编曲培训：编曲知识讲解
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如果说一首歌诞生的过程是“作曲作词→成品”，那么编曲就是中间的那道“→”。
编曲，主要就是和声织体的编写，来更好地烘托主旋律。和声自然是重中之重（T→S→D→T、和弦功能和倾向性、和弦的变化什么的纯理论上的东西我就不一一累述啦），而和声的表现形态和表现方式有很多种，通过不同的音色、不同的演奏方式巧妙地融合互补。除此之外，还有复调音乐的应用（理论之类的我也就先不啰嗦了）。所以，我就先从织体编写方面，胡诌些编曲技巧上的认识吧。
和声乐器的织体表现形态分为两种：静态和动态。
静态，也称和声形态，乐器主要是以持续性的和弦长音演奏，很多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态，可以根据实际情况选择演奏单音、音程或是和弦，这主要取决于你对织体厚度的要求（当然总的原则是上秘下疏中不空）。和声乐器主要用于融合各种音色，增加氛围感和立体空间感。
动态，也称节奏形态，乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层，使音乐获得前进的推动力，节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力，更好地表达情绪的变化。
接下来说一下Bass。Bass的写作力求得到的是一个清晰流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲，注意好音程关系，而作为低音乐器，跳进往往比级进更能得到清晰明朗的，若使用级进，则连续下行会比较好。
从织体上讲，应处理好Bass和底鼓的关系，尽量避免低频碰撞。
从音色上讲，注意搭配底鼓和Bass的音色就行。
从音区上讲，低音下潜越深越好，但也要注意Bass的音域，保持音色的清晰度。
在和弦音的重复中，低音重复也是要注意的，如果和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近，这时，两者的低音较好相同（其他低音乐器也是一样），这样可以加强低音声部，反之容易混淆，织体表达不清晰。
再来说说和声乐器的一些处理。当内声部中填充有多个乐器且比较接近时，那么可以使用以下一些技巧达到更好的：
首先，可以采用不同的排列法（密集和开放排列）相互补充，一来得到了更饱满的音响，二来避免和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。其次，可以通过调节声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。再次，可以适当处理音色，从而避免同音区音响上的堆砌。
再来说说关于声音的“色彩”。其实声音也可以分成冷和暖的。高频尖锐的声音（如钢琴）就是偏向冷色调的，而低频乐器的声音就比较温暖。音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。
下面说一下各种风格曲子的编配举例（只是作参考哈，自己可以尝试更多的创意和变化）。
以下是三种比较有代表性的流行风格编曲。
1、钢琴为主的Pop流行风格。
这个体系一般是比较柔和抒情的曲子，以钢琴作为主要的和声乐器。可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型，主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑，到了副歌部分，为了突出织体，可以使用完整的鼓节奏。总体要求平稳，尽量不要切分。Bass的编写上不用太花哨，跟随强拍，使用长时值演奏。此外，为了更好地表现曲子的抒情性，可以加入一个pad音色进行融合，副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。
2、吉他为主的Pop流行风格。
这个体系也主要是缓慢抒情的曲子，以吉他为主要和声乐器。可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色，钢丝弦吉他为主，尼龙弦吉他为辅，声像一左一右。鼓节奏可有选择稍硬朗一些的，有主干节奏作为骨架，为了增加主歌和副歌的对比，还可以加入军鼓的音色，当然，节奏需要加花推进的地方一定不要放弃使用。同样的，在副歌加入弦乐增加织体厚度。
3、16 Beat的流动织体风格。
这种风格音符运动速度加快，音乐流动性增强，以十六分音符为基本时值单位，节奏平稳流畅，也是抒情类的Pop音乐体系。可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器，使织体音乐色彩偏暖，突出音乐的抒情性。其中，尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型，电钢琴则辅以和声形态的烘托，相辅相成。Bass同样是提供长时值的低音，有时也可稍加附点变化。鼓节奏安排上，可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏，底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配，军鼓则作为段落对比的重要手段，如前面可以用击鼓边的音色，后面可以用击鼓的音色。为了增加音乐流动感，还可以加入色彩性的打击乐器如沙球进行点缀。
接下来说说摇滚风格啦。
1、传统的摇滚风格。
这种体系主要以原声音色为主，节奏轻快，情绪对比以及爆发性都不是很强烈。主干织体可用双吉他模式，木吉他进行扫弦式音型演奏，电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦，以此来改变节奏的重音，造成摇滚的感觉。Bass可用选用力度强的Peak Bass，基本保持与底鼓节奏一致，以强拍。鼓节奏处理上，军鼓的节奏基本固定，底鼓可进行不间断的切分，增加摇滚的感觉，可以使用击镲边的音色增加氛围感。另外，还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。
2、重金属风格。
重金属风格的特点是低音部分表现比较突出，因此Bass十分厚重，经常用失真电吉他展现激励的音响，间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。为了突出低音，Bass的选择还是Peak Bass，失真吉他音区选择也是偏重低音区，为了突出重金属感，主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器，扫弦式音型和长音相结合，凸显厚重的金属织体。Bass演奏以平稳的强弱节奏为主，注重音色的颗粒感，铺满整个低声部层。鼓节奏与普通摇滚节奏相似，连接处可进行填充加花，突出军鼓力度以增加摇滚的动感。副歌部分还可以加入两个色彩性打击乐器（如沙锤和手铃）进行点缀。
3、**摇滚风格。
顾名思义，就是容易让人产生**感觉的风格，音色选用一些比较温暖、会产生某种幻觉的音色，并使用大量镶边、移相等器。主干乐器可选择两个清音吉他和一个电钢琴，以温暖为主。两把吉他以柱式节奏型互补演奏，声像一左一右，电钢琴以分解和柱式的综合节奏型对主干织体进行补充，但不过分突出。Bass选用较为柔和的指弹Bass，节奏基本与底鼓保持一致，加固低音声部。鼓节奏使用较平稳的摇滚演奏，稍有特点的是可以加入爵士韵味的点钹音色贯穿，军鼓音色同样可以变化以增加两个段落的对比。副歌部分可以加入手铃作为色彩性打击乐器烘托氛围。
说到电脑编曲
尤其是对于鼠标党而言，如何让曲子尽可能显得自然和人性化一点，也是需要注意的问题，这时就可以通过改变各项参数，制造出一些不均一和变化。不得不提的就是MIDI控制器，可以对相关参数进行调节控制。每个控制器对应一种控制事件，如7号为音量控制器，10号为声像控制器，11号为表情控制器……（其他都可以通过查表得知）。水果自带的自动控制也是一大特色：水果中任何一个旋钮、开关、推子等都可以单机右键，选择“编辑事件”，然后通过画包络线对相关参数进行自动控制。如曲子中加入的环境音效可以画声像变化的包络线，达到更好的立体空间感，调音台中加的器的深度都是可以控制的，不妨试着调一下，会有意想不到的。当然，控制器不是越多越好，否则播放曲子时会增加CPU的负担，容易死机，所以，要合理使用。
在织体编写时，强拍部分尽量使用协和音程，而不协和音程可以出现在弱拍过渡处（如对比式复调），整体要求就是使织体音响和谐悦耳又有流动感，这点可以在编曲中多多尝试和实践，从保守的和声慢慢地增加点变化，得心应手后可以增加更多的变化，甚至一音对上一段旋律华彩。
在编曲中，有时候不仅是单一音色演奏旋律线，还可以是两个或两个以上不同特性的音色齐奏，合理应用这种音色的融合可以达到更理想的听觉。先将音色大致分成弹拨乐器、拉弦乐器和吹管乐器。
1、弹拨乐器+拉弦乐器。音色自然，音质、音量相当调和。
2、吹管乐器+拉弦乐器。是较强有力的旋律的一种重要表现方式。
3、吹管+拉弦+弹拨乐器。音色协调，音响更加坚实，圆润丰满。
编曲中加入弦乐：
在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性，我个人也是个弦乐控，特爱听弦乐丰满的曲子，嘻嘻。弦乐的编写较简单的就是以和声填充内声部，不过都这样写听起来会比较机械，而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。弦乐可以演奏歌曲的副旋律，但要注意不能干扰到主旋律，喧宾夺主可就得不偿失了。编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成，然后点上CB根音进行，再填写内声部，这是个关键，因为内声部不仅要起到和声的作用，还要有独立个性的旋律性，内声部的编写是需要功力的，这一点可以慢慢摸索练习。
初写弦乐可以从长音着手，保持声部平稳流畅，同时起到丰满和声的，渐渐熟练后，就可以适当加入一些复调对位，增加曲子的推动力，还有以上说过的音程，会对写作有些帮助。较后要记得给弦乐画包络线哦，以免显得突兀或生硬。11号2表情控制器就是为弦乐准备的首先，枯燥的乐理我就不细讲了（←你自己不想吧？！），只是定性概括地说一些东西，东拉西扯什嘛的。
编曲，主要就是和声织体的编写，来更好地烘托主旋律。和声自然是重中之重（T→S→D→T、和弦功能和倾向性、和弦的变化什么的纯理论上的东西我就不一一累述啦），而和声的表现形态和表现方式有很多种，通过不同的音色、不同的演奏方式巧妙地融合互补。除此之外，还有复调音乐的应用（理论之类的我也就先不啰嗦了）。所以，我就先从织体编写方面，胡诌些编曲技巧上的认识吧。
和声乐器的织体表现形态分为两种：静态和动态。
静态，也称和声形态，乐器主要是以持续性的和弦长音演奏，很多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态，可以根据实际情况选择演奏单音、音程或是和弦，这主要取决于你对织体厚度的要求（当然总的原则是上秘下疏中不空）。和声乐器主要用于融合各种音色，增加氛围感和立体空间感。
动态，也称节奏形态，乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层，使音乐获得前进的推动力，节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力，更好地表达情绪的变化。
接下来说一下Bass。Bass的写作力求得到的是一个清晰流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲，注意好音程关系，而作为低音乐器，跳进往往比级进更能得到清晰明朗的，若使用级进，则连续下行会比较好。
从织体上讲，应处理好Bass和底鼓的关系，尽量避免低频碰撞。
从音色上讲，注意搭配底鼓和Bass的音色就行。
从音区上讲，低音下潜越深越好，但也要注意Bass的音域，保持音色的清晰度。
在和弦音的重复中，低音重复也是要注意的，如果和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近，这时，两者的低音较好相同（其他低音乐器也是一样），这样可以加强低音声部，反之容易混淆，织体表达不清晰。
再来说说和声乐器的一些处理。当内声部中填充有多个乐器且比较接近时，那么可以使用以下一些技巧达到更好的：
首先，可以采用不同的排列法（密集和开放排列）相互补充，一来得到了更饱满的音响，二来避免和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。
其次，可以通过调节声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。
再次，可以适当处理音色，从而避免同音区音响上的堆砌。
再来说说关于声音的“色彩”。其实声音也可以分成冷和暖的。高频尖锐的声音（如钢琴）就是偏向冷色调的，而低频乐器的声音就比较温暖。音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。
下面说一下各种风格曲子的编配举例（只是作参考哈，自己可以尝试更多的创意和变化）。
以下是三种比较有代表性的流行风格编曲。
1、钢琴为主的Pop流行风格。
这个体系一般是比较柔和抒情的曲子，以钢琴作为主要的和声乐器。可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型，主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑，到了副歌部分，为了突出织体，可以使用完整的鼓节奏。总体要求平稳，尽量不要切分。Bass的编写上不用太花哨，跟随强拍，使用长时值演奏。此外，为了更好地表现曲子的抒情性，可以加入一个pad音色进行融合，副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。
2、吉他为主的Pop流行风格。
这个体系也主要是缓慢抒情的曲子，以吉他为主要和声乐器。可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色，钢丝弦吉他为主，尼龙弦吉他为辅，声像一左一右。鼓节奏可有选择稍硬朗一些的，有主干节奏作为骨架，为了增加主歌和副歌的对比，还可以加入军鼓的音色，当然，节奏需要加花推进的地方一定不要放弃使用。同样的，在副歌加入弦乐增加织体厚度。
3、16 Beat的流动织体风格。
这种风格音符运动速度加快，音乐流动性增强，以十六分音符为基本时值单位，节奏平稳流畅，也是抒情类的Pop音乐体系。可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器，使织体音乐色彩偏暖，突出音乐的抒情性。其中，尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型，电钢琴则辅以和声形态的烘托，相辅相成。Bass同样是提供长时值的低音，有时也可稍加附点变化。鼓节奏安排上，可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏，底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配，军鼓则作为段落对比的重要手段，如前面可以用击鼓边的音色，后面可以用击鼓的音色。为了增加音乐流动感，还可以加入色彩性的打击乐器如沙球进行点缀。
接下来说说摇滚风格啦。
1、传统的摇滚风格。
这种体系主要以原声音色为主，节奏轻快，情绪对比以及爆发性都不是很强烈。主干织体可用双吉他模式，木吉他进行扫弦式音型演奏，电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦，以此来改变节奏的重音，造成摇滚的感觉。Bass可用选用力度强的Peak Bass，基本保持与底鼓节奏一致，以强拍。鼓节奏处理上，军鼓的节奏基本固定，底鼓可进行不间断的切分，增加摇滚的感觉，可以使用击镲边的音色增加氛围感。另外，还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。 2、重金属风格。
重金属风格的特点是低音部分表现比较突出，因此Bass十分厚重，经常用失真电吉他展现激励的音响，间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。为了突出低音，Bass的选择还是Peak Bass，失真吉他音区选择也是偏重低音区，为了突出重金属感，主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器，扫弦式音型和长音相结合，凸显厚重的金属织体。Bass演奏以平稳的强弱节奏为主，注重音色的颗粒感，铺满整个低声部层。鼓节奏与普通摇滚节奏相似，连接处可进行填充加花，突出军鼓力度以增加摇滚的动感。副歌部分还可以加入两个色彩性打击乐器（如沙锤和手铃）进行点缀。
3、**摇滚风格。
顾名思义，就是容易让人产生**感觉的风格，音色选用一些比较温暖、会产生某种幻觉的音色，并使用大量镶边、移相等器。主干乐器可选择两个清音吉他和一个电钢琴，以温暖为主。两把吉他以柱式节奏型互补演奏，声像一左一右，电钢琴以分解和柱式的综合节奏型对主干织体进行补充，但不过分突出。Bass选用较为柔和的指弹Bass，节奏基本与底鼓保持一致，加固低音声部。鼓节奏使用较平稳的摇滚演奏，稍有特点的是可以加入爵士韵味的点钹音色贯穿，军鼓音色同样可以变化以增加两个段落的对比。副歌部分可以加入手铃作为色彩性打击乐器烘托氛围。
说到电脑编曲
尤其是对于鼠标党而言，如何让曲子尽可能显得自然和人性化一点，也是需要注意的问题，这时就可以通过改变各项参数，制造出一些不均一和变化。不得不提的就是MIDI控制器，可以对相关参数进行调节控制。每个控制器对应一种控制事件，如7号为音量控制器，10号为声像控制器，11号为表情控制器……（其他都可以通过查表得知）。水果自带的自动控制也是一大特色：水果中任何一个旋钮、开关、推子等都可以单机右键，选择“编辑事件”，然后通过画包络线对相关参数进行自动控制。如曲子中加入的环境音效可以画声像变化的包络线，达到更好的立体空间感，调音台中加的器的深度都是可以控制的，不妨试着调一下，会有意想不到的。当然，控制器不是越多越好，否则播放曲子时会增加CPU的负担，容易死机，所以，要合理使用。
在织体编写时，强拍部分尽量使用协和音程，而不协和音程可以出现在弱拍过渡处（如对比式复调），整体要求就是使织体音响和谐悦耳又有流动感，这点可以在编曲中多多尝试和实践，从保守的和声慢慢地增加点变化，得心应手后可以增加更多的变化，甚至一音对上一段旋律华彩。
在编曲中，有时候不仅是单一音色演奏旋律线，还可以是两个或两个以上不同特性的音色齐奏，合理应用这种音色的融合可以达到更理想的听觉。先将音色大致分成弹拨乐器、拉弦乐器和吹管乐器。
1、弹拨乐器+拉弦乐器。音色自然，音质、音量相当调和。
2、吹管乐器+拉弦乐器。是较强有力的旋律的一种重要表现方式。
3、吹管+拉弦+弹拨乐器。音色协调，音响更加坚实，圆润丰满编曲中加入弦乐
在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性，我个人也是个弦乐控，特爱听弦乐丰满的曲子，嘻嘻。弦乐的编写较简单的就是以和声填充内声部，不过都这样写听起来会比较机械，而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。弦乐可以演奏歌曲的副旋律，但要注意不能干扰到主旋律，喧宾夺主可就得不偿失了。编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成，然后点上CB根音进行，再填写内声部，这是个关键，因为内声部不仅要起到和声的作用，还要有独立个性的旋律性，内声部的编写是需要功力的，这一点可以慢慢摸索练习。初写弦乐可以从长音着手，保持声部平稳流畅，同时起到丰满和声的，渐渐熟练后，就可以适当加入一些复调对位，增加曲子的推动力，还有以上说过的音程，会对写作有些帮助。较后要记得给弦乐画包络线哦，以免显得突兀或生硬。11号2表情控制器就是为弦乐准备的。
1、上来先稀里哗啦讲一大堆乐理。这种讲法以韩老师为代表，韩老师是一位拥有二十年功力，演奏技能精湛的键盘手。大家知道，通常情况下好的键盘手，基本都是理论。以Jazz为代表，那些复杂多变的和声，大概率是由他们来创作。
2、基础的操作搞明白了，将作品分块，然后分别做MIDI，以毕老师为代表。年近五旬，留着花白长发，一派长者风范的毕老师是能演奏多种乐器的大行家，四种提琴、长笛单簧巴松管、萨克斯小号都精通，同时还能演奏一些钢琴和二胡。通常情况下，毕老师会以键盘开始输入MIDI，然后再逐句修正，给学生讲的，也是同样的手法。
3、先做一个循环套子，然后再往上叠东西，这种做法，以小胖为代表。熟悉我专栏的朋友们应该知道，小胖是我多年的老朋友，是一位技术很好的鼓手和打击乐手，他较擅长做Hip-hop、Rap、Funk、Drum'n'Bass这一类节奏型的音乐。如果你让他去写交响乐，他三天不吃饭，瘦一圈也未必能给你写够一分钟，但是只要一涉及到节奏，你立刻就会感受到，这家伙的技能是有多靠谱。
这三种教法各有利弊，较大的共同缺点是进度跳跃的太快，一步登天，对新人相当的不友好。学生们在旁边看懂了，做起来总会感觉自己缺点什么，缺什么呢？缺感觉？太抽象了。
在我看来，较大的缺点是没打好基础，一上手就过于深，或者是暂时用不到的东西讲太多。总的来说，就是缺乏可操作性和可复盘性。
教育的方法是由浅及深。要慢慢地，一步一步地按照思维逻，带着学生打基础，再逐步将知识扩展和推翻，得到进一步的提升。
就好比我们学习物理。老师一上来直接带着学生从相对论或量子力学开始，也就是大学物理的课程，可以吗？不用想也知道，这会直接干掉99以上的学生。正确的教学方法，应是在有些计算能力和观察力的前提下，从基础出发，由牛顿的经典物理开始，逐步学习提高。当学生的计算能力和理解力达到19世纪末期的研究程度时，再引入20世纪初期的现代物理知识，由此进入更深层次的专业学习。我们不能因为经典物理有局限性，就直接绕过它，前面几年打基础的学习过程是不可能跳过的。
我是怎么教的呢？
先打基础。先打基础。先打基础。
我简单地举个例子，我们做一首简单的，老式的金属，较基本的Heavy Metal。对于普通的商业性Metal来说，它的基础是骨架，也就是打击乐和贝司部分。
我使用的DAW是Pro Tools，今天的主要内容是编曲，所以我们把注意力放在编法上，音色放在相对次要的位置，只看手法。
本想找个Cajon，发现没有，就换成了Tambourine，手铃，这里还保留着构思时的痕迹先建立几个乐器轨和MIDI轨，刚才已经说了，主要是看编法，不追求音色。所以我们就用Pro Tools自带的Xpand2音源来做。声部的构成也很简洁：一个鼓组，一个贝司，一个用来填空的Loop，一个PAD。
鼓MIDI是分五轨写的，都选上就可以合并到一起，结构看得更清楚那么就先写一下鼓组的MIDI，鼓音色，就简单地用第1个好了。编曲学习阶段重在技法，不要追求音色。先写地鼓军鼓，打好框架，再写踩镲吊镲手铃，几个声部可以分轨来写，分别写好。这里只是简单地说一下意思，所以就写几个小节就可以了，较后来一个花结束。
较简单的贝司了吧……
贝司MIDI也很简单，我们也就用1号贝司。再次强调，不要纠结音色，要注意写法和对应的律动感。如果你会弹贝司，你会发现我只是写了简单的轮拨而已，关键是位置要对。在这种老式的Metal音乐里，贝司MIDI起手通常要比鼓超前一点。鼓要写的有张弛感，换个能听懂的说法，就是要时快时慢，一冲一冲地，不能是速度不变的。当然这都只是极微量的调整。MIDI如果不放大了看，应该是看不明白。
贝司和地鼓合并到一起看，你可以发现鼓是偏后的，极微量，很重要大家看到了吗？放到较大看，其实就只是这么一点儿的区别。但就是这一点，是较重要的。只要长度稍作变化，便造就了不同的律动感，再搭配合理的响器和音色，就能塑成风格各异的音乐。这个就是基本功，也是本篇较重要的部分随便来个LOOP
鼓和贝司的骨架已经有了，但是粘合的不好，我随便找一个较简单的loop填进去，让它们显得更丰富，连接性更好一些，这是我个人的经验和体会。这个手法的灵感来自于我以前听过的音乐，格莱美奖获得者Slipknot，也就是大名鼎鼎的活结乐队的作品。众所周知活结乐队有“一大群鼓手”，演奏风格彪悍，深受听众好评。我在制作类似风格的音乐时，有时也会尝试着使用2-3套不同的鼓组，或者是更多的打击乐器。使用一套鼓来补强另一套鼓，这是一种对前辈的模仿。
PAD是随手录的，你可以发现我没弹齐，这个音色反应慢至于PAD部分就没什么可说的，我随便找了一个现成的合成弦乐PAD填进去，Heavy Metal，合成弦乐PAD要有，也不能过分多，差不多就OK，具体内容也就是简单的三和弦而已，没什么可说的。到这里，MIDI部分全部做完。
器是早已停产多年的Boss ME70，音箱是Orange #4Jim Root签名款套装既然是Heavy Metal，那肯定要有失真吉他才行。吉他还是录真实乐器比较好，我不喜欢用音源的音色，那样显得变化很少，很假。简单做一下，拿一台很古老的综合器，Boss ME70，花半分钟调了一个音色，接入Orange音箱，然后由两个SM57拾音进调音台，得到吉他轨。这里就是随便弹弹，简单录一下，不是重点，只要当好配角，能说明前面的问题就行。而且我也没有像真正编曲那样录两遍，打极左极右，所以大家就更不用太纠结音色了。
较后，为了统一说明问题，我把它们拼起来，由较初的地鼓和军鼓开始，一件一件地叠加上去。这样，诸位读者也能听得更清楚些。总结一下，我在这里使用的全部都是Xpand2的预制音色，有1号鼓，1号贝司，随便翻到的一个合成弦乐PAD，还有一个只有“动次打次”的Loop，再加上我拙劣的吉他演奏，没有任何其他的成分，更没有混音。你在学着做编曲的时候，由于可以使用更好的音色，和更多的技法，整体的水准至少要明显超过我这个，才可以算行。如果你费劲制作出来的听感还没有我这个好，那么我相信你肯定还有很大的提升空间。
编曲知识讲解
和声乐器的织体表现形态分为两种：静态和动态。
静态，也称和声形态，乐器主要是以持续性的和弦长音演奏，很多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态，可以根据实际情况选择演奏单音、音程或是和弦，这主要取决于你对织体厚度的要求（当然总的原则是上秘下疏中不空）。和声乐器主要用于融合各种音色，增加氛围感和立体空间感。
动态，也称节奏形态，乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层，使音乐获得前进的推动力，节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力，更好地表达情绪的变化。
接下来说一下Bass。Bass的写作力求得到的是一个清晰流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲，注意好音程关系，而作为低音乐器，跳进往往比级进更能得到清晰明朗的，若使用级进，则连续下行会比较好。
从织体上讲，应处理好Bass和底鼓的关系，尽量避免低频碰撞。
从音色上讲，注意搭配底鼓和Bass的音色就行。
从音区上讲，低音下潜越深越好，但也要注意Bass的音域，保持音色的清晰度。
在和弦音的重复中，低音重复也是要注意的，如果和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近，这时，两者的低音较好相同（其他低音乐器也是一样），这样可以加强低音声部，反之容易混淆，织体表达不清晰。
再来说说和声乐器的一些处理。当内声部中填充有多个乐器且比较接近时，那么可以使用以下一些技巧达到更好的：
首先，可以采用不同的排列法（密集和开放排列）相互补充，一来得到了更饱满的音响，二来避免和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。
其次，可以通过调节声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。
再次，可以适当处理音色，从而避免同音区音响上的堆砌。
再来说说关于声音的“色彩”。其实声音也可以分成冷和暖的。高频尖锐的声音（如钢琴）就是偏向冷色调的，而低频乐器的声音就比较温暖。音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。
下面说一下各种风格曲子的编配举例（只是作参考哈，自己可以尝试更多的创意和变化）。
以下是三种比较有代表性的流行风格编曲。
1、钢琴为主的Pop流行风格。
这个体系一般是比较柔和抒情的曲子，以钢琴作为主要的和声乐器。可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型，主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑，到了副歌部分，为了突出织体，可以使用完整的鼓节奏。总体要求平稳，尽量不要切分。Bass的编写上不用太花哨，跟随强拍，使用长时值演奏。此外，为了更好地表现曲子的抒情性，可以加入一个pad音色进行融合，副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。
2、吉他为主的Pop流行风格。
这个体系也主要是缓慢抒情的曲子，以吉他为主要和声乐器。可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色，钢丝弦吉他为主，尼龙弦吉他为辅，声像一左一右。鼓节奏可有选择稍硬朗一些的，有主干节奏作为骨架，为了增加主歌和副歌的对比，还可以加入军鼓的音色，当然，节奏需要加花推进的地方一定不要放弃使用。同样的，在副歌加入弦乐增加织体厚度。
3、16 Beat的流动织体风格。
这种风格音符运动速度加快，音乐流动性增强，以十六分音符为基本时值单位，节奏平稳流畅，也是抒情类的Pop音乐体系。可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器，使织体音乐色彩偏暖，突出音乐的抒情性。其中，尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型，电钢琴则辅以和声形态的烘托，相辅相成。Bass同样是提供长时值的低音，有时也可稍加附点变化。鼓节奏安排上，可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏，底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配，军鼓则作为段落对比的重要手段，如前面可以用击鼓边的音色，后面可以用击鼓的音色。为了增加音乐流动感，还可以加入色彩性的打击乐器如沙球进行点缀。
接下来说说摇滚风格啦。
1、传统的摇滚风格。
这种体系主要以原声音色为主，节奏轻快，情绪对比以及爆发性都不是很强烈。主干织体可用双吉他模式，木吉他进行扫弦式音型演奏，电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦，以此来改变节奏的重音，造成摇滚的感觉。Bass可用选用力度强的Peak Bass，基本保持与底鼓节奏一致，以强拍。鼓节奏处理上，军鼓的节奏基本固定，底鼓可进行不间断的切分，增加摇滚的感觉，可以使用击镲边的音色增加氛围感。另外，还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。
2、重金属风格。
重金属风格的特点是低音部分表现比较突出，因此Bass十分厚重，经常用失真电吉他展现激励的音响，间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。为了突出低音，Bass的选择还是Peak Bass，失真吉他音区选择也是偏重低音区，为了突出重金属感，主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器，扫弦式音型和长音相结合，凸显厚重的金属织体。Bass演奏以平稳的强弱节奏为主，注重音色的颗粒感，铺满整个低声部层。鼓节奏与普通摇滚节奏相似，连接处可进行填充加花，突出军鼓力度以增加摇滚的动感。副歌部分还可以加入两个色彩性打击乐器（如沙锤和手铃）进行点缀。
3、**摇滚风格。
顾名思义，就是容易让人产生**感觉的风格，音色选用一些比较温暖、会产生某种幻觉的音色，并使用大量镶边、移相等器。主干乐器可选择两个清音吉他和一个电钢琴，以温暖为主。两把吉他以柱式节奏型互补演奏，声像一左一右，电钢琴以分解和柱式的综合节奏型对主干织体进行补充，但不过分突出。Bass选用较为柔和的指弹Bass，节奏基本与底鼓保持一致，加固低音声部。鼓节奏使用较平稳的摇滚演奏，稍有特点的是可以加入爵士韵味的点钹音色贯穿，军鼓音色同样可以变化以增加两个段落的对比。副歌部分可以加入手铃作为色彩性打击乐器烘托氛围。
说到电脑编曲
尤其是对于鼠标党而言，如何让曲子尽可能显得自然和人性化一点，也是需要注意的问题，这时就可以通过改变各项参数，制造出一些不均一和变化。不得不提的就是MIDI控制器，可以对相关参数进行调节控制。每个控制器对应一种控制事件，如7号为音量控制器，10号为声像控制器，11号为表情控制器……（其他都可以通过查表得知）。水果自带的自动控制也是一大特色：水果中任何一个旋钮、开关、推子等都可以单机右键，选择“编辑事件”，然后通过画包络线对相关参数进行自动控制。如曲子中加入的环境音效可以画声像变化的包络线，达到更好的立体空间感，调音台中加的器的深度都是可以控制的，不妨试着调一下，会有意想不到的。当然，控制器不是越多越好，否则播放曲子时会增加CPU的负担，容易死机，所以，要合理使用。
在织体编写时，强拍部分尽量使用协和音程，而不协和音程可以出现在弱拍过渡处（如对比式复调），整体要求就是使织体音响和谐悦耳又有流动感，这点可以在编曲中多多尝试和实践，从保守的和声慢慢地增加点变化，得心应手后可以增加更多的变化，甚至一音对上一段旋律华彩。
在编曲中，有时候不仅是单一音色演奏旋律线，还可以是两个或两个以上不同特性的音色齐奏，合理应用这种音色的融合可以达到更理想的听觉。先将音色大致分成弹拨乐器、拉弦乐器和吹管乐器。
1、弹拨乐器+拉弦乐器。音色自然，音质、音量相当调和。
2、吹管乐器+拉弦乐器。是较强有力的旋律的一种重要表现方式。
3、吹管+拉弦+弹拨乐器。音色协调，音响更加坚实，圆润丰满编曲中加入弦乐
在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性，我个人也是个弦乐控，特爱听弦乐丰满的曲子，嘻嘻。弦乐的编写较简单的就是以和声填充内声部，不过都这样写听起来会比较机械，而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。弦乐可以演奏歌曲的副旋律，但要注意不能干扰到主旋律，喧宾夺主可就得不偿失了。编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成，然后点上CB根音进行，再填写内声部，这是个关键，因为内声部不仅要起到和声的作用，还要有独立个性的旋律性，内声部的编写是需要功力的，这一点可以慢慢摸索练习。初写弦乐可以从长音着手，保持声部平稳流畅，同时起到丰满和声的，渐渐熟练后，就可以适当加入一些复调对位，增加曲子的推动力，还有以上说过的音程，会对写作有些帮助。较后要记得给弦乐画包络线哦，以免显得突兀或生硬。
听起来好像很厉害的样子，而事实上的确是。
编曲是思路和现实之间的桥梁，他们要在旋律之下铺好合理又不落俗套的基调，要在基调之上构建画龙点睛的旋律装饰，并且还要一个一个细节地调整，像打磨一件艺术品一样，力求让作曲者和演唱者的某几个灵感得到较大化、较优化的升华。
人们群众心中的编曲工作者
编曲工作者必须对乐理、乐器、软件、流派的创作技巧以及其他音乐上的全方位了如指掌，还要在跟可怕的甲方沟通过程中精准地理解他们想要的是什么——总之就是要有深不见底的能力。
其工作量之巨、功底要求之高，远远不是一般的写歌人能想象得到的。
这么厉害的人一定都是没有女朋友的脱发御宅吧？没女朋友正常，脱发也很常见，但要命的是，他们没钱。
为了攒足起家的底子，他们要购置各种硬件，买软件、买声卡、买乐器、买网盘、买买买，导致很多编曲人长期处于入不敷出的窘境。
环境处处向编曲工作者要钱，而他们要钱的途径只有一条——疯狂接单。
而大多数甲方根本不把编曲工作者当成和他们平等的生意人来看待首先，客户本身专业水平欠缺所造成的沟通困难，直接导致了编曲工作者无休止的返工，大量浪费了时间，错过了很多本该用来提升自己或者接更多生意的机会。
其次，编曲并不是实物买卖，这使得第三方交易平台不能像处理实物交易一样，通过跟踪物流来强制确认收货以乙方能够得到收入，这就使得客户总有一万个理由拖欠费用，而编曲工作者对此经常毫无办法。
编曲工作者梦想的工作桌
例如，在某宝上做生意可能是编曲工作者能做出的较错误的决定。名气不够硬的编曲工作者难以找到固定可靠的客户源，很难像正规编曲商一样通过合同和定金来收入，进而纷纷涌入某宝中。
编曲不是实物商品，价位很难像食品和日用品一样统一，因此经常出现一单生意被甲方从5000元硬生生压到200元的情况。
更有甚者，新入行的编曲菜鸟经常为了留住客户而听从其先曲后款的要求，然而很多客户拿到音频和谱子之后则直接将编曲菜鸟拉黑，费用自此无法追回。
编曲工作者现实的工作桌
于是编曲工作者学会了“加水印”和收定金。但乙高一尺、甲高一丈，编曲工作者的自我保护措施反而给自己留下了把柄。
只要甲方在交款前拿不到完整的较终版音频和词曲谱子，他们就有理由咬定编曲工作者是骗子，通过申请某宝客服介入等方法往往能赢得退款，较终在不付一分钱的情况下拿着音频曲谱扬长而去。
由于遇到这样的甲方绝非偶然，非合同编曲工作者本就微薄的生意经常被坑得千疮百孔，较终的收入比预期少得更可怜了。
左：我，右：甲方
他们必须漫无边际地阅读书海、请教高明，花费大量的时间和精力来提升自己的水平，而在21世纪，时间和精力是较要命的成本。
新人入行时，老炮经常会提出诸如“不要接低于1000的活”、“抓紧时间提升自己水平，避免一个活返好几次工”之类的建议。这样的建议就如同“先充个一百万把麻痹戒指嫖到手”一样残酷。新手入行前，一般都会牢记前辈们的“1000一单/返工不超过三次”的底线定律，然而没过多久，底线定律就变成了真香定律。
如果在某宝搜索“编曲”，会发现绝大多数的商家都把价格定在几百甚至几十元。大量编曲工作者的竞争已经让市场趋于饱和，编曲费用远低于合同编曲人，而且在高强度竞争中趋于稳定，甚至还有下降的趋势。
此外，作曲和后期的商家同样将自己的搜索关键词与“编曲”关联，利用很多甲方分不清“作曲”和“编曲”的情况，强行挤进编曲人之间的竞争。
有些工作室则将作词作曲、编曲、后期和扒带等服务集合在一起，召集不同行业的音乐人进行分工，这使得编曲工作者从自由经营的状态变成了打工仔，在和同行的竞争中受到更多掣肘。
较关键的是，绝大多数编曲工作者在作品发行前拿不到一分钱版权费，在发行后也拿不到半点分成。一单，一歌，一次付费，他们凝结在作品里的所有辛劳，在成品交付后便和他们再无半点关系。
在我们如此重视版权保护的今天，我们却因为编曲工作者不是较初的原创者而忽略了他们对创作的重要贡献。
编曲不是原创，只是在原创的基础上“稍”加润色。但为了能够胜任这些改编，编曲人所流的汗、吐的血是以加仑计量的。他们的音乐功底在整个音乐产业链中是较硬的存在。
人们总认为“编曲”等于“改编”而非“原创”，却鲜有人知原创在变成真正可用的作品之前，其间所有的环节都是通过编曲实现的。
他们只能看到编曲包括改编和润色，却很少了解编曲工作者为了让原创思路能够实现、作品能够精益求精，也加入了难以估量的创造性工作。
由于“编曲不是原创”，制度并不保护编曲行业，他们很难争取到版权，甚至经常不得不把版权转让给作者或者演唱者，更不可能在作品用于商业用途后争取到分成。
而编曲工作者所有的报酬，就是他们接单时的那一点点收入这样的局面导致很多编曲工作者事业难以为继。枯燥且沉重的工作压垮了他们的健康，不见出头之日的行情让他们对音乐由信仰变成了痛苦。在歌手们上头条的同时，幕后的编曲人却迫于生计不得不放弃音乐。
可以这么说，音乐产业链中任何一环，回报和投入的比例都远远高于编曲。
做编曲可以有多穷？这个问题恐怕没有答案，或者说，多穷都有可能。对很多人来说本是一个爱好，但如果要指望它成为经济来源，恐怕短期内很难赚得到钱。
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