乐理视唱练耳：架子鼓基本乐理知识
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乐理视唱练耳:架子鼓基本乐理知识
乐理视唱练耳
架子鼓基本乐理知识
架子鼓基本乐理知识你知道多少？今天小编就给大家整理了一些关于架子鼓的乐理知识分享给大家，希望对你你们有帮助。
架子鼓基本乐理知识：
对初学者：
1.不要急着追求速度，不管做什么样的练习，放松和稳定的节奏是较主要的。
误区：新手在做单跳练习时，喜欢由慢至快的击打，达到较大速度时，往往是通过手臂肌肉的痉挛而实现的，这是一个恶习。
正确的方法：无论是单跳、双跳、复合跳、滚奏、压奏。都需要在节拍器的配合下练习。培养按照节拍演奏的良好习惯。
注意：如何找到一个合适的练习速度。
当你作一个练习时，能够击打30分钟而不感到疲劳，这就是你的较大极限速度。如果练习几分钟之后感到手臂手腕疲劳，就降低速度练习，直到找到这个极限速度。持续一周之后，你会发现：你的极限速度提高了。
鼓手，不是体力劳动者。只有业余的鼓手，才会在一场演唱会之后手臂痉挛。
2.力度不等于力量。
有些初学者，与乐队合奏时，观众基本上听不到其他乐器的声音。鼓本身的质量有一定因素，主要原因还在于鼓手本身。
抽出1/5的练习时间，用你能达到的，较弱的声音作练习。持续一段时间之后，你会发现，你的重音更加清晰，有颗粒了。持续下去，你会脱离 噪音鼓手
3.初学者需要达到的标准。
120拍 32分音符 单跳 ，120拍 64分音符双跳 ，30分钟不疲劳。
按照节拍器作节奏练习，中途关闭节拍器音量。3-5分钟后再打开。基本能够合拍。
4.初学者需要记住的：
鼓是乐器，不是噪音工具。
成熟的鼓手，能够领导乐队，而不是跟着别人走。
到目前为止，你不是一个重金属鼓手或者爵士鼓手。到目前为止，你没有思想，你无法正确的用鼓表达你的构思。你是初学者。你需要学习所有的基本功，熟悉所有的音乐流派。对中级鼓手：
1.节奏型和华彩(solo)
一个鼓手，在脱离了初学者的队伍之后，开始与乐队合作。这时，不要急于把你所学过的一切技巧用于演奏。把自己定位于乐队中的 打拍者 而不是独奏演员。
当乐队按照总谱演奏时，请尊重编曲者的思想，即使编曲者为你留下4小节自由发挥的solo，也不要急于定型，你需要认真考虑前后节奏型的衔接和整体的韵律。哪怕是简单而贴切的几个重音，也比漫无目地的桶鼓轮奏强。
当乐队排练自己的作品时，你不妨在头几次排练的过程中，仅仅使用军鼓击打4分音符。仔细聆听其他乐手的演奏。找到作品的律动，然后再确定节奏型。因为：作为一个，你首先需要熟悉其他乐手的动机，要做到知己知彼。
没有人规定，每隔4小节就是鼓手的solo。当你在乐曲开始后的第4小节加上一段可有可无的轮奏，并且在第5小节拍击打吊镲时，往往会发现：第二个4小节和第三个4小节变得难以处理了。
2.左手
作为一个 右撇子 ，左手的力度和敏捷不够，是困扰许多鼓手的问题。有人建议你把军鼓和采镲的位置放于右侧，不要听他的!训练左手不是要让你变成左撇子。
专业的左手练习：
训练力度-----左手使用轻一些的鼓槌。
是否和你平时的左手训练截然相反呢?没错。使用重鼓槌训练左手，只能获得力量，而且你会发现左手变得更迟钝。用我的方法试验一下，如果无效，你可以用弹弓来打我家的玻璃。
训练敏捷和速度------首先解放你的右手。
练习时，右手不要击打军鼓，可以预先在旁边放一块胶皮垫供右手使用。这样可以强迫你把注意力放在左手。
作完上面的准备工作，开始你的单跳和双跳练习吧!以左手为起始。
注意：完全放松，不感到疲劳才是正确的。一开始练习不可能能达到右手起始时的速度，适当减慢。
3.进一步的技巧练习
变换练习：开启节拍器。拍右手单手击打16分音符，第二拍左手击打5连音，逐渐递增。(例：右手5连音之后，左手6连音)
注意：要准确，不要速度。音量平均，没有重音。
增强的变换练习：x表示重音,小节右手，第二小节左手。
|xooo|xoooo|
|oxoo|oxooo|
|ooxo|ooxoo|依此类推。
双跳的变换练习：R表示右手，L表示左手。
普通的双跳是这样的：R1 R2 L1 L2。
现在变换一下：R1 L1 R2 L2。休息一拍，重复。
这不是单跳吗?我说过了，这不是单跳。需要用双跳的感觉去打。这个练习很重要!!
作以上练习时，底鼓和节拍器同步，踩镲为偶数拍。
4.康加鼓和手鼓
爵士鼓音色的颗粒感，来源于手腕的控制和爆发力。所以，康加鼓和手鼓的训练是必不可少的。去找一本教材，认真地练习。我在这里就不多说了。
5.人品
鼓手，是一个胸怀宽广的人。是一个沉稳、踏实、有内涵的人。一个鼓手的真实水平。和他的人品是密切相关的。如果一个鼓手在现实生活中喜欢哗众取宠，那么他在演奏时，肯定每隔4小节都要表演SOLO。
不要在手指上玩弄鼓槌，不小心飞出去会砸到花花草草，即使砸不到花花草草，砸到主音吉他的眼睛也是不好的。
鼓手是一个时间感很强的人，也是一个生活很有条理的人。一条内裤能将就着穿半个月，我不相信你能耐心的处理好乐曲中的每一个小节，而不是将就着混过去。杂七碎八：
1.四肢分开和节奏感：
我不想打击大家，但四肢分开和节奏感确实有70因素是天生的。当你发现，你无论怎样努力也做不到左手16分音符的同时，右手平稳的击打三连音，那么，把爵士鼓作为你的业余爱好吧。
不要认为四肢分开需要一心四用，爱因斯坦的大脑也不可能同时演算2道数学题。四肢分开，其实是指四肢的配合。(注意这句话)
四肢分开的前提是------熟练、良好的基本功、平稳的心板和一点点聪明才智。
哪怕是爵士鼓的天才，也不可能不经过练习而按照陌生的总谱直接演奏拉丁舞曲。
彼得。马加蒂尼的《爵士鼓教材》(北京迷笛音乐学校出版)中的桑巴示范，是绝好的四肢分开的基础练习。
节奏感是一个笼统的概念，其中包含你对音乐的理解和你的乐理知识。只沉迷于一种音乐风格，是无法培养节奏感的。
2.配合。
我见过一些鼓手，独自练习的时候没有问题，一旦与乐队合作，就狼狈不堪。
原因：虽然你可以和节拍器丝毫不差，但并不能说明你富有节奏感。独自练习时，全部的注意力都在自己手上，与乐队合作时，需要转移部分注意力在其他人身上，就容易乱套了。
解决方案：
(1)写一些简单的总谱。排练时完全按照乐谱演奏，一周左右可以有所改善。
(2)击打你较熟悉的节奏型。让乐队根据你的节奏型即兴演奏。
(3)独自练习时，按照节拍唱歌，大声的唱。
3.文化内涵。
如果让一个老外学二胡，估计就算是玩儿了命，也拉不出二泉映月的韵味。
那么，你演奏布鲁斯、爵士乐的时候，能带出那缕黑人的乡愁吗?
如果你是一个痴迷的音乐爱好者，你不仅要模仿他的 皮 ，还要找到他的根。如果你不知道20世纪30年代以后，西方资本主义国家发生了什么，你就永远找不到Rock Roll中蕴含的那种无奈的悠闲和金属乐中的性饥渴。
4.分解节拍。
在鼓手眼里，每个4分音符都是可以任意分解的。分解成偶数，比如2、4、6、8相对容易些，但你仍然需要分解为奇数拍，才可以游刃有余的演奏。
练习：
4/4
每一拍只打一下三连音的第二个音。
底鼓跟节拍器同步，踩镲打偶数拍。
然后再来练习三连音的第三个音。五连音和七连音以此类推。(偶数拍也需要作分解练习)
5.关于爵士乐。
很多鼓手在初次接触爵士乐时感觉摸不到头脑，找不准节奏。
首先，作上面提到的分解练习。学会用奇数分解节拍。
再来训练心板：由慢至快的练习单跳和双跳，而在心中保持稳定的节拍(可以唱拍子)。
上述两个练习熟练后，问题应该可以解决了。
6.录音。
如果有条件，不管你是练习还是和乐队排练，较好能够录制下来，这是寻找自身弱点的方法。
小知识：
小步舞曲(Menuet)一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十九世纪初，小步舞曲构成交响曲奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所代替。
特点
法国古老的民间舞曲，17、18世纪流入宫廷，并逐渐盛行于贵族社会。三拍子、中庸速度、风格典雅优美。可以写成独立的器乐曲，也常用于古组曲或奏鸣曲的第三乐章。通常为带 三声部中段 的复三部曲式结构。
起源
原为法国土风舞，一种三拍子的舞曲。约1650年传入宫廷，逐步变成速度徐缓、风格典雅的舞曲，流行于贵族社会。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中，作为一个乐章(常为第三乐章)，也可作为单独的器乐曲。其结构为三段式曲体，中段常用三个声部写成，故称 三声部中段 ，沿习至今。
发展
小步舞曲的历史也比较久远，在欧洲流行了差不多有两百年之久。大概是跳舞时舞步跨得很小，所以称为小步舞曲。到1650年，法国国王路易十四是一个跳舞迷，他很喜欢跳小步舞，于是在宫廷里大事提倡，没有多久就传遍了欧洲各国。小步舞曲除了作为伴舞音乐之外，还有专门用来欣赏的，常常用在一些大型乐曲里，作为一个乐章。到了19世纪，欧洲的作曲家们仍然热衷于创作小步舞曲，例如法国作曲家比才在他的《阿莱城姑娘》的配戏音乐里，就有一首很有名的小步舞曲，后来编入《组曲》里，原来是在都德的同名话剧第三幕里演奏的，那是一个富有的农家热闹喜庆的场面，所以在优雅之中带有一种朴实的风格。
各种特色
小步舞曲既有巴洛克时期那种古雅的风格，又有鲍凯里尼、莫扎特古典时期富有活力而又保持高度优雅的气质。贝多芬是一个创新者，他也有很温柔雅致的小步舞曲，但在交响乐里，他又把小步舞曲写成一种符合他强力性格的、戏剧性的篇章。19世纪作曲家柏辽兹 比才又赋予小步舞曲新的格调，可见光就是小步舞曲就有各种不同的气质和姿态。再从它们的乐器编配来说，主旋律是非常清晰的，低音声部也不难分辨，至于中间的和声声部，只要你留心，多听，也很容易发现它们的踪迹。
运用
在歌剧、芭蕾舞剧和清唱剧里，由于剧情需要，有时也会有小步舞曲出现，例如法国作曲家柏辽兹在他的清唱剧《浮士德的沉沦》第五场里，玛格丽特入睡了，魔鬼梅菲斯特闯进她的房间里，召来一群鬼火的精灵，它们在玛格丽特的周围飞舞，一闪一闪地，于是魔鬼和它们一起跳着小步舞，这就是的《鬼火小步舞曲》。
代表作
拉莫、莫扎特、贝多芬、巴赫等人的小步舞曲较为。
巴赫在他的首《勃兰登堡协奏曲》中，就有一首小步舞曲。其实那时所谓的协奏曲，是一种乐队合奏曲，只不过有时是一两件或三四件乐器演奏较为独立的声部而已。和巴赫同时代的德国作曲家泰勒曼也写过许多的小步舞曲，选自泰勒曼的《古代民族和现代民族序曲》的两首小步舞曲，从这两首同一作者而不同风格的小步舞曲可以大概地领略17世纪欧洲巴洛克时期小步舞曲的风貌。首在优雅之中带有严肃深沉的味道，中段用了复调音乐的写法，连速度也加快了。第二首就比较优雅抒情，风格较为接近18世纪的小步舞曲。因为这两首小步舞曲都用在 序曲 里，是其中的乐章，不是用来伴舞的，所以在写作风格上有更多的自由。
在众多的古典小步舞曲里，较常听到的是意大利作曲家鲍凯里尼的《小步舞曲》。这首乐曲原来是《E大调弦乐五重奏》里的一个乐章，不过它实在太好听了，所以就被人改编为各种乐器演奏的版本，其中以管弦乐队合奏较常听得到。鲍凯里尼生于1743年，比莫扎特大13岁，他的《小步舞曲》除了优雅的共同风格之外，还有一种摇曳生姿、仪态万千的气质，难怪一直是音乐爱好者较欢迎的曲目之一。一说起小步舞曲，自然会使人想起奥地利的音乐天才莫扎特，他一生写了六百多部的大型作品，在他的交响乐、协奏曲、管弦乐、室内乐和器乐独奏曲里，都常常有小步舞曲，而且首首不同，都非常优雅动听，真令人不明白他源源不绝的乐思到底是怎么来的。1990年荷兰飞利浦唱片公司为纪念莫扎特逝世二百周年，出版了一套庞大的《莫扎特全集》，其中第六辑是《舞曲与进行曲》，共6张CD，所收录的全是莫扎特创作的独立的舞曲和进行曲，其中小步舞曲就占了一个相当大的比例。贝多芬也写过好些小步舞曲，例如那首《G大调小步舞曲》就十分出名，但那首乐曲原来是一首钢琴独奏的作品，由于太好听了，被人们改编为小提琴独奏、大提琴独奏和管弦乐合奏的组曲。在贝多芬的交响乐、室内乐里有时也有一个乐章是小步舞曲，但在性格上和莫扎特等作曲家的小步舞曲却大不相同。贝多芬的交响乐里的小步舞曲更多一些戏剧性，甚至带有谐谑曲的味道，优雅的气质就少得多了。例如在他的《C大调交响乐》的第三乐章，你就能够体会到那种大胆的乐思、飞快的速度和激越的情感和情绪了。
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用一些音符来记录和表示音的高低、长短、强弱，简称记谱法。记谱的方法主要有两种：简谱记谱法和五线谱记谱法。现在通用的简谱又叫做数字简谱，它起源于16世纪的欧洲。18世纪中叶，法国思想家卢梭发明了简谱法，以1、2、3、4、5、6、7代表唱名do.re.mi.fa.sol.la.si这七个音。
一、音的概况
1、音的产生
音是由物体的振动产生的。例如唱歌时，气流通过声带的振动而发音。随着高科技的发展，电子乐器应运而生，电子乐器本身是不能发声的，其声音是由电信号使磁场中的线圈产生振动，从而带动扬声器中的纸盆和音膜发声。
2、音的种类
乐音：发音体振动相对规则，发出有明显音高的音叫做乐音，乐音听起来比较悦耳。
噪音：发音体振动不规则，发出音高不明显的音叫做噪音，噪音听起来比较刺耳。但是，如电话铃声及有节奏的敲门声等，属于可接受、可利用的噪音。而汽车的刹车声及尖锐的摩擦声等则属于不可接受、刺耳的噪音。
在音乐中主要使用乐音，有时也适当的使用噪音。在我国的民族音乐里，噪音的使用具有丰富的表现能力。例如锣、鼓、镲、梆子、三角铁等这些打击乐器，在塑造人物形象，表现各种思想情绪方面，起着非常突出的作用。
3、音的物理属性
(1)音的高低：发音体每秒振动的次数(频率)决定了音的高低。频率高，音则高;频率低，音则低。
(2)音的长短：发音体振动的时间决定了音的长短。振动时间长，音则长;振动时间短，音则短。
(3)音的强弱：发音体振动的幅度决定了音的强弱。振幅大，音则强;振幅小，音则弱。
(4)音色：音色取决于发音体的质地、形状、振动方式、发音方法等因素。
二、简谱记谱法
简谱记谱法主要用七个阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7代表七个音。分别唱做do(哆).re(唻).mi(咪).fa(发).sol(梭).la(啦).si(西)。
三、音名与唱名
四、音的高低
1、乐音体系：在音乐中使用中全部的音的总和。
2、音列：乐音体系中，按照音高顺序，由低到高或者由高到低排列起来的音叫做音列。其中，音列由低到高叫做上行音列;由高到低叫做下行音列。
例：上行音列：1 2 3 4 5 6 7
下行音列：7 6 5 4 3 2 1
3、半音与全音：在乐音体系中，音的较小音高距离叫做半音。两个半音相加就形成一个全音。例如 3-4、7-1之间为半音关系;1-2、5-6 之间为全音关系。
4、音的高低：在简谱中，用七个阿拉伯数字1 2 3 4 5 6 7为基本音符来表示音的高低。依次从低到高唱为：do re mi fa sol la si 。通俗的说就是数字大的音比数字小的音要高。为了表示出更高的音，就在七个基本音符上方加一个小圆点，每加一个圆点，音域就提高一个八度(相邻两音的唱名相同，而音高不同的音称为八度)。
五、音的长短
(一)增时线：增时线就是增加时值的线，用一条短横线标记在具体音符的后面。每增加一条增时线，就增加一拍，如：5- =5+5。
1、音符：
(1)四分音符：在简谱中，一个单纯的音符，表示为四分音符，时值为一拍，如：4 5 6等。
(2)二分音符：在四分音符后面加一条增时线，就是二分音符，时值为两拍，如：5- 3- 等。
(3)全音符：在四分音符后面加三条增时线，称为全音符，时值为四拍，如：5- - - 等。
在简谱中，一个全音符等于两个二分音符，一个二分音符等于两个四分音符。
2、休止符：
(1)四分休止符：一个单纯的休止符 “0”，就是四分休止符，表示音乐进行到此要停顿一拍的时值。
(2)二分休止符：两个四分休止符 “0 0”，为二分休止符，表示停顿两拍。
(3)全休止符：四个四分休止符 “0 0 0 0”，为全休止符，表示停顿四拍。
(二)减时线：标在音符下面的短横线叫做减时线，表示缩短音符时值。减时线标记在具体音符的下面，表示缩短该音符时值的一半。
注：增时线和减时线的写法相同，但是标记的位置不同，表示的意义也恰好相反。增时线标记在音符的后面，表示延长音符的时值;减时线标记在音符的下面，表示缩短音符的时值。
八分音符：在四分音符下面加一条减时线，这样的音符叫做八分音符，时值为半拍。两个八分音符的时值相加时一个四分音符。
十六分音符：在四分音符下面加两条减时线或者在八分音符下面加一条减时线，这样的音符叫做十六分音符，时值为四分之一拍。四个十六分音符的时值相加等于一个四分音符或者等于两个八分音符的时值。
八分休止符：在四分休止符的下面加一条减时线，就是八分休止符，所停顿的时值为半拍。两个八分休止符相加相当于一个四分休止符的时值。
十六分休止符：在四分休止符的下面加两条减时线，或者在八分音符下面加一条减时线就是十六分休止符，所停顿的时值为四分之一拍。四个十六分休止符相加相当于一个四分休止符的时值或者等于两个八分休止符的时值。
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学乐理都要学哪些知识
先说一下“乐理”这两个字的意思。乐理：也就是音乐基础理论。是学音乐的基础理论。举一个很简单的例子。学音乐就像我们学文学一样。学乐理就像我们学汉字一样。要学音乐就必须要学乐理。那么学乐理都学什么知识呢？
部分：声音。乐理的开始会讲关于声音的知识，毕竟音乐是听觉的艺术，音乐来源于声音。有了声音才有音乐。所以这部分会讲声音，比如什么是噪音，什么是乐音等等。
第二部分:关于音符的知识。这一部分会讲音符的产生和音符长短高低的知识。这里就会讲到我们大家都知道的1234567这7个音符。还会讲我们常见的简谱，简谱是中国用的谱子，后面也会讲钢琴用的五线谱。
第三部分：节奏。有人说节奏是一首歌曲的灵魂。可见节奏也是特别重要。说起节奏大家都会知道一些，有的人就会知道动次打次。这就是较基本的节奏了。
第四部分：旋律。对于一首歌曲来说，较重要的元素是什么，那就是旋律了。旋律是一首歌曲里面较显眼的东西。我们听一首音乐，听的较清晰的就是旋律。说道旋律就必须要说调和调性调式。这也是非常重要的知识，有的人总是搞不清楚调和调性，调式的区别，以后我会专门写关于他们区别的文章。
第五部分：和弦。其实和弦是属于和声的部分，但是学乐理的时候也会讲一下。这部分如果理解能力不好的话会感觉难一点。其实也是很简单的，后面我也会专门讲这里的。
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乐理知识
2.复调音乐--是在和谐的前提下几个曲调参差进入它们既相互配合又独立发展的一种乐曲复调音乐在巴赫手中达到了高度的境界。
3.主调音乐--是指一个声部演奏主旋律,其余声部用和声给主旋律陪伴奏的一种音乐。海顿是主要代表人物。
按音乐的性质：
1.纯音乐--是完全靠音乐语言,而不是借用任何标题来表达作品的内容。它也有曲名如“奏呜曲″等,但着只是指音乐的体裁,并不表明乐曲的内容。欣赏者自己准备聆听的乐曲的作曲家所处的年代、经历、世界观以及乐曲产生的背景等,有个大概的了解。
2.标题音乐--是根据一定的主题构思并用标题暗示中心内容的器乐曲。常取材于文学、戏剧、历史、民间传说或现实生活。它们用详细的文字说明全曲及每一乐章的特性。可以说,标题音乐是音乐的文学化。标题是作曲家预先指示的一个方向,以帮助欣赏者去联想,并没有任何局限的作用。
3.轻音乐--指轻快活泼、通俗动听、结构短小的音乐,是与严肃的古典音乐相对而言的。欣赏轻音乐不需严肃的思考和理智活动,它只给人以美的享受,陶治人的情操。
4.爵士音乐--是一种通俗的舞曲性质的音乐。是从美国黑人中兴起的,这种音乐没有固定的乐谱,每个乐手都即兴演奏,保持着大致的“默契”。即兴性一直成为爵士音乐的一大特点。可以认为,爵士音乐是美国音乐文化的精髓。
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乐理的重要性有哪些
音乐素养是学习音乐的综合素质教育，它是一门独立的专业学科，是音乐基础课，必修课，同时也是目前器乐考级必须配套的音乐理论基础，下面是学习啦，让小编我来给你们分享一些基本乐理重要性的知识吧，希望能对你们有所帮助!
1.基础乐理的现状
现在大多数家长知识一味地让孩子学习某一门乐器，忽略了乐理的重要性，导致孩子厌学或照本宣科，从而对音乐缺失了兴趣，取而代之的是排斥。磨刀不误砍柴工，因此学好乐理无论是对个人素质的提高还是对今后进一步的发展都起到了至关重要的作用。
乐理教学
2.乐理知识对其他音乐课程的影响
乐理知识能不能学好将会直接作用于其他有关音乐的课程学习，还会直接影响相关专业课程的学习进度、学习效率。大部分学生在进行音乐学习的过程中只注重专业技能的培养和练习，而不会进行理论知识或者基础知识的学习，如果长时间都是这样的学习习惯可能会导致学生在以后的学习以及发展中遇阻。
3.乐理知识的潜伏性
乐理是一门基础性的学科。也许在在学习过程中，不会立刻显示出来，但是它对于以后相关的音乐方面的学习有着非常重要的推动作用。这就说明乐理知识是踏入音乐旅程的通行证，有了它，你将更快的与音乐成为好朋友，了解它所有的兴趣，让你通往每一段旅程的路上都充满惊喜与欢乐。
4.乐理知识与器乐演奏
对于学乐器的孩子来说，音乐理论知识具有特殊重要的意义。音符排列得很清晰、整齐、有序，懂得了和声语言的规律，就能把和声弹奏得更有逻辑性，更有说服力，便于记忆，有利于提高音乐表达能力。
当你能够掌握运用充分的乐理知识去演奏乐曲时，会发现有很多原本很困难的问题很快就能迎刃而解。许多学习过乐理的小朋友都反映，学习乐理后就觉得老师所教的曲子会简单得多了，因为孩子已经开始会分析和总结乐曲的规律性进行练习，不再是茫然的重复性练习。
5.乐理知识与艺考生
乐理知识对于艺术考生来说，是。无论是通往高等学府的路上还是准备通往，乐理都将是决定命运的一块敲门砖。所以，学习音乐是必须要学习乐理的，这是较基础也是较基本的，基础知识牢固了学起音乐也会更得心应手。
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