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美声唱法技巧:谁懂得呼吸的奥秘谁就懂得唱好美声

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中音阶梯|

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2018-12-06 15:01:51

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美声,按照字义上讲呢,就是优美美丽的歌唱并且有美丽歌曲和歌唱的意思在里面即:bel canto(意大利文),那么从深层上讲呢,它不仅仅是一种发声方法,也是一种演唱的风格,一种声乐的学

    美声,按照字义上讲呢,就是优美美丽的歌唱并且有美丽歌曲和歌唱的意思在里面即:bel canto(意大利文),那么从深层上讲呢,它不仅仅是一种发声方法,也是一种演唱的风格,一种声乐的学派,所以被称之为美声唱法。

    美声的起源追溯到很早以前 大概也出现在1500之前了和教会音乐也息息相关,但是那时候还并没有一套很完整的教学体系和方正,所以那时的史料里也没有记载准确的时间,所以按照真正美声的起源时期并完善大概到:1600-1700年之间,起源国家也就是意大利。

    经过很久一段时期的完善,1600-1700年意大利意大利美声的唱法强调准确的声乐技巧,而且声音干净通透,也为之后意大利歌剧演唱奠定了坚实的基础。

    关于唱法

    美声歌唱的创始人G.卡奇尼在他的《新音乐》的序言中介绍了这种演唱方法。继而18世纪的P.F.托西、G.曼奇尼,19世纪的F.兰佩蒂、M.加西亚等又著书作了详细阐述。美声唱法在演唱技术上的特点如下:

    呼吸

    要求有饱满的气息支持和灵活自如的呼吸控制能力,因此,排斥啜泣时的锁骨部位的呼吸法和胸式呼吸法,主张胸腹混合式的横膈膜呼吸法。美声歌唱的格言是“谁懂得呼吸和吐字,谁就懂得歌唱”。正确的呼吸方法是良好发声的基础。

    起音

    美声学派把轻松、明亮、准确、圆润的起音,看作是正确发声的关键,是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本的手段。起音分软起音和硬起音两种,初学者宜以练软起音为主,跳音练习也是一种很有益的练习,它实际上是一系列的起音,有利于锻炼呼吸支持、喉头的积极配合和集中声音的共鸣。良好的起音应以最少的消耗取得最大的效果。在良好起音基础上的演唱,可以使声音有弹性,有持久力,节约声带和体力消耗,延长演唱寿命。

    声区

    声区的统一是美声歌唱训练中的试金石,美声唱法取得声区统一的主要方法是:强调唱好各声区间的“过渡音”,就是唱上行音阶时,要把前一个声区的最后3个半音,唱得稍带下一个声区的特征(即虚些、假些、暗些);唱下行音阶时,较高声区的最后下行的3个半音,要唱得稍具有较低声区的特征(即实些、真些、亮些)。这样逐渐的量变的过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变而产生的破裂音。

    声音的连贯

    是气息流畅和喉头稳定、共鸣良好的反映,又是美声歌唱的旋律线条优美动人的主要特点。破坏声音连贯的原因是多种多样的:起音不准确,滥用滑音;声区不统一,音量忽大忽小,音色忽明忽暗,或出现破裂音;呼吸控制不佳,气息逼紧;母音的共鸣部位的不统一[特别是“窄”母音(i,e)和“宽”母音(a,o,u)之间的不统一]等,都影响声音的连贯。声音的连贯首先是母音间的连贯。用发子音的部位来唱母音(特别是在高声区)是造成声音不连贯、不统一或“白声”的原因之一。

    音量

    美声学派注重追求圆润、明亮、优美而抒情的音质,它的格言是“追求音质,音量自然会来”。它十分重视在一个单音上渐强渐弱的控制能力的训练,这不仅是训练呼吸控制和音量变化的能力,而且还可使声音松弛富有弹性,音色有多样变化,以丰富艺术表现力和促使声区的统一。声音的渐强渐弱主要是依靠气息来控制,也就是要用呼吸而不是用喉部肌肉来调整音量变化。用有气息支持的轻声来唱高音也是获得“头声”的良好途径之一。

    音质

    明亮、丰富、圆润而又具有金属色彩、富于共鸣的特殊音质,是美声歌唱的特征之一。人们往往从音质上来检验学派的正统性。良好的音质是良好的声带闭合、适度的气息冲击、适度的喉的低位置、适度的软腭提起,喉部及咽部肌肉积极但又不僵硬、不紧张的配合,正确的舌位,松弛的下巴和口型,自然而美好的歌唱心理状态等因素的综合的协调一致的产物。理想的音质是既明亮又圆润,既结实又松弛,即所谓“又明又暗”。

    演唱风格

    一、要求演唱者深入理解歌词,力求自然质朴,追求高度的艺术表现。

    二、培养声音的美学观念,提高鉴赏力,使演唱更加合乎美声的要求。

    三、歌唱中特别强调气息的控制,强调(连贯性)及音色的优美,要求歌唱中语气富于变化,情感表达真挚。在即兴演唱高难度的华彩乐段时,要求严格的音准和节奏,流利灵活的乐旬,松弛、明亮、丰满的声音形象。

    随着美声的成熟,它在声音训练方面的各种技术也日趋规范,主要表现在以下六个方面:

    一、正确的呼吸。美声强调呼吸是歌唱的基础,要求“用气息托住声音”,肯定了胸腹式呼吸法,提出用调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。

    二、准确的起音。认为美声只有完成良好的起音,才能获得轻松柔和、明亮圆润的声音。而要完成良好的起音,一定要正确呼吸,喉头稳定、思想集中、心理上作好充分准备,声带积极闭合。著名声乐家加尔西亚具体地概括出起音的要领:舌头平放、准确地唱到音高,平稳而不能滑动。

    三、声音的连贯性。美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变,音与音的连接讲究平滑匀净,音量渐强渐弱控制自如。

    四、声音的灵活性。18世纪比较崇尚花腔技巧和复杂的装饰音演唱,所以美声注重训练声音的灵活性,发展音域,打开喉咙,锻炼声音的控制能力应多练习快速音阶、快速走句、跳音,要求声音清晰明亮而准确。

    五、声区与共鸣。声区是一个复杂的技术问题,很多专家对此都有自己的理论观点。但无论将声区如何划分,Bel canto都始终坚持在教学中统一声区,并认为声区是教学的关键,声区与共鸣是相辅相成的。要达到音色统一动人,富有穿透力,共鸣的位置必须相对稳定、准确。

    六、吐字和语言。美声要求语言中每个元音的发声是清晰准确的,歌唱中的元音转换要圆润、流畅,只有这样,Legato的原则才能在吐字和语言中得到真正的体现。

    “美声”唱法科学的演唱技巧所表现的歌唱艺术效果具有很高的审美价值,当然,这种审美观更符合欧洲人的欣赏习惯。不过,在这个世界上一切美好的艺术还是会被全人类所喜爱和接受的。因此,意大利“美声”唱法,在国际上有着很高的声誉和广泛的影响。从总的发展趋势来看,世界许多国家的声乐工作者都在努力寻求意大利“美声”唱法的科学途径,为创立本民族的声乐艺术学派而努力开拓。

    世界是美好的,唱歌是必须的

    吉利是继卡鲁索之后最杰出的男高音歌唱家。他一生忙于演唱、录音、摄片,很少进行教学和写作活动,除了一些访问记之类的记载外,他在凯萨里所著《心的歌唱》一书中,作为序言发表了《学唱入门》(Introductory Lesson)一文。在该文中,他坚持古代美声学派的传统,强调了六大要素。

    歌唱发声的共鸣训练方法

    目的:改善声音效果,获得很快、很高的泛音频率,使声音具有强而有力的、穿透乐队“音墙”的致远能力。

    标准:保持胸口以下的空腔与它上面的腔体相通,上下通气,里外通气。

    步骤:

    1、共鸣与呼吸

    好的共鸣状态就是深呼吸状态。用深呼吸的感觉把腔打开了等在那唱,好的共鸣音响就出来了,胸腹之间的气儿和上面各种空腔都互相通着气,上下通气,里外通气,音越高,气越通。没有高位置,就没有深呼吸。

    2、共鸣与音源

    1)、“让声音落下来”的练习

    目的:共鸣的音响效果好,音色纯。

    方法: 一起音就要张开大嘴,贴着咽壁看着“嗓子眼儿”往下吸着唱,往后往下“看”,一直“看”到“横膈膜”,让声音落下来,落在喉底的胸口上。胸口以下越空、越松、越通,共鸣的音响效果越好,音色越纯。

    练习:1=D   2/4

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.牙关节、下巴与前颈部保持“懒洋洋”的松弛状态。

    C.守在胸口(第二纽扣处)发声。

    D. 用“想、听、看”的心理指导,“让声音落下来”,每唱一句,都要听到胸口松松落底的共鸣音响。这种胸腔共鸣是整体混合共鸣的基础。

    E. 起音时,在胸口以“垂直叹气”的感觉发声,“找气儿,不找劲儿”。

    F. 喉头上没有任何感觉。

    2)、“贴着咽壁吸着唱”的练习

    目的:前后、上下所有的共鸣通道都“打开”。

    方法:发声时先用“后半扇儿唱”的感觉想着后脖梗,在后颈的位置找咽壁,从后头“张嘴”想着“贴着咽壁吸着唱”。这时小舌头庆委、松弛地上抬,同时喉结下沉,于是拉开了咽腔上下的空间距离,喉咙便在“吸气”的感觉中“打开”了,同时还要凭着“内听觉”和“内视觉”去“听”、去“看”产生在咽壁和咽腔通道里明亮、纯净、松弛、柔和的共鸣泛音音色,“贴着咽壁吸着唱”可以产生三个不同方向的“吸气感”:在口咽腔的咽壁上有一种向后(从嘴到咽壁)吸的感觉;在鼻咽口的后上方有一种向后上方吸的感觉;在胸口直到腰部有一种向下向四周围吸的感觉。前后、上下所有的共鸣通道都“打开”了:里外通气、上下通气,感到气通,声音也就通了。

    练习:1=D   3/4

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.从后颈找到咽壁位置,“贴着咽壁吸着唱,声音碰响咽壁”。

    C.在发音过程中,要注意“看”咽壁上具有振动感的音响和集中明亮的共鸣音色,要“听”到咽腔“管子”里的声音。

    D. 发声时,要感觉吸气源源不断地向后向下贴着咽壁往里“倒灌”、“倒流”。音越高,气儿越大、越深。

    E. 随着音高上升,声音的共鸣音色往后上方集中,同时感觉气息反向下沉。

    3)、“扩张鼻咽腔,让音色贴着咽壁往鼻咽腔里集中”的练习目的:消除换声的痕迹。

    方法:张嘴一唱,立刻就要找到在鼻咽腔吸气扩张的感觉。鼻咽腔像个“倒悬的小圆瓶”,口朝下,这个圆的空腔把声音“拢住”,唱的过程中,一方面让鼻咽腔扩张等着声音吹进去,灌进去,另一方面,让明亮的共鸣音色贴着咽壁往鼻烟腔里集中,音越高,声音越贴着咽壁往后、往上集中。在鼻咽腔扩张状态笼罩下,声音则像两条对角线,上面集中交汇,下面敞开。心理上有了这种“贴着咽壁往鼻咽腔里集中音色”的“对角线”视觉,便可以消除换声的痕迹。

    练习: 1=D   4/4

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.“贴着咽壁吸着唱,让声音碰在咽壁上”,注意“观察”集中在咽壁上的共鸣音色。

    C.随音高上行,用“吹气”的感觉扩张鼻咽腔,打开喉咙,使整个咽腔通畅,想象着高音贴着咽壁,音色往鼻咽腔里集中。

    D. 贴着咽壁向鼻咽腔里集中的音色成小共鸣点状,随音高上行而略向后上方倾斜(倾斜角度大约45度左右)。

    E. 在高音区演唱时,心理想象两条对角线的“表相”,上端交汇集中在鼻咽腔里,下端敞开,这种 ∧ 感觉,能帮助歌唱者在高音区获得自由的感觉。

    F. 在换声区演唱时,a用u关, i 用 ǖ 关。

    3、共鸣与母音

    目的:“混合母音”是歌唱发声的重要技巧。它不仅能使母音“圆化”,给声音润色,达到“字正腔圆”的目的,而且还能调节共鸣状态、扩展音域、统一声区。

    方法:①用闭口“哼鸣”的方法,哼唱a,e,i,o,u.这五个意大利元音(母音)。这种“闭嘴说话”的方法,可以很容易找到心里“说”、心里“听”的“混合母音”的科学唱法。

    ②在单一音高上,将闭嘴哼唱五个母音的感觉,转为用a母音大开口的口形练唱。练习时口形不变,用心去唱a,e,i,o,u,舌头自然、松弛地跟着母音的变化而动,舌根不能用力。

    练习: 1=D   4/4

    4、共鸣与方向

    从人的生理角度来看,吸气时,不仅腔体呈“打开”的扩张状态,而且有一种气息向后送的感觉。所以,用“向后吸气”的感觉来歌唱发声,是调整共鸣的重要技巧。好的唱法是“既靠前又靠后,前后都有”,因此,“心理指示”调整共鸣时,要同时注意前、后两个不同方向。

    1)、“贴着咽壁吸着唱”(方法同‘共鸣与音源’练习2)2)、“挂住前面往后倒”

    目的:使声音由低向高过渡,抹掉换声痕迹,统一音色。

    方法:“挂住前面往后倒”是音阶上行的唱法。在中声区练唱,将“贴着咽壁吸着唱”的感觉巩固之后,就可逐渐扩展音域,“声音好像扇子面似的向后打开”,音越高,声音贴着咽壁越向后头顶的方向集中。

    练习:  1=G   4/4

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.“贴着咽壁吸着唱,让声音碰在咽壁上”。

    C.注意寻找上口盖中间(软、硬腭交汇处)的共鸣发射点。

    D.随音高上行,感觉上口盖的共鸣反射点向后移动,“像一把扇子面儿向后打开”。

    E. 声音进入“换声区”时,音色向后集中,同时向前反射。

    F. 当声音随音阶上行“挂住前面往后倒”时,主观上让声音“往小里唱,往暗里唱,往空里唱,往柔里唱。

    G、当音高上行时,必须用”吸住“感觉保持呼吸的稳定状态。这是唱好上行音阶的关键所在。

    3)、”挂住前面往后兜“

    目的:使高音的演唱变得轻松而又省力。

    方法:这是音程大跳式高音唱法。到了高音区演唱时,就要采用”挂住前面往后兜“的方法”关闭“高音。先在中声区想好”贴着咽壁吸着唱“的发声共鸣位置及向前反射的位置,做好”挂住音色、挂住劲儿和挂住字头“的心理准备。等唱高音的一刹那,精神为之一振,立即在心里想着”挂住前面往后兜“,好像用个兜兜儿把声音”龙住“、”扣住“,音越高,兜的”兜儿“越大,向脑后”弯“的弧度就越大。

    练习:1=G

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.”贴着咽壁吸着唱“。

    C.随音高上行,强化深呼吸的感觉,”打开喉咙“,”全身舒展“。

    D. 唱高音之前做好心理准备,想好”挂住前面“的位置,想好混合的母音音响,想好”往后兜“的弧度与”兜“的形状和”气往下插、往外铺开“的感觉,同时获得深呼吸支持。

    E.思想上准备好之后,在”想、听、看“的心理指导下,立即实施”挂住前面往后兜“ 的感觉,用很足的”精、气、神“把高音唱出来。

    5、共鸣与位置

    就是产生共鸣音响、音色的地方。从三方面来考虑:

    1)、用想象中的”高位置“来歌唱发声。这个”高位置“出现在咽壁顶端,小舌头后面鼻咽口上方的鼻咽腔,这是获得头腔共鸣的地方。

    2)、找到三个共鸣点:鼻咽腔、上口盖中点、眉心处。

    3)、根据歌声的变化调整共鸣位置:音越高,共鸣点越小、越高。亦既”音高上台阶,感觉下台阶,音高下台阶,感觉上台阶“。

    练习: 1=G   4/4

    一、发抖打哆嗦,没有气息支持。(声音是抖动,不稳的。)二、打晃的两个音,(晃得)很快,不是摇摆。列为噪音。

    三、塌调,声音往下滑。

    四、冒调,声音滑上去了,原因是没有气息支持。

    五、口腔共鸣,声音在嘴里,降低了发音位置。

    六、男声的喉音,像边吃饺子边唱歌。舌根痉挛,把喉咙给逼上去,舌头缩回来了,喉部结了一个块。

    关于克服方法,总结了一下共有三点,希望对大家的美声学习有所帮助:

    一、边缘唱法

    特别是女声,要用假声。就是让声带内侧的边缘振动,发出的声音又稳又准,最省力。

    女声练习:发u音,并延长。再发i音并延长。这是京剧的原生态唱法,优点是省劲,位置高,有很强的穿透力。然后开始沉气,从喉头逐渐沉到丹田,过渡到女中音的音色。再由小u变大u。这是打开喉咙的过程,沉气,口腔要空。形成呜咽管,即发u音时喉部形成一个管子。这样就能克服塌调、打晃。

    二、哼哈唱法

    先说哼,张开嘴,舌头放平,不要动,然后合上嘴,用鼻子出气,唱u音。

    第二步,口张开,不要太大,继续发u音,循环呼吸,要在哪哼就在哪唱,不能大声,位置要很高。意大利管这个叫面罩共鸣。

    然后音再高一点,要U住,字要清楚。

    哈是打哈欠的状态,意大利人唱歌总是像打哈欠一样,(声音被送出来),很柔和,气息很深。

    意大利唱法就是哼哈唱法,用哼点唱歌。

    三、憋功

    憋住(指气息,憋细、集中、有力一些),喉头就没了。尤其是男声,憋住,喉头就下来了。女高音声带只有男高音的一半长,所以男声唱高音没有女声容易。

    练习a e i o u,憋住,把u咬清楚,高音就有了。

    然后分声部练习u音。再发嘣转哼鸣,要有爆发力,四个声部先后进,男声低八度。声音延长,循环呼吸,由弱变强,再变弱。练这个是为了归到统一的发音位置。

    要领:A.在小腹处平静地吸气。

    B.哼唱时,寻找上、下的通气感。守在鼻咽口上方往上吸气,下头守在腰的两侧往下吸,中间在胸口往下叹气。”两头吸,中间叹“。

    C.发声时,感觉混着气儿的声音贴着咽壁”吹“向鼻咽腔的”小瓶口“。找到这种感觉发声,很容易找到头腔共鸣位置和深呼吸支持的稳定状态。

    D. 在”吸“的感觉支配下,整个腔体呈”虚张“之势,在腔里”找气儿,不找劲儿“。气息越通畅,音色月明亮。

    E.记住”哼鸣“的共鸣感觉,将它带进开口音和咬字吐词的发声中,能使演唱变得极为轻松、省力。

    1、坚持母音要纯净

    母音不纯,是由于有喉音、鼻音等错误发声的干扰所致,因为”错误的声音的发出,必定伴随着有错误的生理动作的原因“。坚持母音的纯净性,就是坚持发声的正确性,也就是字正才能腔圆。

    2、先想好再唱

    他说:”在发一个音之前,先要在思想上把它成型,并赋予它适当的色彩、音色和表情。“也就是通常所谓的”先想好了再唱“。换句话说,也就是要先形成正确的声音概念,正确的发声的条件发射,然后让这些概念条件反射,自动地来调节,平衡人体的发声器官来发声和歌唱。声乐教学的目的,就是要通过有意识的学习,而达到下意识的或半意识的自如歌唱。按吉利的话来说,每一个人的”说话和歌唱只是有声音的思想;讲话时没有人想有意识地去摆弄嘴、舌和上颚的动作……他们自己会自动调节“。”从从一个母音过渡到下一个母音,重要的是从思想上去做。“”当思想的根据是正确的时候,生理部分就会以同样的准确性,相应正确地反应和调节。我,首先是在思想上建立我的歌唱。“”完全必须预先在心理上想到所希望,或即将发出的母音。“3、保持声音的连贯

    吉利指出:”当必须在同度音或某个音程上作母音变换时,为了避免口内形状和声音结构的任何突然和粗暴的改变,其动作必须是平稳的。“”也就是在口咽腔中,对每一个母音所进行的形状变换是如此轻微,以致只要想到稍微改变一点点,就足以产生所需要的生理效果,这就是连贯地歌唱的秘诀。“4、音色变化

    他说:”一个正确平衡的发声机能能准确地教育着歌者本人,使他知道可以或不可以把自己的声音‘开放’、‘集中’或‘关闭’(变圆)到什么程度,而不至于成为喊叫。“美声学派所需要的音色,并不是越明亮越好,也不是越厚、越圆越好。理想的音色,应是历代美声学派大师所提倡的‘又明又暗’。所谓的‘暗’,实际是母音变暗,母音变圆(即唱a时带点o等)这样的母音变形就可以使声音变得更为圆润,宽厚,可以使声音避免因过份明亮靠前而变得刚硬、尖锐、刺激,并使声音具有天鹅绒般地柔和感觉而仍不失其明亮5、呼吸需要有弹性

    他在该文中指出:当完成下肋两侧扩张,小腹微向内收的呼吸动作后,腹部”不能有任何僵硬或不舒服的感觉而只是具有有弹性的柔韧的坚定。“而且”在我一开始歌唱的时候,我就把横膈膜、肋骨及呼吸机能的一切动作,全都置之度外。“呼吸吸得过满,腹部肌肉过份僵硬、缺乏弹性等弊病,必然会带来喉部肌肉紧张、僵硬。

    6、音乐表演的适度感

    他认为:某些因强调语气而做的柔和且又稍微延缓一些时值的”延缓重音“(Tenuto)。”既不能太短,也不能太长。如果延续得太长,就会流于粗俗;如果太短,就会发挥不出其真正的表现力。“这种适度感,只能是歌唱家自己”通过长期的艺术实践,积累经验,而获得的一种艺术和美学的感觉。“”美声“唱法表现出来的声音特点,应该具有哪些规范的内容呢?

    所谓声音的”规范化“。指的是一种大致统一的声音标准。这种标准,是以那些世界最著名的”美声“歌唱大师典范化的演唱为模式。当我们说起”美声“唱法时,自然会想到那些”美声“学派杰出的代表人:如世界著名的男高音歌唱家卡鲁索、吉利、多明戈、帕瓦罗蒂等人;世界著名女高音歌唱家卡拉斯、苔巴尔蒂、丽丽?蕾曼、卡巴耶等人的名字。他们歌唱的精湛技艺和奇妙、谐和、优美、动人的艺术魅力,给了人们巨大的艺术美的享受。每当我们聆听歌唱大师的歌声(包括录音)时,我们就能够清晰地感觉到,虽然他们每一个人的歌声都有自己独特的音色,但是,更多地体现出来的确是具有众多共性的、统一而又规范的声音特点。

    ”美声“唱法规范的声音特点,可以概括为八个字:”通、实、圆、亮、纯、松、活、柔“。 ”通“:

    ”通“,是声音通畅的简要概括。歌唱者,掌握歌唱技巧水平的高、低,第一个重要标志就是”声音通畅“。演唱的声音不通,就不能说是已经掌握了”美声“唱法。从美学欣赏的角度来看,通畅的声音,能给人一种心情抒畅的感觉。同时,通畅的声音增加了歌唱旋律的律动感,这种音乐律动的美感令人陶醉和激动。声音通畅,是以气息通畅为前提的。通畅的声音,是发声器官各个部位在歌唱发声的运动中处于最谐调状态的产物。人的整个共鸣腔体,从上到下保持空间相通、气息通畅的感觉,是声音通畅的保证。正如沈湘教授指出的那样:”在‘嗓子眼儿’上是找气儿不找劲,感觉气和声音混在一起,一道从‘嗓子眼儿出来’。“沈先生用形象、准确的语言形容声音通畅的感觉时说:”好的声音是吹出来的,特别是在高音区,象吹一个倒悬的瓶口,把高音吹响!气息通畅、声音通畅是扩展音域、统一声区最重要的前题。声音不通扩展音域就会遇到困难;气息不通,就不可能保证全部声区具有统一的共鸣泛音音色。因此,通畅的声音是解决声音问题的首要技巧。

    “实”,是声音结实的简要概括。结实的声音是有音量、有力度、有穿透力和致远力的声音。这是衡量歌唱者掌握美声演唱技巧好坏的第二个重要标志。如果只强调声音通畅,不讲声音的力度,往往容易把声音唱得空洞、暗淡和虚弱,这符合“美声”规范化的声音效果。只有结实的声音,才能产生出声音的威力。它是表现人物的英雄气概和朝气蓬勃的精神面貌必不可少的声音条件。沈湘教授指出:要想把声音唱得结实、有力,“就必须敢唱,全身积极,不能躲嗓子,把声音唱到腔里,把自己震响!”“声音在腔里有振动的感觉,唱出来的声音就结实。”

    “圆”,是声音圆润的简要概括。 声音圆润,是“美声”唱法规范化的第三个重要标志。从美学角度来看,圆本身就是一种美。人的听觉非常灵敏,觉得圆的声音是悦耳的、动听的;尖锐的声音则是刺耳的、难以忍受的。因为,圆润的声音恰恰抹去了声音的尖角。美声唱法特别强调声音的连贯和圆滑,它们都是在声音圆润的基础上表现出来的音乐美感。因此,声音圆润,是意大利“美声”学派区别于其它任何声乐学派最突出的声音特点。圆润的声音是从圆的共鸣腔体(圆管、圆腔)发出来的,这些共鸣腔体就好象是声音的模子。

    “亮”,是音色明亮的简要概括。 音色明亮,是“美声”唱法规范化要求的第四个重要标志。集中、明亮的音色,给人一种光辉灿烂的感觉。这种优美的歌声,仿佛把人带进了一个充满光明的美丽世界,使人感到无限的欣喜和欢悦。明亮的音色,是生命、光明和朝气蓬勃的象征。明亮的音色,又是歌声中泛音频率的体现。由于泛音频率很快、很高,所以,音色明亮的歌声具强而有力的、穿透乐队“音墙”的致远能力,能使剧场里所有的观众听到优美的歌声。歌声里最有价值的东西,就是优美动听的明亮的音色。因此,沈湘教授强调指出:“意大利美声学派,是追求美好音色的学派,而不是追求音量的学派。有了好音色,音量自然就会有。如果一意孤行,总是用强制发声的方法去追求音量,不仅学不到美声唱法,弄不好,就要毁掉自己的嗓音。”

    “纯”,是音色纯净的简要概括。音色纯净,是美声唱法规范化要求的第五个重要标志。纯净的音色,就如同纯水那样不含任何杂质。音色越纯净,声音越清晰、透明。当听众欣赏到那种既明亮又纯净的优美音色时,这种美的享受是令人陶醉的。听众在欣赏歌手的演唱时,如果听到在明亮的音色中含着杂音,会感到一种美中不足的遗憾。沈湘教授指出:“基音不纯,泛音也杂”是音色不纯的根本原因。解除下巴与前颈、喉结周围肌肉在歌唱发声时的紧张用力、干扰声带正常工作的多余的劲儿,始终保持这些部位的松弛状态,使“声门适度”感更随意,是纯净音色的重要前提。

    “松”,是声音松弛的简要概括。声音松弛,是“美声”唱法规范化要求的第六个重要标志。声音松弛,给予听众的心理感受是轻松愉快的。它使听众得到了一种心理上的满足。心理学家认为:愉快的心情,是个人的需要得到满足,个人的目的达到时的情绪反映。这就是说,听众听到的这种松弛的歌声时,是歌声在艺术上表现的美感,满足了听众的需要,达到了欣赏歌唱艺术的目的的心理表现。声音怎样才能变得松弛呢?沈湘教授指出:“自己要想把歌儿唱好,声音又松弛又好听,首要的是心理放松,思想要彻底解放,绝不能有任何顾虑。心理状态总是又积极又松弛。从歌唱技巧来讲,气儿是主要的,呼吸要稳定,它是声音松弛的基础。加上一个好的高的共鸣位置,只要嗓子上没有任何多余的劲儿,排除对声带发音的干扰,声音就松弛了。”

    “活”,是声音灵活的简要概括。 声音灵活、自如,是“美声”唱法第七个重要标志。唱美声歌唱演员应该把声音唱得灵活、自如,才能随心所欲地表现歌曲在音乐艺术上的所有内容。它是歌唱者掌握“美声”技巧纯熟的体现。声音灵活,从声音的演唱技巧来说,应该包括以下内容:

    ⑴、音域变化灵活。

    歌唱者,根据歌曲旋律高、中、低音的各种变化,可以随心所欲地尽情自如地演唱,不受音域、音区变化的限制,上下音区声音始终保持优美、统一的音色、声音上没有任何负担,这就达到了“音域变化灵活”的要求。

    ⑵、母音变化灵活。

    母音是人类语言的有声部分。母音变化,是语言变化的物质条件。歌唱者,能够在不同音高上根据语言表达的需要去灵活、自如地变化各种不同的母音,而且能保证各种母音的音色统一、明亮、纯净,这就达到了“母音变化灵活”的要求。

    ⑶、声音力度变化灵活。

    声音力度的各种变化(包括声音由弱渐强,由强渐弱,或是各种不同的强、弱力度)是歌唱演员必须掌握的演唱技巧,它是歌曲艺术处理与艺术歌唱的必然需要。能在低、中、高各种不同音区中,根据作品处理的要求,灵活、自如地去表现声音力度变化,这种演唱技巧具有很高的难度,它是使歌声达到完美境界的重要手段。沈湘教授指出:“声音的力度,说白了,就是指音量的大小。这种音量的大小和它们的力度变化,总是和歌唱发声时用的气儿有关系。如果说,歌唱状态都找好了,哪都对,想声儿大点,就多给点气儿,想声儿小点,就少给点气儿。声音的力度由弱渐强,用‘吹’的感觉给的气儿就从少到多,从小到大;声音的力度由强渐弱时,用‘吸’的感觉,给的气儿就由多到少。在高音区声音渐强渐弱和运用真假混声技巧有重要的关系,重要是调整真假声的比例:强音的时候真声多,假声少;弱音的时候假声多,真声少。这种真、假混声变化、调整比例关系的技巧,是变化声音力度最切实可行的方法。”

    ⑷、声音音色变化灵活。

    如果听众能从歌声音色的变化感觉到人的情绪、情感、心境的各种变化,就是说歌唱者已经掌握了灵活地变化声音音色、用以表达歌曲思想感情的重要方法。沈湘教授指出:“唱的时候,声音不能总是一种音色。因为,音色是人的情绪的反应。情绪变,音色也要有变化。改变音色,唱的人主要靠自己在‘内视'’内听‘上的变化,当然,方法上应做一些调整:想让音色暗一点,就往后唱得空一点儿,自我感觉声音变暗一点儿;想让音色唱得亮一点儿,就让共鸣集中一点,声音向前反射的感觉多一点,感觉头腔,面罩、咽腔的音色亮一点。”

    ⑸、歌唱发声咬字吐词灵活。

    无论是演唱中国歌曲,还是演唱外国歌曲,在歌唱发声时,必须做到咬字准确、吐词清晰。同时,在音乐旋律的进行中,保持声音的连贯性和优美的音色,这是歌唱者在演唱歌曲时必须掌握的重要方法。沈湘教授指出:“有人说,用洋唱法唱中国歌唱时,有音包字的问题,听起来咬字吐词不清楚。这种批评有些片面。咬字吐词清楚不清楚不是唱法问题,而是人的问题,人没有把咬字吐词的技巧掌握好,或是干脆只注重声音不注重咬字吐词。只要好好研究一下中国语言咬字吐词的发音规律,我想,洋唱法同样可以把中国歌的语言交待清楚。但是,要防止另一种倾向:演唱的时候,在咬字吐词的动作上太使劲儿,容易把声音搞僵,还会破坏声音的连贯性。歌唱发声时的咬字吐词,必须是灵活、自然、准确、清晰的。最要紧的是,念字和发声要统一起来,学会被动念字。这样,唱的时候,不管是高音区还是低音区,灵活、准确、生动、自然的咬字吐词就不会成问题。”

    “柔”,是声音柔和的简要概括。 声音柔和,是“美声”唱法第八个重要标志。在歌唱艺术的表现中,既要有明亮结实的声音特色,这种声音里透着一种阳刚之美;又要有柔和细腻、如月光般柔美的音色。这种“刚柔相济”的声音,能极大地丰富声乐艺术的表现力。

    关于“美声唱法规范的声音特点”的总结,基本概括了这种唱法声音规范的内容以及演唱技巧方面的要领,为歌唱者明确了追求美好声音的目标。同时,使人们从欣赏的角度出发,进一步认识美声唱法在音乐美学上的价值,从而提高对歌声的鉴赏力。

    声乐界一直以来争论的焦点在“美声应该靠前还是靠后”以及“土洋之争”,特别是对我国民族女高音的演唱,这些不同的观点已经影响了我国声乐的发展。

    20世纪80年代,西方美声的技巧和理念逐渐被引进到我国,争论的焦点问题也逐渐向实质性、深层次方面发展,对美声唱法的认知也更加深入和客观。

    同时,部分音乐工作者对于“面罩唱法”与民族风格的结合方面取得了一定成绩。但是,我们仍需在借鉴西洋、继承传统的基础上进一步探究“面罩唱法”为我所用,以促进我国民族声乐的蓬勃发展。

    “面罩唱法”

    “面罩唱法”其实是一种歌唱时的感觉,它是鼻窦、上颌窦、蝶窦、额窦的共鸣腔体同时打开唱通所达到的一种集中、明亮且富有金属性的具有很强穿透力的歌唱声音。也就是我们通常所说的“高位置歌唱”。

    贝基先生是意大利美声学派20 世纪最具有代表性的权威性的声乐大师,他非常强调“面罩唱法”。我国著名声乐教育家赵梅伯说“今日世界上大多数歌唱家仍沿用这个方法来发声”。

    “面罩唱法”是目前国际声乐界最流行最科学的一种歌唱发声方法,也是意大利美声唱法的灵魂和精髓,盛行于 20 世纪的欧美国家。“面罩唱法”于 20 世纪一、二十年代传入我国,在相当长的一段时间内,有很多的声乐教师和歌唱家对其产生过误解。20世纪 80 年代初期,吴其辉先生于意大利接受声乐学习,其学习期间的第二任声乐老师基诺·贝基先生曾经来我国讲学,并科学地阐述了“面罩唱法”的教学与演唱,当时引起了很大轰动,促使我国许多的声乐教师和歌唱家改变了对“面罩唱法”的看法,“面罩唱法”也是在那时逐渐在我国流传开来。

    -01-

    有利于获得集中和明亮的声音

    “面罩唱法”是通过歌唱中每个共鸣腔的声音朝向面罩处集中,经过眉心到达前上方出来的声音,所以,“面罩唱法”的掌握,预示着集中和明亮声音的获得。

    -02-

    有利于获得具有穿透力的声音

    弓箭和子弹因为具有尖锐的“头”,才能保有一定的穿透力和射远力,假设他们的“头”比较钝,其穿透力和射远力相对较差,歌唱的发声原理与之类似,只有将声音集中,才能将其传得更远、更具有穿透力。

    -03-

    使声音更具青春活力

    “面罩唱法”的掌握可以使演唱者长时间演唱而不感疲劳,不仅能增加演唱者的演唱生命力,还能更好地配合气息、节省气力、不费嗓子。演唱者的声音听起来比较年轻有活力。

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    有利于唱弱声

    歌唱者演唱弱音相对困难,气息要有控制,高位置不变,声音不能虚,用“面罩”的感觉更加夸张地打开上口盖以上的共鸣,所发出的声音依然有金属性。

    -05-

    有利于声区统一让歌唱者的声音通过面罩而不是通过嘴,如果高音和低音都在面罩上,用位置唱低音和高音,效果会更好。

    卡鲁索非常重视声区的统一,他辩证地说:“扩大音域,要特别细心地慢慢地练习,要使高音发出来容易又干净,那就要看他们所唱的低音如何了,因为这两者是有很大关联的。如果低音唱的正确,那么高音时就把这个正确的低音的方法逐渐移到高音上,同时张开喉咙自然就避免唱高音时所发生的那些使人不痛快的声音了。

    民族女高音”面罩唱法“的呼吸训练

    正确的歌唱呼吸是歌唱艺术最重要和最必要的前提。

    帕基埃罗蒂说过: ”知道如何呼吸的人就知道如何歌唱“。呼吸的类型包括胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹式联合呼吸。

    ”面罩唱法“呼吸训练有其自身的呼吸规律,作为女高音在呼吸的技巧训练上有着与其他声部共同的法则。

    歌唱者从半打哈欠开始,用鼻和口同时吸气,然后叹下,叹开,叹通,这时要求歌唱者平静、放松而且自然,打开喉咙后轻微内收下丹田,鼻梁顶端有声音集中感,气息扩张和保持于腰腹周围,”嘟嘟“的声音从眉心处集中向外向上透出。在这里需要提醒的是半打哈欠,即哈欠的一开始,而不是整个打哈欠过程,同时还要进一步提醒练习者,两肩是向后向下放松的,不能提肩,注意气息在腰腹周围扩张和保持的同时,一定要顾及丹田的微收,这样才有利于气息的自如流动,才可以避免产生僵、直、白的声音。如果出现声音不灵巧,那是因为过分注重丹田的内收而忽略了横隔膜的向下感所导致的偏差。

    初学者不必追求音量,以保持身体肌肉的协调放松,该放松的要放松,该积极的一定尽力积极,微笑着高抬上口盖,积极集中气息于集中点,注意身形体位要保持中正立直,抬上腭,使身体各个部位的呼吸器官获得整体平衡,通畅自如,让气息包着声音走,让声音顺利进入面罩,以获得高位置的头声。

    因此,采用”面罩唱法“进行呼吸训练的最终目的是使歌唱者身体各部位的呼吸器官得到整体而平衡的运作,避免某一部分过于突出而导致的声音不平衡,使声音进入面罩,进而获得集中靠前的声音效果。

    面罩共鸣的训练

    ”面罩唱法“训练的关键是面罩共鸣技巧的训练,”面罩唱法“的共鸣主要由鼻窦、蝶窦、上颌窦以及额窦腔构成。鼻咽腔对于运用”面罩唱法“进行歌唱发声具有极大的作用,它是连接面罩共鸣和头腔共鸣的桥梁和枢纽。在歌唱发声的过程中,鼻腔骨架的振感是较为强烈的,具有良好的发声效果和音质。因此,鼻腔骨架被称为”嗓音的焦点“,它使基础声区(中低音区) 的发声更为科学和规范。

    其中,哼鸣的练习尤其重要,哼对了就唱对了。检验哼鸣对与错的方法,就是张开嘴和闭上嘴要一样的感觉,嘴张开要能随便做动作或做表情,都不影响 声音状态,这就哼对了,哼鸣练习能协调气息和位置的平衡关系,使喉咙打开,喉咙稳定,统一音区、音色和获得垂直的声音效果。同时,在解决女高音的声音音色问题时,首先要考虑到混声的训练,然后再根据审美听觉的要求调整真、假声的比例,其次要考虑到中低声区的训练,因为女高音面罩共鸣训练要求获得包含胸腔头腔共鸣等的全声道共鸣,而中声区的训练是解决中低区共鸣的途径。

    在中声区训练时要通过加一个ya字以叹下、叹开、叹通共鸣的声音管道,与此同时抬高上口盖,吸开喉咙和胸腔,发出的声音如同向前戴帽子形成遮盖效果,避免声音过度开放,唱稳唱准的声音不追求音量,在通过向上向前沿集中点透出时略微振动于面罩共鸣的焦点处,随着音阶的下行和音高的回落,胸腔共鸣即可获得,这时的歌唱者觉得发出的高音偏低也是正常的,可以当成是基础训练过程的步骤之一。事实证明面罩共鸣的训练,能使胸声自然过渡到头声,面具能很好地调整真假声比例。

    通过ha——mi——mei三连音的练习,感受音未发而气先行,但气不能出嘴,往里吸着唱。而且感觉声音向上向远无穷无尽,唱对了,声音是抱团的,在身上、嗓子里有个劲儿,是涨的。值得一提的是,小舌头抬起能使女高音的歌唱变得自然通畅。由此可见,通过科学的”面罩唱法“训练,能够克服和避免发出靠后的和散的声音。正是基于面罩共鸣所形成声音明暗相容这一特点,”面罩唱法“及其面罩共鸣技巧的训练日益成为世界各国声乐界所追求和推崇的目标,并成为我国声乐教育教学中不可或缺的内容。

    吐字和咬字技巧的训练

    歌唱者声音艺术的表现力很大程度上依赖着是否清晰地咬字和吐字。面罩共鸣在语言表现方面如字头、字腹、字尾、行腔归韵有其规律性可循,简单概括为:字头要唱得短、轻、准; 引长字腹;字尾收音要分明。发声训练时的语音与歌唱时的语音存在着一定的差距,还需要进行针对歌唱的语音训练,采用女高音”面罩唱法“时要求先行腔后咬字及吐字。现例举 mi 和 ma 的发音训练。

    当 mi 声音穿过鼻腔进入面罩获得高位置的共鸣之后,这时辅音 m 拖住韵母 i 行腔归韵,再连续唱 ma 字,a 在高位置的面罩处起音后变细变小集中透出而形成面罩共鸣,其间 i 音要唱宽一些,a 要唱窄一点,从而统一 i 和 a 的腔体状态,这就是我们常说的”窄母音宽唱,宽母音窄唱“。在气息下沉和保持的状态下,要以气带声,以气导字,而无需肢体过多的运作,在处于面罩共鸣状态下,字和声在高位置形成高频泛音后会得到加强,使咬字和吐字变得更加准确有力,更加具有冲击力。”面罩唱法“是建立在运用气息、整体共鸣、打开喉咙的基础之上,只有找到了三者之间的平衡,科学合理地安排练唱时间,巩固、加强发声肌能的练习,才会习惯运用面罩共鸣的声音。歌唱者只有不断地学习、研究、总结,才能更好地将”面罩唱法“贯穿于歌唱中。

    继承传统,洋为中用。受到”面罩唱法“影响的中国民族声乐,既讲求汉语言的发音要求,又保持传统美声唱法的发声技巧,”面罩唱法“既适合他国的歌唱风格也符合我国民族唱法的基本要求,因此,我们应处理好声乐的借鉴和继承问题,以促进具有我国特色的民族声乐艺术的新发展。在继承传统方面,应把传统音乐融入到时代音乐中去。借鉴西洋声乐方面,以具有民族特色的声乐为基础,学习西方艺术的长处,但是不可以照抄、照搬,而更应注重吸收、消化,并将其真正地融入到民族声乐艺术中,真正做到”洋为中用“。

    培养更多具有民族音乐素养和科学演唱方法的音乐工作者,构建具有中国特色的民族声乐艺术,是一个较大系统工程,这需要数代歌唱家、声乐教育家、作曲家及音乐理论家的长期努力和密切合作方可完成。这就要求艺术家们需要投入到世界性水平的寻访和比照,跨越文化界限,以发扬具有中国特色的民族艺术精髓,同时丰富国际艺术舞台,获得国际性的艺术声誉。我国在声乐教育中借鉴和融入”面罩唱法“,已经取得了举世瞩目的重大成果,因此,我们有必要继续沿着这一正确的轨道进一步发展本民族的具有中国特色的声乐艺术,只有民族的才是世界的,也只有这样,我们的音乐才能走出中国,走向世界。

    所谓混合声就是真声与假声的混合。在我国戏曲中称之为真嗓与假嗓的混合或大本嗓与二本嗓的混合。其实,根据人体歌唱发声的客观规律,任何一种正确的歌唱方法,包括美声唱法、中国的民族唱法和戏曲、曲艺唱法等,唱出的声音都应该是混合的。

    混合声在我国民族唱法以及传统的戏曲、曲艺唱法中也经常应用。许多有成就的民族声乐歌唱家和戏曲、曲艺表演艺术家,在嗓音的使用上无一不重视对混合声的运用,并取得了丰富的经验,获得了理想的演唱效果。

    混合声之所以是歌唱的理想声音,是因为它不但具有真声的明亮、坚实,又具有假声的圆润、柔和以及丰富、集中的高位置共鸣。真假声结合的混合声,不但有利于协调、统一的整体歌唱状态的建立,而且,能使歌唱音域宽广,歌唱声音圆润、灵活优美,富于表现力和感染力。

    混合声,由于是真、假声的混合,并随着声音的离、低变化而调整其真、假声的比例,因此,歌唱时,声音比较连贯、统一,没有明显的声区界限和换声的痕迹,声音上下比较贯通。混合声,由于具有充分的真声色彩,比较接近我国民族语言特点和咬字、吐字规律,因此,运用混合声演唱比较容易做到吐字的准确和清晰,达到字正腔圆的演唱效果。

    爱狄塔·格鲁贝罗娃(Edita Gruberova,1946)捷克花腔女高音歌唱家。1967年毕业于布拉格音乐学院,1970年起在维也纳国家歌剧院任主要演员。1980年以在《拉美莫尔的露契亚》一剧中的卓绝表演,在柏林歌剧院引起轰动。她的演唱感情色调丰富,有着强烈的戏剧表现力;嗓音既轻巧灵活而又清畅宽厚。许多评论家觉得格鲁贝洛娃的演唱简直是一种奇迹,很少有人能够达到像她那样的艺术成就。同时,格鲁贝洛娃也是20世纪下半叶莫扎特与理查。施特劳斯歌剧诠释的权威专家之一,这也表现出她的独特素质,即可以将花腔的音色美与戏剧表现的张力统一起来,产生令人称奇的艺术效果。

    格鲁贝洛娃是20世纪最杰出的莫扎特女高音之一,她以自己的方式诠释过许多经典的莫扎特歌剧角色。有人说过:”假如能具备格鲁贝洛娃那样完美的技巧,你就能随心所欲地处理音乐,表达细腻的情感变化,反之,像许多歌唱家的做法,你只能用某一种方式来唱,因为那是惟一能把所有音符都唱出来的办法。“在格鲁贝洛娃的保留角色名单上,康斯坦采和安娜始终占据重要地位。《后宫诱逃》中的康斯坦采是格鲁贝洛娃最经典的莫扎特歌剧角色,也是她的成名作,她说:”莫扎特歌剧是所有作曲家中最困难的,它难在音乐纯净,节奏精确,而演唱者要唱出这种天籁之声是万分艰难的。“《唐璜》中的安娜是她的另一个保留角色,1987年格鲁贝洛娃首次在斯卡拉歌剧院演唱这个角色,当时由于这个角色比较大号,所以不少人认为格鲁贝洛娃改变了戏路,对此,格鲁贝洛娃矢口否认,她认为安娜和夜后之间没有多少差别,也许安娜更大号一些,但演唱的风格是完全统一的。格鲁贝洛娃说过:”安娜与唐璜的恩怨始终没有结果,两人之间爱恨交加,藕断丝连,在她的咏叹调中就能看出这种矛盾。可是她似乎又从中获得力量,真是纠缠不清。“生活中的格鲁贝洛娃的脾气不好,但性格中却有无比坚毅的一面。从音乐学院毕业之后,她经历了漫长的等待,虽然进了维也纳国家歌剧院却始终遭受冷遇,直到被伯姆发现而成名,在此期间她一直耐心等待机会,同时苦练技巧,最终才能获得今日的成就。1986年,因其在演唱施特劳斯歌剧方面的不懈努力和丰富经验,格鲁贝洛娃被推选为理查。施特劳斯学会名誉主席,以一位声乐艺术家的身份出任这样的荣誉职位,可见格鲁贝洛娃在当时音乐界的地位。

    混合声中,真、假声应随着音高的不同变化而不断地调整其不同的比例。唱高音时,假声的成分相应增多,真声的成分相应减少,为高音的演唱提供了有利条件,有利于克服高音演唱中的困难,尤其对于克服男声高音演唱中的困难。会起到十分有效的作用。唱低音时,在保证声音高位置的前提下,相对增加真声的比例,加强真声的色彩,声音就能下得来,就能获得良好的胸腔共鸣。

    唱出既坚实、宽厚又富于髙位置的低音来。这对于解决女高音的低音区声音空虚、暗淡的毛病,是一种十分有效的方法。在混合声的训练中,一般多采用i(衣)、yu(迂)、u(乌)等母音进行练习。除此之外,有的还可以运用”小哼鸣“练习,体会假声的位置。

    混合声的练习,可以根据不同歌唱者的具体情况,采用灵活的练习手法,有针对性地解决每个人所存在的问题。但是,不管采用什么练习方法,在最初的基础训练中,控制好声音音量,科学地运用好发假声的意识和状态,保持假声的位置,都是必须尽力做到的。只有这样,才能获得理想的混合声效果。

    男高音美声唱法的特点包括呼吸、声区、起音、音质与音量、声音的连贯性、灵活性、微颤等。

    首先是呼吸,正确的呼吸方式是歌唱者发音的基础,要求歌唱者会灵活的控制呼吸,并且拥有足够的呼吸支持,提倡使用横膈膜的呼吸方式。

    第二个特点是声区,歌唱者在歌唱时,会有换声区的过渡,如果不能调整好,可能会出现破音。

    第三个特点是起音,起音是歌唱者在开始歌唱时,一个关键的发音步骤,也是在男高音美声训练时声区统一的检验方式。

    第四个特点是音质与音量,男高音美声唱法注重追求明亮,圆润,优美的音质,也十分重视每一个单音的训练,通过气息的强弱,控制音色与音量的变化,使声音听上去张弛有度,有弹性。

    第五个特点是声音的连贯性和微颤,歌唱者在进行美声训练时,不仅要控制唱出的声音保持连贯性,使气息流畅稳定的进行演唱。

    为了不破坏声音的连贯性,在演唱时,还要注意微颤的时间,大概是在每秒六次或者每秒七次,如果唱到激动时刻,还应适当的加快。同理,如果很宁静的时候可以慢些。

    第五种特点,就是注意演唱时的灵活性,男高音美声训练时,为了延长演唱的时间,要学会灵活运用声音的弹性,进行歌唱。

    训练中常出现的问题解析

    第一种,在男高音美声唱法训练过程中,一定要理解声音,如果不了解声音的特性,只是一味地追寻男高音明亮,圆润和优美的优点,很容易造成训练者声音音色黯淡,声带没有弹性,音质不美,声音严重低沉,达不到想要的高音效果。

    第二种,男高音顾名思义,就是男歌唱家的声音音调非常高,而有些训练男高音美声唱法的学员,为了达到高音C3,在训练过程中过分地喊叫,用力地挤压声带,这样训练的结果,会造成训练人员的声音变薄,不会产生任何共鸣,声音听上去也会变得缺少圆润,音色毫无美感,一样无法达到高音的训练效果。

    第三种,喉头不够稳定,在训练男高音听美声唱法时,如果喉头不能稳定,就会造成训练者音色不准。声带抖动频率不均匀。出现声音摇摆不定的现象,更不要说去达到音高C3,唱出高音。

    第四种,在训练男高音美声唱法时,没有学会对声息的控制,常常出现漏气,撒气等情况,训练时间久了,可能会造成训练者声带发生病变,导致音色不再干净、明亮,不能再进行男高音美声的训练。

    第五种,过分的追求单音靠前,声音过多的进入鼻内,训练者就会出现鼻音浓重的情况,无法把声音混合在一起,致使声音不能融合。

    正确的训练方法

    (一)正确的呼吸

    呼吸是男高音美声唱法训练的基础,学会正确的呼吸方式,才能进行训练的后续学习,是训练者学会良好的发音的基础。男高音美声训练的呼吸方式,与我们日常生活中的普通呼吸方式有所不同,男高音美声训练的呼吸方式有着它自己的方法和规律,也可以说它是有一定技巧性的方法,不是训练男高音美声唱法人员天生就会的,而是通过后天的学习与训练,锻炼出来的一种呼吸方式。呼吸的形式有两种,一种是吸气运动,一种是呼气运动,吸气运动的过程是,用嘴和鼻子把空气吸收到肺内。这时一定要注意,不要将肩膀抬起来,吸气动作完成后,可以体会到自己身体肋骨附近有扩张的趋势,这时我们身体肺部的横隔膜会逐渐下降,也能感受到我们身体腰部也会发生膨胀现象,训练男高音美声唱法的人员,站立并挺直背部,我们会感受到脊柱的轻微变化,还有要控制脊柱两侧一定是向上或者是向下扩张,不可以随意摆动身体。吸气运动过程中,一定要尽力吸得满些,以防在进行发音训练时发音的后半截失去气的支撑,如果没了气的支撑,歌唱者就会出现短气现象,造成音准不稳。

    为了训练人员能够学会正确的吸气和吐气方法,在吸气时,训练人员必须在昂首挺胸进行吸气的同时,还要学会放松腹部肌肉。呼气过程中,训练人员必须要保持吸气的状态,即使是在歌唱过程中,也要保持气息是缓缓呼出,吐气动作要均匀的进行,尽量节约训练者在演唱过程中吸气和呼气用力,达到气息的对抗效果。还要注意的一点,训练者不管是在吸气过程中,还是在呼气的过程中,一定要学会放松身体,不可过于僵硬,因为太过僵硬,就会造成气息不稳。

    (二)训练良好的高音基础

    训练良好的高音基础,就必须建立一个中低声区,中低音区是培养高音的基础。想要掌握其他高音训练的技巧和通透方法,没有中声区是不可以的。由此可以看出,想要练好男高音的美声唱法,在进行训练的过程中,就必须重视练习中声区,只有做好高音的基础,才能更好地进行男高音美声歌唱,不要一开始训练,就着急的学习歌唱高音,应该在训练的过程中打好基础,一点一点的积累经验,慢慢的向高音音域拓展,要遵循循序渐进的原则,不然一开始就学习高音歌唱,不但不会成功,反而会给自己的声带造成损害,得不偿失。为什么要先学会中声区昵,因为中声区的声音有不费力,轻松流畅的特点而且中声区的声音靠前,是逐渐往高音发展的路径。中声区的声音不会特别要求音量,一般都是要求声音自然,声色优美和声带灵活富有弹性,训练时尽量做到深吸气,呼气平稳自然,喉头稳定,声频不颤抖,让声音听上去连贯,圆润和自然。

    (三) 训练高音区

    高音一般都是在歌唱高潮时出现,可以带动观众的情绪,随之发生变化,达到振奋人心的效果,在整个歌唱过程中,高音的歌唱是非常重要的看点。在前期训练的过程中,一定要打好中声区的基础,再学会气息的控制,接下来就可以进行高音区的学习。很多初学者,在学习高声区的歌唱时,经常会发生后唱不上去,停留在半截,不是憋住了气息,就是卡克无法继续歌唱,这种现象就是到了换声区。只有学会高音歌唱的技巧与方法,才能继续进行歌唱,男高音必须学会换声区的基本方法与技巧。换声区的基本方法和技巧有:倒吸气动作、母音转换手法、掺假音等。列举其中的一个例子,如倒吸气动作,这个动作很容易理解,但是在运用的过程中需要反复实践,它的要领就是训练者要进行换气时,做一个好像被吓了一跳之后,做的倒吸气动作,随着口腔的打开,训练者的声音也会自然的提高,最后顺利进入换声区。

    ”谁懂得呼吸的奥秘谁就懂得歌唱。“美声学派这句古老的教诲虽不够全面,但却对我们阐明了呼吸在歌唱中的重要性。帕瓦罗蒂的唱法正是建立在这条古老原则的基础上。他说:”掌握不好呼吸,就没法唱出好听的声音,甚至会毁坏嗓子。

    帕瓦罗蒂对我们讲了很多有关歌唱呼吸的体会,概括起来大概是这样的:“气息支点主要在横隔膜,吸气时横隔膜的肌肉象一条带子,从前至后围成一圈,非常有劲地扩张,像便秘的人蹲桶时一样的感觉,也象武士在发功时的积极状态。小腹往外鼓出,吸足气息,胸腔要全面扩张,喉下的胸口有个明显的支点。发声呼气时,横隔膜往外强有力地扩张,里面有一股反作用力形成一条”声柱“往上升起。”声柱“经过胸腔产生共鸣,再通过喉头声带,连接在面部的共鸣盒(帕瓦罗蒂歌唱中感觉的共鸣腔)。

    帕瓦罗蒂多次提醒我们:”呼吸、横膈膜如果运动不正确,喉咙就会紧张,声带就无法正常工作。歌唱时喉咙一定要放松,否则声音就不好听。在此有必要说明,帕瓦罗蒂强调喉咙要放松,并不能理解为喉咙要松懈。人在歌唱发声中,尤其到高声区,喉咙会本能地紧缩,为了保持正常的打开,喉咙要感觉有一圈肌肉积极往外扩张,形成筒子或管子的感觉,让“声柱”从中间升上去。    他说的喉咙放松指的是不能让多余的肌肉力量参与。因此可以说,只有在正确积极的肌肉运动前提下,才能使喉咙得到真正的放松。当我们说他气息很饱满,富于弹性和流畅性时,他幽默地回答道:“谁也不能说自己气息饱满,都需不断地锻练提高。但我对我的气息不会不足而不必抱怨。”当我们猜想他的气息技巧也许是采用什么特殊的训练法得到的时,他回答说:“我跟其他歌唱者一样,只是在练声中锻练。”说完,他唱了下弱声练习, 练习唱得富于音乐感,所有声音都要求平稳、动听。帕瓦罗蒂是在歌唱过程中锻练气息机能的能力。不过我们想他也不会反对别人采用其他一些正确的练习方法。因为人的声带是不可多用的器官,当嗓音练累了,通过某种无声的气息训练是加速增强呼吸机能的好办法。只是做无声练习时更须注重呼吸机能运动的正确性,因为气息的无声练习最容易产生这样或那样的毛病。其中最可怕的毛病是把肌肉练僵一、“狗喘气”,狗可整夜地叫,每一声都是那么响,并且不致哑嗓子。它气息的运用是可借鉴的,它呼吸动作很大,夏天尤其明显。做这个练习时要下降喉头,打开喉咙,横隔膜始终保持往外扩张,气息一进一出,一口气要练十来分钟。这种练习也可结合声音进行,声音感觉在声带或面部共鸣部位都可以。

    二、把气息吸满,气息支点往外保持,口不用张开,一舌尖顶着牙齿控制气息(代替声带挡住气息)。练习时也可以默数一、二、三……三、吸满气,气息支点保持住,往外呼气。以上三种练习都得细心体会在横隔膜内形成往上升的“气柱”或“声柱”,更得注意气息支点肌肉的弹性。另外,中国优秀的气功师的呼吸功能是很值得歌唱的人们研究的。他们气息的深度,肌肉的力量,控制气息呼出的技巧完全可以结合到歌唱中来。中国驻意大利前文化参赞刘光亚曾说过,他在意大利期间和莫那科交谈过,莫那科有个朋友到过中国,回意大利向他介绍了气功的呼吸法,他从中受到启发,以后就结合到他的歌唱中。

    

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