乐理难吗：原位和弦与转位和弦

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发布时间: 2020-01-02 09:53:15

乐理难吗:原位和弦与转位和弦

乐理难吗

原位和弦与转位和弦

以根音为低音的和弦，叫做“原位和弦”

以三音、五音或七音为低音的和弦，叫做“转位和弦”。

（1）三和弦的转位：三和弦有两种转位。以三音为低音的三和弦，叫做转位，转位后低音（三音）到根音是六度关系。

以五音为低音的三和弦，叫做第二转位，转位后低音（五音）到根音是四度关系，到三音是六度关系。

（2）七和弦的转位：七和弦有三种转位。以三音为低音的七和弦，叫做转位。

以五音为低音的七和弦，叫做第二转位。

以七音为低音的七和弦叫做第三转位。

歌手速成秘笈

歌手速成秘笈（1）问：刘老师，怎样才能成为一名歌手？

答：不需要怎样，就能成为一名歌手。但需要你的嗓子能发出声来，需要你不能抽太多的烟，以免在演唱的时候被上来的一口痰卡住。当然成为一名歌手，需要做的事情不可能在这里一下说完，但只要你有这个志向，那你就可以开始了。

（2）问：学会唱歌较短需要多长时间？

答：十来分钟就行了。只要对学生说明几点：

A.要小声唱，不要大声嚷；

B.咬字要轻，像说耳语、说悄悄话，咬字不要太死太硬；

C.吐字要松，以免歌声太愣，不够委婉；

D.声音要均匀、平稳，音量不要忽大忽小。

以上是对歌唱的基本要求，要想成为一名真正的职业歌手，当然要经过学习和训练，任何事都有一个发展的过程，让我们从现在开始，以后会把课题深入。

（3）问：每天练声多长时间为好？

答：一般来说，一天练声两次，每次一至两小时。两次练声时间相隔远一些更好。如时间不允许，每天只练一次，则时间不要少于两小时，具体时间根据个人情况安排在上午、下午或晚上均可。

（4）问：练声时应注意什么？

答：首先，用小声打开嗓子，再用大声，不要持续地用大力度练声，应该大声与小声交替训练，以免声带过度疲劳。尤其是练声时间较长，更要注意大小声交替。另外，刚洗完澡声带充血，不宜练声；饭后一小时内不要练声；身体过度疲劳或生病期间不要练声。

（5）问：怎样保护嗓子？

答：保护声带较好的方法是睡眠，对歌手来说适当的增加睡眠时间是必要的。另外，平时不要长时间持续大声讲话，更不要突然喊叫。吸烟和饮酒对声带均有不同程度损害，对呼吸也不利，吸烟会生痰，在气息的压力下容易在演唱中带出，而饮酒后则会明显感到气浮气短，如不能戒掉，就要加以控制，越少越好。在饮食方面，过冷、过热或强刺激性食物对声带均有损害。

（6）问：怎样训练气息？

答：气息是支撑声音的重要基础，常用的训练方法有两种：

A.一周进行三到四次中长跑训练，每次不少于两千米，或进行登高训练如爬山、爬楼，如有条件进行游泳训练就更好。目的都是为了增加肺活量；

B.每天做三到五组深呼吸训练，每一组四到五次，每次间隔两分钟。具体练习方法是：身体自然直立，挺胸收腹，然后用较快的速度深吸一口气，要吸至小腹，然后慢速、均匀的呼出，呼出时可以出声也可以不出声，出不出声都要保持一个固定不变的口型，比如：读“依—”、“呜—”、“啊—”的口型都可以。练习时的音量不要太大，也可以闭着嘴用“哼鸣”的唱法来练习，每次呼出的时间要尽量延长，一般情况下可持续半分钟，经过练习，优秀的歌手可达到一分钟，这是一个很不错的成绩。

（7）问：音准问题如何解决？

答：的音准是人声很难达到的，只能是尽量的接近它，当然是误差越小越好。歌手们需要做的是：

A.经常在乐器（如钢琴、手风琴、吉他、电子琴等）的辅助下去练声；

B.经常按照教材进行各种音程的音准练习，熟练的掌握各种常用音程的音准。

（8）问：我的嗓子唱不高怎么办？

答：每个人都是在自己的起点上“起跑”、“奋斗”，歌手之间在音高上不必攀比。当然在先进、科学的方法指导下，经过刻苦、长期的训练，可能会增加一、两个高音，但对通俗而言实际意义并不大。因为在通俗歌坛上，应该说各种音域的嗓子有着各种不同的特色和用途，掌握和应用好自己所能达到的音域各音区所有的音，才是较重要的。

（9）问：我的嗓子声音比较暗怎么办？

答：每个人的嗓子与每个人的面孔一样都是不同的，正是这种不同形成了每个人特有的音质、音色，使我们能够区别于其他人。正像自然界中有各种不同的颜色一样，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫各有其不同的表现力和色彩审美上的意义。也正是这些丰富多变的颜色，构成了我们绚丽多彩的世界。声乐上也是如此，各种音色的嗓子都有其不同的表现力和音乐上的审美意义。所以，歌手掌握和发挥好自己的声音特色才是较重要的，在音色上更没有与别的歌手互相攀比的必要。

（10）问：怎样才能唱出沙哑的声音？

答：沙哑的声音对于某些种类歌曲确实很合适，粗旷、豪放、富有感染力和表现力。所以有人称这种嗓子为“金不换”。94年世界杯开幕式上那对意大利男女组合演唱的“意大利之夏”，可以说是这种“沙、嘶、劈、哑”唱法的一篇杰作，尤其是唱到较后那个五度和声结束音时，听起来像全人类在呐喊，空浩遥远，让人惊心动魄、撕裂肺腑。沙哑声音的产生主要是因为左右两条声带不对称而闭合不严所致。不对称的原因如声带某一侧有增生或小疖，或声门表面粗糙不平滑，或声带某一侧有创伤等，都可能致使声带闭合不严。原本对称的声带为什么会不对称了呢？原因也是多种多样的，有人是天生的，有人是因为在变声期用声过度，有人是因为声带长期劳损，有人是因为大量烈性烟酒的长期刺激，有人是因为硬物损伤...在以上各类情况中，多数人是因声带损伤严重而不能歌唱的，其中有少数人能够歌唱，所以对于不沙哑的嗓子来说，要想唱出沙哑的声音来，是不能按上述某种原因来操作的。比较可行的办法是利用咽音唱法来获得沙哑的。详细介绍请参见我著的《通俗唱法歌唱要领》一书（北京广播学院出版社）。

（11）问：我唱到高音时，声音变细了怎么办？

答：无论是民族、美声、还是通俗唱法，唱到较高的音区时，都要利用鼻腔与头腔的共鸣来加厚声音。即，充分打开舌根与硬腭，让大部分声流进入鼻腔和头腔，这样，高音自然就会变得宽厚而富有立体感。

（12）问：波音唱得不匀怎么办？

答：波音对歌唱是一种装饰，一种美化。当然有些歌手是不怎么用波音的，如赵传、周华健等，但多数歌手使用波音，如刘德华、张学友、张宇、张明敏、邓丽君等。作为一个初学者，还是应该全面发展，掌握这种技巧，以扩大自己的歌路。波音分喉部波音和腹部波音，一般美声、民族唱法常用喉波，通俗唱法则常用腹波。喉波主要靠喉部肌群的运动，腹波则主要靠腹部肌群的运动。具体练习方法参见《通俗唱法歌唱要领》。你提的问题带有普遍性，我认为还是练习时间不够的原因。对于初学者来说，还要大量的增加时间来练习波音技巧。只有大量地、反复地练习，才能使这一技巧稳定下来，进而使波音匀整、动听。这里向大家介绍一条我的经验，即，利用其一切可以利用的时间来练习波音技巧。人们在生活中有许多这样的零碎时间（有时还可能是大块儿的时间），如走路时，等人时，等车时，洗衣做饭时，排队购物时，到工商银行排队交交通罚款或手机费时...都可以利用起来。当然由于受场地限制不能用大声去喊，那么就闭上嘴巴用“哼鸣”的方法去练（旁边的人一般是听不见或听不清的），这些时间加起来也是很可观的，对我们的学习有很大好处。

（13）问：一个歌手成功的主要因素是什么？

答：较主要的因素是作品，它占到了80。除此以外，歌手成功还有一些相关因素，其中比较重要的是：

1.包装和宣传，再好的作品也需要宣传，就是要让人听到，再好的歌手也需要包装，要让人看到他是歌星；

2.在歌曲的演唱和制作过程中不能出现失误，如，编曲改变了歌曲的风格，或演唱没有达到应有的要求。总的来说，这几个因素是比较关键的。

（14）问：那包装重要吗？

答：当然重要。对于一般作品就显得更为重要。歌手如果想走红，其演唱的作品越差，要包装的力度就越大。但话又说回来，现在的歌坛发展很快，在包装力度恒定的情况下，歌手的实力还是起决定作用的。但是当包装的力度达到相当大的程度时，歌手也会像广告宣传商品那样具有很高度。

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摇滚音乐的要素（二）

在介绍音乐的第三种要素“和声”之前，不能不先谈音阶和调式方面的问题，在欣赏古曲音乐时，了解乐曲所用的调式，是相当重要的基础知识，下面先谈音阶。孤立的音是不能表达音乐思维的，彼此毫无关系的音也以表达音乐思维。能够表达音乐思维的音，往往有一定的相互关系。我们来观察国际歌的前面一段；（C调，4/4拍子）

从这八小节中找出所用的音，删去重复的音，并把1、2、4、降低八度（这样做不会改变音的特性），同时把这些音从低到高按顺序排列起来，便成为：

（唱名）1 2 3 4 5 6 7

（音名）c d e f g a b

这就是由七个音组成的音阶（scale）。因此音阶是按照音的高低顺序排列起来的一列有相互关系的音。这个七声音阶的每个音都有一定的名称，现在假定1（唱名Do）这个音是钢琴上小字组（即中央C下一组）中的C音，并把这个音阶的音在钢琴琴键上的位置画出，同时在下面注明各个音的名称，如下图：

从图可以看出，这个音阶有个特点：就是第三音和第四音之音、第七音和第八音之间的距离都是半音，而其他相邻两音间的距离都是全音，具有这种特点的音阶，称为大音阶。因为这个大音阶的主音是C音，所以就叫做C调大音阶。

上述大音阶的七个音，显然不是随意选定的，它们是按照一定关系组织起来的（这个问题在后面说明），它们以某一个音为中心（上例中是C音）组成一个体系，这个体系就叫做调式（mode），由大音阶的七个音组成的调式，称为大调式（major mode）简称大调（major）。调式体系中各个音的重要性是不同的。有几个音特别重要，其余的比较不重要，现在来看看贺绿汀的之《游击队歌》的歌谱（它原为G大调，现为了说明方便，假定它是C大调）：

我们可以清楚地感觉到1、3、5这三个音（相当于c、e、g三个音）是比较稳定的，对曲调起支柱作用。而2、4、6、7这四个音（相当于d、f、a、b四个间）是比较不稳定的，并直接间接地倾向于稳定音，几个稳定音中，又以1即c音）较为稳定。我们再来看一首美国歌曲《铃儿响叮当》的前半曲谱：

谱中在稍作停顿的地方都用了属音5，第二小节的结尾用下中音6，就给人一种尚未结束，非唱下去不可的感觉，在乐段结束处用了主音1，就显得很圆满。

总的来说，调式体系各个音中，以主音较为重要，占主导地位。属音和下属音的重要性仅次于主音，主音、属音、下属音这三个音称为稳定音，它们在乐曲中不但出现得较为频繁，而且往往起支柱作用，乐曲中常用它们开始，在乐句或乐段结尾也常用这些音，特别是整个乐曲结束时，一定要落到主音上，才显得圆满。

现在要谈一个问题：为什么大调调式中有七个音而不是六个或八个？要说明这个问题，得先从音的本质说起。实践证明，两个音同时发出，如果两个音的振动频率成为简单整数比，这两个音的组合听起来就比较和谐，例如C和C1（以C调简谱表示为1和i）两个音振动频率之比为261.6:523.2≈1:2，这是较简单的整数比，所以听起来十分和谐，几乎听不出来是两个音，其次c和g两个音（相当于1和5）相差五度，它们的振动频率比为261.6:392≈2:3，听起来也和谐，其和谐程度仅次于C和C1的组合。

从人类的唱歌实践中，如果较初只有一个音（假定为c）的话，那么后来会首先出现相差五度的g，也就是曲调只由c、g两个音组成。依次类推，从g双出现相差五度的d1, 从d1又出现相差五度的a1，从a1又出现相差五度的e，所有这些相差五度的两个音的频率之比都是2:3。以上过程，用符号表示就是：

（音名） c → g →d1 →a1 →e2

到此为止，由C出发，按每次高五度的规律，产生了g、d1、a1、e2四个音，如果把d1、a1降低一个八度（这样只是音高改变，和其他音的关系没有改变），同时把它们按由低到高顺序排列，可得到：

（音名） c d e g a

（C调唱名）1 2 3 5 6

这就构成了一个五声音阶。中国的一些民族音乐和爱尔兰的一些音乐，都是用五声调式写成的。如的爱尔兰歌曲《友谊地久天长》用的就是五声调式。如果继续按上述过程，在e2的上方再加一个相差五度的d2（e2 、d2比仍为2:3），在C的下方找出一个低五度的F（F、C频率比仍为2:3），用符号表示这个过程，得到：

（音名） F → C →g →d1 →a1 →e2→d2

按述方法，把一些音分别降低和升高八度，并重新排列，得到：

（音名） c d e f g a b

（C调唱名）1 2 3 4 5 6 7

这就完成了我们所熟悉的常用七声音阶。（在这里我们也许要问，为什么不能向上下两端推进，产生更多的音加到这个七声音阶行列中来？关于这个问题，请参阅读丘斯著“音乐的构成”第8面，此处从略）。

以上讨论的是大音阶，除大音阶以外，还有一种小音阶，现在仍然用钢琴琴键表示：

这个音阶由A音（相当C调唱名6）开始到g音（唱名5）结束，这样构成的音阶就称为小音阶，更准确地说是自然小音阶，因为它的主音是A，就称为a调小音阶。由图可以看出，小音阶的特点与大音阶不同，大音阶是第三音第四音和第七音第八音之间相差半音，而小音阶是第二音第三音和第五音第六音之间相差半音。除此之外，小音阶中的各个音的名称和作用和大音阶相同，就是说，也是主音、属音和下属音起不同程度的重要作用，它们是稳定音，是乐队的支柱，在乐句和乐段结束往往要用这些音，而整首乐曲结尾一定要用主音来结束。这些规律，都是和大音阶一致的。

上面所说的小音阶是自然小音阶，还有一种常用的小音阶，称为和声小音阶，它们是这样组成的：如果我们参照大音阶中各音之间的距离，把自然小音阶略作变动，即把第七音升高半音，使第七音与第八音的距离变为半音，这样小音阶的第七音与第八音的距离就和大音阶一致了，如图表示如下：

这就是和声小音阶，因为它决定了小调中的和声功能而得名，运用和声小音阶，可以按大音阶构成和弦的规律，构成各种小调和弦。由小音阶七个音组成的体系，就称为小调式(minor mode)，简称小调（minor）。

到现在为止，两种音阶和调式（大调和小调）都介绍过了，究竟调式有什么作用呢？作曲家在写作乐曲时，总是自觉地运用一种调式来安排每个音符。正是有了调式，使人感到乐曲是用某种音乐语言来写的，如果没有调式，就会使人觉得音乐杂乱无章，不知所云。所以调式是音乐的重要构成因素和表现手段之一，各个时期、各个国家、各个民族、各个地区都有它各自的调式，我们在听一首音乐的时候，能够分辨它是中国民族音乐，或者它是西方音乐，这主要是因为它们所用的是不同的调式。调式在音乐形象上所起的作用也是不可低估的。一般认为大调式带有明朗的色彩而小调式则比较暗淡，所以前者常用于表现欢乐、热闹的场面，往往用来写进行曲、颂歌，而后者则用来表现悲哀、死亡等场面，用来写哀歌、悲歌等等。

下面谈调性的概念。如果在调式名称之前还注上所用的主音音名，便是所谓调性(tonality)。本节开头所举的大音阶是以C为主音，所以它是C调大音阶，以这组音组成的体系是C大调式，简称C大调，注意大调性的主音音名用大写英文字母CDEFGAB表示，如E大调，G大调，英文乐曲名称往往省去“major(大调)”这个字而仅仅写“in(大写字母)”，例如“symphony in D”就是 “D大调交响曲”。前面所举的小音阶是以A音为主音，注意琴键上的A，是指这个音是在钢琴中央C以下两组（称为大字组）中的A音，不是调性记号，所以它是a调小音阶。以这组音组成的体系，就是a小调，注意小调性的主音音名常用小写英文字母cdefgab表示。如e小调、f小调等，英文乐曲名称往往省去“minor（小调）”这个字，例如“Sonata in d” 就是“d小调奏鸣曲”。

作曲家具有天赋的对调性的敏感性，普通人至多能区分大小调性的不同及感受到它所造成的音乐气氛，而作曲家甚至对不同调的相同调式具有敏感（例如能觉察d小调和e小调的不同音乐特性），因而在作曲时总是自觉地选择运用一种调性，并在作曲名称上注明该曲所用的调性。调性的变化也是作曲上一种较常用的技巧。这种技巧就是所谓“转调”，转调有两种：一种是保持原来的调式，例如从C大调转到G大调。另一种是改变原来的调式，例如从C大调转到C小调（称为同名小调）。或从C大调转到a小调（称为平行小调），作曲家运用转调的技巧，往往使“山穷水尽疑无路”，难以继续发展的局面变成“柳暗花明又一村”，从而豁然开朗，有时甚至出现戏剧化的重大转变，使乐曲的音乐形象更为丰富多彩。

除了十分短小和简单的歌曲，所有乐曲无不利用转调，如舒伯特的歌曲《菩提树》的第二段歌词就转为小调。挪威作曲家格里格的《彼尔.金特组曲》中的《索尔薇格之歌》是一首女声独唱歌曲，从忧郁哀伤的小调开始，倾泻了索尔薇格内心深处的积愫，进入第二部分后，音乐突然转入大调，歌声展现出一幅幻景，似乎她日夜想念的人就在眼前。意大利作曲家库蒂斯的歌曲《重归苏连托》，在不长的段落中，反复使用大小调的交替，使歌声显得摇摆多姿，至于器乐作品的转调例子更是俯拾即是，无法列举。

简谱乐理知识三，三连音/怎样唱准三连音/练习简谱(2)