考级乐理知识,识谱训练面面观

预约测评
提交

发布时间: 2020-01-02 10:50:23

考级乐理知识,识谱训练面面观

考级乐理知识

识谱训练面面观

识谱训练是钢琴基础教学中的重要环节。学生识谱能力的提高与否直接影响着钢琴学习的进度以及个人演奏水平的提高。然而，钢琴学生在平时训练中往往只重视弹奏技巧，而对识谱中存在的问题视而不见。许多钢琴教师虽然强调识谱能力锻炼的重要性，但落实到具体训练上却缺乏有效的方法。本文就如何配合钢琴教学进行识谱训练，谈几点意见和体会，供同行参考。

提起识谱，钢琴教师的反应就是不准错音，节奏和指法正确等。这些方面固然是学生识谱时需要注意的问题，但这些并不是识谱训练的目的。笔者认为，识谱训练的较终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复的简单练习。

识谱一词从表面上看似乎仅仅针对解读乐谱而言。实际上，学生在具体训练中面对的却是来自乐谱和键盘双方面的困难。笔者认为，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面的强调其中一方都无法达到良好的训练。

识谱训练不分阶段性，它贯穿于钢琴学习全过程。当我们引导学生如何认识谱号和音符时，他们已经开始识谱了。面对浩瀚的曲谱文献，识谱将是任何一个钢琴演奏者终生实践的课题。这一切都从他按照乐谱初次接触钢琴弹出音开始。

初学阶段的识谱训练非常重要，这一阶段需要让学生对音符和节奏概念有一个基本的认识。五线谱就像一个坐标，它的横轴是音乐延续的时间，纵轴就是音高。每个音符被安排在相对应的线和间上，表示着固定的乐音。在教学过程中，我们首先要让学生了解乐谱上音高标记的意义，再把它与钢琴键盘对应起来。这时的训练需要一些背诵，单单用数音的方式让学生理解还远远不够。他们必须达到眼一看就能弹出来的水平，因此就要对一些基础音高的位置熟记于心，这里需要注意的是，加线的音并不是特殊的音，对它们的记忆决不可单单依靠形象。许多学生在学到一定程度时仍然分不清加线音的音高位置，或不能很快反应出来就是证明。初学者对音的位置的认识往往从中音区开始，许多初级教材也是从中音区开始教授的。但是，学生一旦认识了这些音就需要马上拓展他们的视野。钢琴有着广阔的音域，学生要对钢琴上的所有者都有清晰的认识，同时能够迅速找到它们在谱面上的具体位置。只有这样，学生才能真正理解五线谱上音位固定的意义。例如，钢琴上有许多C，但中央C只有一个，它在高音谱表上记写在下加的位置。这一点必须向学生反复说明，防止学生在不分音区的情形下弹错。

对于节奏的意识首先要从认识和理解节拍开始。节拍就是音乐进行的时值和尺度。乐曲中的每一个音都包括在整个时间之中，而它们本身又是时间的具体代表。不同时值的音符有着不同的记写方式，学生从一开始就必须明确地认识他们。这项训练需要教师有足够的耐心。让学生理解到音符同时代表着时间，并且需要在精确的节拍制约中弹奏出来，是一个特别复杂的过程。从这一点上，我们也可以考察学生对音乐认识的能力高低，进而开始设计每个学生学习的基本进度。

完成了音高位置和节奏节拍的教学，许多老师开始觉得学生已经踏上了学习钢琴的正轨。其实，这一点还远远没有达到。学生学习中的一些假象会误导教师的判断。我们经常会发现这样的怪事，许多学生在很长一段时间识谱都很顺利，但突然却变得非常棘手。面对这种情形我们首先要反思自己的教学。结果发现，问题基本出在以下两个方面。

，学生在这段学习中识谱难度始终保持在一个不变的水平。学生和老师都感觉到教学进行得很顺利，却没有意识到其中暗藏的隐患，如在弹奏复调作品时由二部到三部过渡的思想准备不够等。

第二，教师在课上总是帮助学生识谱，学生只要将乐曲在下面练熟就可以顺利的通过第二次课的检验。他们几乎没有独立识谱的任何锻炼，所以一旦脱离教师的帮助或者识谱难度突然加大，就会将所有识谱的问题暴露出来。有时这种情形会让教师都变得手足无措。为了避免此类问题的发生，我们必须对学生的实际识谱能力有一个精确的把握，并在此基础上有意识的对它进行训练。首先我们要为识谱的教学制定一个大纲，明确学生在一段时间的学习中应该达到的目标和水平。其二，选择适当的教材尤为重要。为了直接针对识谱进行训练，一般要选择低于学生目前演奏水平的乐曲进行专项训练，但要对学生提出特殊要求。让他们意识到这些练习不同于日常弹奏的乐曲，而要将注意力集中在识谱上。

其三，有目的地加大学生的识谱量，提高他们的识谱速度。有些乐曲需要在课上直接识谱弹奏。学生开始往往表现得很窘迫，但必须按照要求将视奏的乐曲弹完。教师如果能在每次课上增加这种练习，就会大大加快学生的学习速度，带来意想不到的收获。其四，教师布置作业时要明确讲清不同练习需要达到的不同目标，不能将所有布置的作业一概而论。学生对于识谱训练要有足够的认识，因为解决不好这个关键问题，未来的钢琴学习会变得举步为艰。

当学生能够从容地将比较简单的乐曲即兴视奏的时候，识谱训练的重点就要从音和节奏这两个基本方面拓宽。此时，教师应该有意识的引导学生对不同节奏音型和表情记号加以归纳和练习。在教学中，我们经常看到一些学生弹奏作品时一个音也不错，可就是干涩、难听的要命。究其根本原因，学生在平时的识谱中仅仅满足于节奏与音符的准确无误，但对于音乐的特征和情绪却很少思考。教师应从一开始，就要提醒学生在识谱时还需看到各种强弱记号和表情标记，明确音乐表现同样是识谱训练中的一部分。音乐演奏如果不顾及情感的表现与渗入，那么音乐的价值就会荡然无存。

对于踏板的应用，这是一个专门的课题。它的难度一点也不亚于手指触键。但是对于初学者来说，不能因为踏板应用的难度而回避使用它。钢琴老师大多不愿意看到学生胡乱地踩踏板，于是在没有把握的情况下，即使谱面标记了踏板符号也不让学生轻举妄动，久而久之，学生对踏板有一种畏惧感。等到真正开始学习踏板知识时，往往会变得非常不适应。实际上，踏板只是一种增加钢琴音乐色彩、烘托表情的手段。对它的使用固然有许多要学的东西，但如何处理踏板仍然是以个人的喜好和演奏要求来决定的。既然钢琴演奏家们能够按照自己的风格应用踏板，那么对于普通学生也可以大胆的实践。几乎没有人能够告诉你踏板使用的秘诀，这一点只有靠自己多年的演奏去体会。能够在识谱过程中同时加入踏板，这本身也是一种识谱能力的训练。

学生在弹奏某些新曲目时，有时会遇到非常大的识谱困难，其原因主要有两点。点与学生的协调能力有关。许多从未接触过的节奏型或指法设计会大大降低学生识谱的效率。这时就需要进行针对特殊音型或节奏型的专项训练。教师要选择乐谱中较具代表性的部分让学生反复练习，认真体会特殊节奏型的律动感觉。手指也要慢慢适应谱面标记的动作要求，直到能够从容应付这种音型的弹奏为止。需要注意的是，这种练习并不仅仅为了弹好一首乐曲，而是一种音型演奏动作的积累。当学生在其他作品中再次遇到这些音型，就能够从容弹奏了。第二点，是有关学生的读谱意识的。许多学生在达到相当程度时，识谱能力仍然停留在数音的水平。对于一长串音符或有规律的音型反复，他们都要花很长时间来慢慢弹奏。对于这种情况，老师要引导学生放弃数音的识谱方式，让他们熟悉以小节为单位的识谱方法。这个过程不能急于求成，需要从简单的曲目入手做大量练习，逐渐养成弹这一小节看下一个小节的习惯。随着学生整体识谱能力的提高，甚至可以做到隔行识谱。这种针对识谱意识的训练对学生今后从事钢琴伴奏有着直接的好处。

不同乐曲的创作技法和风格有着很大差异，因此对识谱的具体要求也不相同。这里重点谈谈复调钢琴作品的识谱问题。复调音乐的创作以对位为基础，是多个声部旋律与纵向并置的结合体。为了让学生在初学时对复调音乐的特征有正确的认识，需要学生分声部练习。认真体会主题进出的位置和连接部分的节奏律动。此时不要急于合手，因为学生大多不能应付如此复杂的演奏要领和动作要求，这时就需要分手、分声部将每个乐句弹奏熟练，了解它们的来龙去脉才能合并在一起演奏。但是，如果学生弹奏复调作品已经达到一定水平，从识谱训练的角度考虑，也可以适当进行合手的训练。当然，这种训练又比其他练习难了许多。其中的要求也会更加复杂。总之，要想弹奏好复调乐曲，必须调整原有的纵向和声观念，让我们的意识去更加注意横向的旋律线条，这样的思维方式也符合复调音乐创作的基本原则。

识谱训练是钢琴教学中一项重要的任务。它能够帮助学生更加灵活地学习钢琴、应用钢琴。只要学生掌握了识谱的基本技能，他就能够在钢琴上从容弹奏程度相当的新作品，而不必把大量时间用在读谱上。如果学生在演奏中体会到自在自如的快乐，那么识谱训练无疑也达到了它的目的。

属功能和弦可用的27种音阶的总结！

六、属功能和弦音阶使用的总结

当一个具有属功能的属七和弦出现时，有时我们可以不用考虑它的具体的功能，而直接选用属音阶或其变化音阶。

我们知道，和弦音阶是由和弦音加入可用扩展音构成的，所以我们可以创建任何一个和弦所对应的和弦音阶，如G7（b9）和弦的和弦音结构为1-3-5-b7，可用扩展音可选择b9-#11-13，把两者结合就构成一条MIXOLYDIAN（b9、#11）音阶：1-b2-3-#4-5-6-b7-1。

在实际运用中，我们可以把属音阶及其变化音阶再省略某个或几个音，也可加入过渡音，这样又有不同的音阶可以选用。

属功能和弦音阶使用的总结

（1）MIXOLYDIAN：1、2、3、4、5、6、b7、1

（2）MIXOLYDIANb9：1、b2、3、4、5、6、b7、1

（3）MIXOLYDIAN#9：1、#2、3、4、5、6、b7、1

（4）MIXOLYDIANb9、#9：1、b2、#2、3、4、5、6、b7、1

（5）MIXOLYDIAN#11：1、2、3、#4、5、6、b7、1

（6）MIXOLYDIANb9、#11：1、b2、3、#4、5、6、b7、1

（7）MIXOLYDIAN#9、#11：1、#2、3、#4、5、6、b7、1

（8）MIXOLYDIANb9、#9、#11（半全减音阶）：1、b2、#2、3、#4、5、6、b7、1

（9）MIXOLYDIANb13：1、2、3、4、5、b6、b7、1

（10）MIXOLYDIANb9、b13（西班牙音阶）：1、b2、3、4、5、b6、b7、1

（11）MIXOLYDIAN#9、b13：1、#2、3、4、5、6、b7、1

（12）MIXOLYDIANb9、#9、b13：1、b2、#2、3、4、5、b6、b7、1

（13）MIXOLYDIANb9、#11、b13：1、b2、3、#4、5、b6、b7、1

（14）MIXOLYDIAN#9、#11、b13：1、#2、3、#4、5、b6、b7、1

（15）MIXOLYDIANb9、#9、#11、b13：1、b2、#2、3、#4、5、b6、b7、1

（16）ALTERED：1、b2、#2、3、#4、b6、b7、1

（17）BLUES音阶：1、b3、4、#4、5、b7、1

（18）大调五声音阶：1、2、3、5、6、1

（19）小调五声音阶：1、b3、4、5、b7、1

（20）小六五声音阶：1、b3、4、5、6、1

（21）BEBOP属音阶：1、2、3、4、5、6、b7、7、1

（22）DORIANb2：1、b2、b3、4、5、6、b7、1

（23）全音阶：1、2、3、#4、#5、b7、1

（24）从#4音上建立的MIXOLYDIAN：1、2、3、4、5、6、b7、1

一个属功能和弦可以被替代属和弦（详见第九章替代属和弦部分）所替代，而替代属和弦所对应的属音阶也可在原属功能和弦中使用。

（25）从#4音上建立的IONIAN：1、2、3、4、5、6、7、1

有时在II—V—I进行时属功能和弦也可使用其他自然大调音阶

DDORIAN#CIONIANCIONIAN

4/4‖D־7︱G7︱CMAJ7‖

上例中#CIONIAN实际包含了G7中的可用扩展音、BLUES音乐中的#4过渡音及BEBOP属音阶中的7过渡音：

#CIONIAN中#C#D#E#F#G#A#B#C

G7中#4#5b77b2#24#4

上例中4音（#B）及7音（#F）应少用或避免使用。

除此之外，我们还知道属七和弦加入九音省略根音则变化为从其三音上建立的小七降五和弦，其所对应的LOCRIAN及LOCRIAN6（见小调和弦音阶）也可应用在属七和弦中：

（26）从三音上开始的LOCRIAN：1、b2、b3、4、b5、b6、b7、1

（27）从三音上开始的LOCRIAN6：1、b2、b3、4、b5、6、b7、1

音乐的构成四个基本要素简谱乐理基础知识(2)

休止符

音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。表示声音休止的符号叫休止符，用“ 0 ”标记。通俗点说就是没有声音，不出声的符号。

休止符与音符基本相同，也有六种。但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。

半音与全音

音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。在音乐中，相邻的两个音之间较小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。

变化音

将标准的音符升高或降低得来的音，就是变化音。将音符升高半音，叫升音。用“#”(升号)表示，一般写在音符的左上部分，如下所示：

标准的音降低半音，用“b ”(降号)表示，同样写在音符的左上部分。

基本音升高一个全音叫重升音，用“x”(重升)表示，这和调式有关。

基本音降低全音叫重降音。用“bb”(重降)表示。

将已经升高(包括重升)或降低(包括重降)的音，要变成原始的音，则用还原记号“ヰ”表示。

附点音符

附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半, 带附点的音符叫附点音符。

节奏

掌握读谱，首先要掌握节奏，练习掌握节奏要能准确的击拍。击拍的

方法是：手往下拍是半拍，手掌拿起有半拍，一下一上是一拍。

节拍

乐曲或歌曲中，音的强弱有规律地循环出现，就形成节拍。节拍和节奏的关系，就像列队行进中整齐的步伐(节拍)和变化着的鼓点(节奏)之间的关系。

单拍与复拍

单拍指每小节一个强拍。复拍每小节有一个强的，有若干个次强的。

调式音阶

按照一定关系结合在一起的几个音(一般是七个音左右)组成一个有主音(中心音)的音列体系，构成一个调式。

把调式中的个音，从主音到主音，按一定的音高关系排列起来的音列，叫音阶。

大调式

凡是音阶排列符合全、全、半、全、全、全、半结构的音阶，就是自然大调。这是使用的较广泛的调式。

一般来说，一首音乐作品的开始音符是使用1、3或5的，而结束在1上的就是大调音乐。比如国歌就是大调音乐。要想真正搞懂大调音乐，必须要学习和声知识。

音乐体裁

【前奏曲】

（Pre1ude）原文是“序”、“引子”之意。它是一种单主题的中、小型器乐曲。它源自十五、十六世纪某种乐曲前的引子，较初常为即兴演奏，有试奏乐器音准、活动手指及准备后边乐曲进入的作用。不少作曲家均有独立的钢琴前奏曲。十九世纪后，西洋歌剧、乐剧中的开场或幕前音乐亦有称作"前奏曲"者，其含义与上述独立体裁的前奏曲有所不同。

【序曲】

（Overture）乐曲体裁之一。原指歌剧、清唱剧等作品的开场音乐，十七、十八世纪的歌剧序曲分为“法国序曲”及“意大利序曲”两类。前者为复调风格，由慢板、快板、慢板三个段落组成，中段为赋格形式，末段较短；后者为主调风格，由快板、慢板、快板三个段落组成，后世交响曲即由此演变而成。十九世纪以来，从贝多芬开始，作曲家常采用这种体裁写成独立的器乐曲，其结构大多为奏鸣曲式并有标题。如贝多芬的《科里奥兰序曲》、柴可夫斯基《1812年序曲》等。

【套曲】

（Divertimento）包括若干乐曲或乐章的成套器乐曲或声乐曲，其中有主题的内在联系和联贯发展的关系。如柴可夫斯基的钢琴套曲《四季》，舒伯特的声乐套曲《美丽的磨坊女》等。认广义上说，奏鸣曲、交响曲、组曲、康塔塔等均属之。

【小步舞曲】

（Menuet）一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十九世纪初，小步舞曲构成交响曲奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所代替。

【谐谑曲】

（Scherzo）谐谑曲亦称诙谐曲，一种三拍子器乐曲。其主要特点是节奏活跃、速度较快，常出现突发的强弱对比。它常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现，以取代宫廷风格的小步舞曲。

【赋格】

（Fuga）西洋复调音乐中主要曲式和体裁之一，又称“遁走曲”，意为追逐、遁走。它是复调音乐中较为复杂而严谨的曲体形式。其基本特点是运用模仿对位法，使一个简单的而富有特性的主题在乐曲的各声部轮流出现一次（呈示部）；然后进入以主题中部分动机发展而成的插段，此后主题及插段又在各个不同的新调上一再出现（展开部）；直至较后主题再度回到原调（再现部），并常以尾声结束。

【卡农】

（Canon）复调音乐的一种，其原意为“规律”。同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断的模仿，即严格的模仿对位。

【练习曲】

（Etude）用于提高器乐演奏技巧的乐曲。它通常包含一种或数种特定技术课题。肖邦为其创始人。这种乐器练习曲除用以练习技巧外，同时具有高度的艺术性和舞台。李斯特、德彪西等都创作有此类练习曲。

【浪漫曲】

（Romance）泛指一种无固定形式的抒情短歌或短小的器乐曲。其特点为：曲调表情细致与歌词紧密结合，伴奏亦较丰富。

【狂想曲】

（Rhapsodie）一种技术艰深且具有史诗性的器乐曲。原为古希腊时期由流浪艺人歌唱的民间叙事诗片断，十九世纪初形成器乐曲体裁。其特征是富于民族特色或直接采用民间曲凋，如李斯特的19首《匈牙利狂想曲》拉威尔的《西班牙狂想曲》等。

【幻想曲】

（Fantasia）一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐叙事曲。原指一种管风琴或古钢琴的即兴独奏曲。十八世纪末叶起，幻想曲遂成为独立的器乐曲，如格林卡运用俄罗斯民间音乐写成的管弦乐曲《卡玛林斯卡亚》幻想曲。

【创意曲】

（Invention）它是以模仿为主的复调音乐的体裁名称，是一种复调结构的钢琴小曲，根据某一音乐动机即兴发展而成，类似小赋格曲等。

【托卡塔】

（Toccata）又称“触技曲”，它是一种富有自由即兴性的键盘乐曲。

【萨拉班德】

（Sarabande）舞曲的一种。据情起源于波斯，十六世纪初传入西班牙。由于情调热烈奔放而被教会禁止。十六世纪未传入法国后，逐渐演变为速度缓慢、音调庄重的舞曲，常用于贵族社会和舞剧中。其结构为二部曲式，节奏为三拍子；第二拍的音，时值较长而突出。

【塔兰台拉】

（Tanantella）塔兰台拉原为意大利南部的一种民间舞曲。据传：被一种毒蜘蛛“塔兰图拉”（Tarantula）咬伤的人，必须剧烈跳舞始能解毒，塔兰台拉舞即起源于此说，另一说此舞因产生于塔兰多城而得名。其特点：速度极快，6／8或3/4拍子，主要节奏为连续不断的三连音，情绪热烈。

【即兴曲】

（Impromptu）它原是钢琴独奏曲的体裁名称，后也用于其他乐器的独奏乐曲。它是即兴创作的器乐小品，常由激动的段落和深刻抒情的段落组成，所以大多数是复三部曲式的。

【夜曲】

（Nocturne）原指十八世纪所流行的西洋贵族社会中的器乐套曲，风格明快典雅，常在夜间露天演奏，与“小夜曲”类似。

【小夜曲】

（Serenade）原指傍晚或夜间在情人的窗下歌唱的爱情歌曲体裁，所以曲调常是亲切抒情的。在十八世纪末开始出现多乐章的重奏或合奏曲的小夜曲，则是为当时的达官贵族餐宴时助乐用的，曲调较轻快活泼，而与爱情无关，属于室内乐体裁。

【无言歌】

（SongwithoutWords）（无词歌）它的旋律犹如歌曲，用音型伴奏，但却无歌词，不供歌唱之用，是抒情歌曲般的器乐小品。由门德尔松。

【摇篮曲】

（Lullaby）又称催眠曲，它原是母亲抚慰小儿入睡的歌曲，通常都很简短。其旋律轻柔甜差，伴奏的节奏型常带摇篮的动荡感。

【随想曲】

（Caprice）又称奇想曲、异想曲，其性质近似幻想曲，也是结构自由、大小不定，指一种富于幻想的即兴性器乐体裁，有赋格式、套曲形式。

【圆舞曲】

（Waltz）又称“华尔兹”，起源于奥地利北部的一种民间三拍子舞蹈。圆舞曲分快、慢步两种，舞时两人成对旋转。十七、十八世纪流行于维也纳宫廷后，速度渐快，并始用于城市社交舞会。十九世纪起风行于欧洲各国。现在通行的圆舞曲，大多是维也纳式的圆舞曲，速度为小快板，其特点为节秦明快，旋律流畅；伴奏中每小节常用一个和弦，拍重音较突出，的圆舞曲有约翰·施特劳斯的《蓝色多淄河》、韦伯的《邀舞》等。

【玛祖卡】

（Mazurka）波兰的一种民间舞曲，其动作有滑步、成对旋转、女人围绕男子作轻快跑步等。玛祖卡的音乐特点为：中速、三拍子，重音变化较多，以落在第二、三拍常见，情绪活泼热烈。

【波洛乃兹】

（Polonaise）也称“波兰舞曲”一种庄重缓慢、具有贵族气息的三拍子舞曲，源于波兰民间。

【波尔卡】

（Polka）捷克的一种民间舞曲，以男女对舞为主，其基本动作由两个踏步组成，一般为二拍子。

【协奏曲】

（Concerto）指一种由独奏乐器与管弦乐队协同演奏的大型器乐作品。它的特点是独奏部分具有鲜明的个性和高度的技巧性。在音乐进行中，独奏与乐队常常轮流出现，相互对答、呼应和竞奏。独奏时，乐队处于伴奏地位，会奏时，独奏乐器休止，完全由乐队演奏。古典协奏曲的奠基人是莫扎特。协奏曲一般分为三个乐章：乐章是热情的快板，多用奏鸣曲式，音乐充满生气；第二乐章是优美的、抒情的慢板，音乐带有叙事风格；第三乐章是欢乐的舞曲，音乐蓬勃有力，活跃奔放。在第二乐章结束前往往加有独奏乐器单独演奏的华彩乐段，以表现高度的演奏技巧。

在现代协奏曲创作中，也有以花腔女高音独唱（无词）与乐队的协奏的声乐协奏曲。

【组曲】

（Suite）它是“继续”、“连续”之意，由若干器乐曲组成的套曲，其中各曲有相对的独立性。组曲有古典、近代之分。古典组曲又称"舞蹈组曲"，兴起于十七到十八世纪之间，它采用同一调子的各种舞曲连接而成，但在速度和节拍等方面互相形成对比，如巴赫的古钢琴组曲。近代组曲又称"情节组曲"，兴起于十九世纪，从歌剧、舞剧、戏剧音乐或电影音乐中选若干乐曲编成。有的组曲系根据特定标题内容或民族音乐素材写成，如挪威作曲家格里格的《培尔·金特组曲》、俄国作曲家里姆斯基的《舍赫拉查达》、捷克作曲家德沃夏克的《捷克组曲》等。

【交响诗】

（Symphonicpoem）一种单乐章的具有描写和叙事、抒情和戏剧性的管弦乐曲，属标题音乐的范畴。匈牙利作曲家李斯特于1850年这一体裁，后来发展了它。交响诗的题材多取自文学、诗歌，戏剧，绘画及历史传说，内容富有诗意；乐曲形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥，也有用变奏曲式、三部曲式或自由曲式写成的。

另有音诗、音画、交响童话、交响传奇等体裁，均与交响诗的性质相类似。

【奏鸣曲】

（Sonata）原是意大利文，它是从拉丁文“Sonare”（鸣响）而来，而与“Cantata”（康塔搭，大合唱）一词相对立，是大型声乐套曲体裁之一，原意为“用声乐演唱”，一个是“响着的”，一个是“唱着的”。起初奏鸣曲是泛指各种结构的器乐曲，到十七世纪后期在意大利作曲家柯列里的作品才开始用几个互相对比的乐章组成套曲型的奏鸣曲。到十八世纪方定型为三个乐章。（海顿、莫扎特的钢琴奏鸣曲都是三个乐章的。）后来“奏鸣——交响套曲”又增加了一个“小步舞曲”乐章，插在第二、三乐章之间，成为四个乐章的“奏鸣——交响套曲”。到贝多芬又用“谐谑曲”代替“小步舞曲”，后来的作曲家还有用“圆舞曲”作为第三乐章的。奏鸣曲在结构上类似组曲的一套乐曲，但它又和交响曲分不太开，它是一种大型套曲形式的体裁之一。

【康塔塔】

（Cantata）大型声乐套曲体裁的一种。原意为“用声乐演唱”。较初是一种独唱或重唱的世俗叙事套曲，以咏叹调和宣叙调交替组成，到十七世纪中期传入德国，遂发展成为一种包括独唱、重唱、会唱的声乐套曲，以世俗或《圣经》故事为题材。"康塔塔"在形式上与"清唱剧"有相似之处，唯规模较小；其内容偏重于抒情，故事内容亦较简单。

【清唱剧】

（Oratorio）译为“神剧”、“圣剧”。它是大型声乐套曲体裁的一种。包括独唱（咏叹凋，宣叙调），重唱合唱及管弦乐等，十六世纪末起源于罗马，初以《圣经》故拿为题材，化妆演出，其后亦采用世俗题材。十七世纪中期始发展为不化妆的音乐会作品，其中合唱处于主要地位。

【交响曲】

（Symphony）源于希腊语“一齐响”，是大型器乐曲体裁，亦称“交响乐”，系音乐中较大的管弦乐套曲。交响曲的产生同十七、十八世纪法国、意大利歌剧的序曲以及当时流行于各国的管弦乐组曲、大型协奏曲等体裁有直接的联系。

交响曲的结构，一般分四个乐章（也有只用两个乐章或五个乐章以上的），各乐章的特点如下：

乐章：奏鸣曲式结构，其音乐特点是快速、活泼，主调具有戏剧性，表现人们的斗争和创造性的活动。它强调不同形象的对比和戏剧性的发展，是全曲的思想核心。乐章前常见概括全曲基本形象的慢速序奏。

第二乐章：曲调缓慢、如歌，是交响曲的抒情中心。采用大调的下属调或小调的关系大调。它的曲式常为奏鸣曲式（可省略展开部），单、复三部曲式，或变奏曲式等，具有抒情性。第二乐章往往表现哲学思想，人道主义精神，爱情生活，自然风光等，其内容与深刻的内心感受及哲学思考有联系。这里突出人们的情感和内心体验。

第三乐章：中速、快速，可回到主调，常以小步舞曲或谐谑曲为基础，采用复三部曲式、变奏曲式等，具有舞蹈性。

在古典交响曲的这一乐章中，往往描写，人们闲暇、休息、娱乐和嬉戏等日常生活的景象，以及活泼幽默的情绪。

第四乐章：非常快速，主凋多采用回旋曲式、回旋奏鸣曲式或奏鸣曲式的结构，它常常表现出生括的光辉和乐观情绪，也往往表现出生活、风俗和斗争的胜利，节日狂欢场面等。它是全曲的结局，具有肯定的性质。

因此，交响曲是音乐作品中思想内容较深刻、结构较、写作技术较全面而艰深的大型器乐体裁，它以表现社会重大事件、历史英雄人物、自然界的千变万化、富于哲理的思维以及人们为之奋斗的崇高理想等为见长；它总带是有一定程度的戏剧性。

交响曲虽在十六、十七世纪已形成了规范的基本格局，但十八到十九世纪维也纳古典乐派为交响曲的形成作出了重要的贡献，因而使欧洲的器乐创作发展到了一个重要阶段，成了维也纳古典乐派的前驱。

海顿确立了四个乐章的交响曲的规范形式，采用了编制理想的乐队组合方式，展示了多样的主题发展方法，使小步舞曲洋溢着民间的气息。他一生写了一百零四部交响曲，被誉为“交响曲之父”。

莫扎特的交响曲，清丽流畅、结构工整，吸收了德奥歌剧的创作经验和民间素材，采用带有复调因素的主调风格和旋律化的展开手法，丰富了交响曲的表现力。他一生共创作交响曲四十九部，由于他创作的早熟，人们称他为“天才中的天才”。

海顿、莫扎特的交响曲，被人们视为交响音乐创作中的“珍品”。

贝多芬在他的交响曲中浸渗了法国大革命先进思想和战斗热情。他用广阔发展的动机，自己以富于动力性的和声，扩大了展开部的内容，给结束部以充分抒发的余地，使奏鸣曲式成为戏剧性的形式。他用诙谐（谐谑）曲代替了小步舞曲乐章，使终曲乐章成为全曲肯定性的结局，甚至在末乐章引入了合唱，这使他成为浪漫乐派的开路人。无论在思想上还是在技巧上，贝多芬都是一位巨人。他的九首交响曲被视为交响音乐创中的“”。

自十九世纪开始，经浪漫乐派、民族乐派、后期浪漫乐派之手，交响曲又有了新的发展。

常用音乐术语(二)

深圳钢琴教育网常用音乐术语·② 常用音乐术语（1、②）

--------------------------------------------------------------------------------

术语名称简释实例

五重奏quintet

由五件乐器分奏五个声部的室内乐

弦乐五重奏string quintet

由两把小提琴、两把中提琴、一把大提琴（或一把中提琴、两把大提琴）演奏的室内乐

钢琴五重奏piano quintet

由四件弦乐器与钢琴演奏的室内乐

歌剧opera

综合音乐、诗歌、舞蹈等艺术而以歌唱为主的一种戏剧形式。

轻歌剧operetta

题材、内容抒情、结构短小的一种戏剧性歌剧

音乐喜剧musical comedy

融戏剧、歌舞、音乐于一体的一种音乐剧。富于幽默情趣与戏剧色彩，音乐通俗易懂。

咏叹调aria

西洋歌剧、清唱剧或康塔塔中的独唱曲

宣叙调recitative

一种用以代替对白的歌剧。节奏自由，曲调接近与朗诵

歌曲song

由歌词和音乐相结合、以表达思想、抒发情感的一种声乐体裁。

艺术歌曲art song

侧重表现人的内心世界，歌词多采用诗词，曲调表现力强的抒情歌曲

声乐套曲song cycle

以同一诗人的诗为歌词，由一组内容为同一主题，同一故事歌曲组成的音乐统一体

民歌folksong

民间口头流传的歌曲

牧歌madrigal

由14世纪意大利田园曲演变成的多声部声乐曲

清唱剧oratorio

神剧或圣剧，介于歌剧和康塔塔之间的多乐章大型声乐套曲

康塔塔cantata

多乐章的大型声乐套曲

大合唱grand vocal cycle

包括独唱、重唱、对唱、齐唱与合唱（有时穿插朗诵）的，通常由管弦乐队伴奏的多乐章的大型声乐套曲

声部voice

凡结合两行以上的旋律或两个以上的音同时进行的音乐，称多声部音乐，其中每一行旋律或构成和弦进行的每一条音的线条即为一个声部

美声唱法bel canto

意大利文为优美的歌唱，并兼有美丽的歌曲的含义

女高音soprano

女声音域中较高的声部

次女高音

mezzo soprano

次于女高音的女声。音域在女高音与女中音之间。（有人将次女高音称为女中音）

女中音

alto或contralto

女声较低的声部。（有人将女中音称为女低音）

抒情女高音Lyric soprano

音色柔美、清丽的女高音

花腔女高音

coloratura soprano

音色绚丽轻巧而富有弹性的女高音

戏剧女高音

dramaltic soprano

音色壮实，浑厚有力的女高音

男高音tenor

较高的男声

男中音bariton

次于男高音的男声

男低音bass

次于男中音的男声

抒情男高音Lyric tenor

音色恬美柔和而富于歌唱性的男高音

戏剧男高音

dramatic tenor

音色浓厚、壮实而饱满的富有英雄气慨的男高音

童声child’s voice

少年儿童在未变声以前的嗓音，音色与女声相似。无男女之分

假声falsetto

人们日常说话的声音为真声，与之不同的发声状态所发出的声音（男作女）为假声。其为成人的较高声区

经文歌motet

欧洲中世纪和文艺复兴时期演唱解释《圣经》的复调合唱歌曲

弥撒mass

天主教在举行弥撒仪式时所唱的复调风格声乐套曲

安魂曲requiem

追思曲。一种用于天主教追悼仪式的合唱套曲

音程interval

指两音间的距离，计算单位为“度”

音名pitch names

指西洋音乐中的七个基本音级的名称，即CDEFGAB

唱名

syllable names

把七个基本音级依次唱出来的do、re、mi、fa、sol、la、si为唱名，简谱写作1234567

音区register

乐器或人声的整个音域

音域range

指某一乐器或人声所能发出的较低音到较高音之间的范围

标准音standard pitch

指音乐中用作定音标准的a1音，其频率为440赫兹。也就是C大调音阶中6（la）这个音

音高pitch

听觉赖以分辨乐音高低的一种特性

音阶scale

指调式中的各音从主音到其八度音，按音高次序排列而成的音列（如C大调的音阶为1234567i）

调式mode

指音阶的不同的组合形式。西洋音乐有大调式与小调式之分。

调key

调门。一般指某个调式的主音（起始音）的音高，这个主音音高的音名，就是这个调式的调（调门）的名称。

旋律melody

曲调。指音与音有组织的横向组合

节奏rhythm

指音的长短、强弱作周期性的变化的形态。一般将节奏、旋律、和声三者称为音乐形成的三大要素

节拍meter

乐曲中周期性出现的节奏序列

和声harmony

指两个以上的音按一定的音和关系同时发声的纵向组合。

速度tempo

指音乐进行时节拍的相对快慢程度

力度dynamics

指音乐演奏时音响的强弱程度。

曲式form

指乐曲的结构形式。其基本的模式有两种：二段式（二部曲式）和三段式（三部曲式）

主题theme

乐曲中具有特征的并处于显著地位的旋律。

副歌

accessory theme

指一首歌曲中每遍所唱的歌词都相同的部分。起着集中表达全曲中心思想的作用

乐句phrase

由许多乐节组成的，能表达一定意思的一个旋律

乐段period

由若干乐句组成的，表现一段大致完整的乐思的段落

二段体binary form

指由两个乐段组成的曲式，前后两段形成对比

三段体fernary form

由三个乐段组成的曲式。段与第三段相同或基本相同，第二段则具有对比性质

复三段体compound ternary form

由三个二段体或三段体组成的曲式。

乐章movement

大型套曲中在结构上有相对独立性的一个章节

前奏anabole

乐曲前面的序奏

华彩段cadenza

乐曲中由独奏者自由发挥其表演技术的段落，通常乐队暂停演奏

尾声postlude

指乐曲的结束部分，起着补充总结或推向高潮的作用

单声音乐monophony

由单一旋律所构成的音乐，包括没有伴奏的独唱、独奏、以及旋律作同度或八度重叠的齐唱、齐奏。

复调音乐polyphony

由若干旋律性声部同时进行而组成的乐曲，其每一个声部都同等地重要并具有独立性，但同时各声部又彼此形成和声关系

主调音乐homophony

在众多的声部中，以一个旋律性较强的声部为主，其余声部作为陪衬

指挥conductor

领导乐队或合唱队进行排练和演出的人

标题音乐program music

有文字说明乐曲内容的音乐作品。

古典音乐classical music

泛指时指过去时代具有典范意义或代表性的音乐（不含民间音乐）；专指时指维也纳古曲乐派的音乐或师法于该乐派的音乐

爵士乐Jazz

本世纪初产生于叛国新奥尔良的一种溶合了黑人的散拍乐，灵歌与布鲁斯的音乐形式。

管弦乐团orchestra

由弦乐器、管乐器与打击乐器组成的大型器乐合奏团体。

交响乐团symphony orchestra

指大型的管弦乐团

铜管乐团brass band

由铜管乐器和部分打击乐器组成的乐团，其有别于兼有木管乐器的管乐团

管乐团wind band

由木管乐器、钢管乐器和打击乐器组成的吹奏乐团，也泛指军队中的军乐团或同一类型的管乐团

钢鼓乐团

steel band

由不同类型的铜鼓所组成的乐团，人数几十至百余人不等

单元4.2 演奏记号－连音记号跳音记号保持音记号滑音记

标签:

演奏记号

连音记号

跳音记号

保持音记号

第二节　演奏记号

演奏记号是指在音乐的演奏中常用的一些记号和标记，它们是为了让音乐的演奏更加精确，或是为了要达到某种特殊的而采用的演奏方法，由于音乐所使用的乐器众多，每种乐器都可能有各自不同的演奏方法，所以针对不同的演奏方法就有许许多多各类繁多的记号。

我们基本乐理中所讲的只是平时常用的一些演奏记号，，并不是针对某一种乐器而言的，因此上只讲授许多演奏记号中的一少部分。

4.2.1　连音记号

连音记号（Legato）又称圆滑线、连音线，用连线标记，一般记写在音符的上方或下方，表示连线内的音要唱、奏得连贯、流畅。

在器乐曲中用连线来划分乐句：弦乐曲中表示用一弓拉完连线内的乐句；管乐曲中表示用一口气吹奏完连线内的乐句。

在声乐曲中连线表示一字多音。

在较长的乐段一直有圆滑流畅的要求，则用Legato字样来标记出来。

弦乐小夜曲　　　

4.2.2　跳音记号

跳音记号（Stagato）又称顿音、断音，用小圆点、倒三角来标记，一般记写在音符的上方或下方，表示该音要唱、奏得相互分离、短促、跳跃。

根据不同的记号，可分为长跳音和短跳音两种。长跳音用小圆点来标记，演奏该音符的一半时值；短跳音用倒三角来标记，演奏该音符的四分之一。

在简谱中跳音记号用倒三角来标记，记写在音符的上方。其中长跳音用空心小三角标记；短跳音用实心小三角来标记。

袋鼠　　　小星星变奏曲

4.2.3　保持音记号

保持音记号（Sostenuto），用短横线来标记，一般记写在音符的上方或下方，表示该音要唱、奏得饱满、时值保持充分，同时要稍稍加强一些力度。

4.2.4　滑音记号

滑音记号多用于民间音乐中，用斜波线或弯曲的箭头来标记，表示该音在唱、奏时要有向下或向上的滑音，或者是从该音滑向另一音。

在钢琴、手风琴、竖琴、木琴等乐器上所用的滑奏（也称刮奏），也是类似于滑音的奏法，刮奏标记用glissando（简写为gliss）来表示。

寒鸦戏水(古筝)

4.2.5　琶音记号

琶音记号（Arpeggio），用竖直的波线来标记，一般记写在音符的左方，是钢琴、竖琴等乐器的常用奏法，只用在和弦上，表示该和弦中的音由下向下逐个奏响、并保持到该和弦的结束。也可以在其正文加上箭头，表示该和弦中的音是由上向下逐个奏响。

本文系中音阶梯网站编辑转载，转载目的在于传递更多信息。如涉及作品内容、版权和其它问题，请在30日内与本网联系，我们将在第一时间删除内容！

艺考资讯

艺考问答

本科招生简章

课程推荐

课程专业方向

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

: 免费体验一节课

艺考热点

艺考课程推荐

科学备考圆梦音乐高校

声乐艺考培训课

CAL MUSIC

西洋器乐艺考培训课

WESTERN INSTRUMENTAL MUSIC

民族器乐艺考培训课

NATIONAL INSTRUMENTAL MUSIC