琴也一样。但是，也没必要把乐理想的多难，很多时候一边学钢琴一边就把相关的理论学了。

1、如果去上正规的钢琴课，可以边上课，边解决出现的乐理问题

从较初启蒙所有出现的，音符、节拍、调号等等，到后面曲子中会出现的表情记号、力度记号等等。如果是一位靠谱的钢琴老师，基本上课上曲子中出现的乐理相关问题，都会边上课边讲解。多以不用太纠结乐理的问题，弹琴时需要了解的，老师都会讲。基本上，平时上课所讲的乐理，也够应对日常弹奏的曲子中出现的问题。

2、如果是应对考级

现在音乐已经是越来越被重视，除了考级，小学考试、甚至中考，也慢慢被加入乐理。如果学习乐器涉及到考级，那么就需要额外、系统的去学习。

3、想系统的好好学习音乐

还有人说，我不考级，但是我想好好学习音乐，想系统的去了解。那么也应该去好好学一些乐理。如果是孩子，建议还是请老师或报班，乐理这种可以上大课。如果是个人纯兴趣、爱好，也可以自己学习，当然有问题要及时请你的老师版本解决。

4、学好乐理对弹琴的帮助

可能很多人会说，会弹琴和乐理有什么关系?其实乐理是可以帮助弹琴的，举个较简单的例子：一个简单的车尔尼599中的练习曲，右手是单声部旋律，左手是简单的和弦伴奏。不懂乐理的人，只能单纯的去通过音高去找音弹出来，可能有时候弹错了也不知道。但是，懂乐理的人，可以根据音高判断伴奏的和弦，不用仔细看音，也基本知道应该左手弹什么，其实省很多力。另外，根据旋律走向判断伴奏弹奏是否准确等等，可以自我检查，如果弹错很容易听出来。

所以，要弹琴就尽可能得多学点乐理，百利无一害。

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