怎么编曲：如何学习编曲
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结果加上去的不是丰满，而是堵塞。就如同火不旺就加柴一样，加多了反而会把火闷死。
【正确的做法】：检查目前已有声部的演奏方式是否已经发挥到了它本身应有的作用，让每个声部发挥较大功效，如果仍然不足，再考虑加声部也不迟。
2. 不够宽广，加混响
加混响如同娶老婆，没有更好，只有合适。听觉空间绝非只来自混响式的空间，更多原因来自于声部构成。
【正确的做法】：设计合理的声部结构，检查高、中、低各个频段是否有合适的声部在那一带活动，或者反过来，是否某一频段声部过多而发生拥堵。因为拥堵会将这一频段的空间堵死，形成实心状态，越加混响越糟糕。比如：贝司、底鼓、失真吉他是否发生了拥堵，如果有嫌疑，适当减轻其中某一声部的密度听听看。
3. 力度绵软，加大演奏力度
有理不在声高，四两可拨千斤。力量是相对的，有弱才有强。都很强=都很弱。
【正确的做法】：用弱的对比去突出强，良好的弹性才是真谛。所有的声部都不要有“抢戏”的心态，大家站好自己的位置，关键时候为“前锋”创造破门机会。严厉禁止所有队员都往球门里冲。
4. 做的不够像，是因为音色不够好
拉不出屎来怨茅坑。固然，茅坑差到只能一只脚站立的时候，拉不出来也有情可原。但是，目前采样音色已经GB级别了，还嫌不够？总是惊讶的询问：你这是什么音色？
【正确的做法】：考察一下自己，你是否有足够的音乐表情信息；管乐器演奏是否留下了呼吸气口；声部本身是否有良好的句读感；你是否对此种乐器有足够的了解；你是否做到了扬长避短。记住，手里的东西，未必有你的多。
5. 高低频不丰满，加EQ
恐龙MM画口红，充其量就是个画了口红的恐龙。地瓜就是地瓜，加多少佐料也成不了鲍鱼。很多前期制作不足，指望后期缩混来弥补却惨遭失败，原因就在这里。
【正确的做法】：声部构成是关键，检查一下贝司与中声部之间是否有断层，有的话，试试用吉他或键盘乐器来作补充，低音声部自然会丰满起来。检查一下贝司声部是否活动范围过小，让贝司真正充当一件乐器而不仅仅是低音，因为活动的声部更容易获得听觉的关注，这也会很大程度的弥补所谓低频空虚。高频也以此类推。漂亮MM不画口红也漂亮。
6. MIDI，可以让它做真实乐器所做不到的事
这一条不算是全错，但要慎之又慎。每一种真实乐器，虽然都有某些不尽如人意的局限，但是，它之所以存在于世上多年，就一定有他的合理性。同时，当一件熟悉的乐器声音响起的时候，大家或多或少的都会动用内心的即成规则去听，如若与原本即成规则相差太远，就会造成虚假感，太多的虚假感会使得你的音乐可听性严重受挫。
【正确的做法】：战略上藐视敌人，战术上重视敌人。真实乐器也在不断改良中，没有什么不可以。但是，要提高自己的美学审美能力，让自己的创造性举动获得有价值的美学体验，而不仅仅是天生牛犊。
7. 弦乐人多才丰满
人海战术啊？没戏。群感和丰满是两码事，一段四重奏的丰满程度很有可能胜过弦乐队。历史上曾有过组织上千人的交响乐队的例子，那是为了造声势和响度，与是否丰满没有关系。不信你试试50把小提琴演奏同一个音，再试试4把小提琴演奏8个不同的音，哪个丰满？
【正确的做法】：要想弦乐丰满，写作是关键，对弦乐的构成要有足够的了解。买一些CD和总谱，分析一下不同写法所造成的不同听感，把的绝招学过来，怎样能松弛，怎样能强硬，怎样能明媚等等。不要仅局限在个别小节，眼光放开些，看看不同乐句或乐段是怎样形成对比和继承关系的。
8. 中提琴没什么用，不用做了
弦乐不够丰满的要害往往就在这里。人体的上下协调，腰是关键。
【正确的做法】：大提琴与低音提琴共同营造低音部分的空间泛音，就像一潭清澈的水所富有的重量感，小提琴负责营造水面上美丽的涟漪，而中提琴负责这两个层次的色彩衔接，否则，涟漪将会飘在空中成为烟雾，而不是水的一部分了9. 有了电贝司，就不需要弦乐的低音提琴了
这可不一定哦，要看具体情况。缺少低音提琴，会使弦乐队本身的听觉完整性受到一定影响。
【正确的做法】：比较轻飘的风格，可以考虑不用低音提琴，我曾经只用小提琴，中提琴大提琴都不用。但若是想要丰满的话，低音提琴不可或缺，前提是，你要仔细认真的将它与电贝司写到一起，绝大多数情况下保持完全同度。
10. 他这首歌旋律难听死了，根本没法编
对于教练，没有不好的球队；对于作曲，没有不好的歌词；对于指挥，没有不好的乐队；对于母亲，没有丑陋的孩子。
【正确的做法】：心态较重要，能够妙手回春才是高手嘛。救人一命胜造七级浮屠。
“编曲”，按照我国专业音乐领域对于词汇的运用与工作方式来理解（就普遍现象而言），是指结合音乐制作（Music production）的编配（Orchestration）方式。它并非只是从乐器、音色搭配的角度为乐曲进行的编配，也不是单指用电脑及软硬件实现音响的制作。这使得“编曲”这个词更像是一种职业、工作名称，而不是某音乐概念与作曲技术。
什么是作曲？
作曲的英文是compose/composition，即“组织”的compose/composition。什么是组织？就是对素材进行整合、组装、创造性地安排与使用。早期的音乐中，作品必须能够顺利进行演奏才算完成全部的作曲工作。并且，创作能够演奏出来的音乐才能算是作曲。
随着音乐制作（Music production）技术的发展，某些声部较后即便没有实现演奏，或者说部分音响并不适合真实演奏或无法演奏，也可通过电子设备获得想要的音乐。所以当今看来，创作某些即便没有较后的演奏步骤的音乐也属于作曲。
作曲是在完成音乐内容的创作。音乐中所有元素都服务于音乐内容，每个声部都是平等的。任何音乐形式（包括单声部音乐与纯打击乐音乐）至少会包含织体、曲式、编配、速度、节拍。改变这些的其中一个因素就有可能改变一首音乐的内容，明确这些才能称为作曲。
和声、复调、曲式分析与管弦乐法，俗称为作曲“四大件”。
音乐作曲和编曲的区别
一、作曲的工作是创作歌手演唱部分的曲调（也就是主旋律的调子，唱KTV时你自己唱的调子）二、编曲的工作是创作器乐伴奏的部分的曲调（各种乐器，唱KTV时喇叭播放的伴奏的声音）。
1.作曲，是在完成音乐内容的创作，单纯的一条旋律决定不了音乐想要表达的内容。包括旋律（若有明显旋律）和打击乐（若有打击乐）在内的音乐整体音响：
2.编曲，就是在不影响原曲主要旋律和内容的基础上对乐曲的表现形式做了更多的拓展。在现代音乐中特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。简单来说，作曲者是给了骨架，而编曲者则是给了血肉。
3.作曲可以用五线谱把曲子记下来，编曲就需要下载一些编曲软件和音源。
4.作曲是编曲的基础，作曲是指作出一首歌的主旋律，即歌谱，而编曲是在主旋律的基础上，在适当的地方配以鼓点，和声，各种电子等。
在古典音乐里原本是没有编曲这个概念的，因为所有的作曲家都是自己写好了乐谱，规定了所有乐器的配合。但是随着时间的流逝，和曲谱在演出中和日常的练习中被人们发现了更多的表现方法，这时候就出现了编曲。
包括调性的选择及变化，纵向的音高排列，横向的和声连接、声部对位，节奏穿插，音色的选取及搭配、节拍（及其变化）和速度（及其变化）才是表达音乐内容、情绪、氛围的关键所在，改变其中一个因素就有可能改变整个音乐的内容。明确这些才能称之为作曲。不管多么复杂的音乐，这些都是由作曲家一人完成的。
拓展资料
现在是数字音乐时代，很多音色都是非物理乐器音色或物理乐器音色的再处理，这就要求作曲者本人对编曲要有所了解，才能达到更多音色及的运用。
对于已经有完整作曲的音乐作品如传统的交响乐，或其他已经有完整所有声部创作的歌曲、纯音乐作品等，编曲只是对音色的把握和声场的控制。
对于电子音色和特殊起主导作用的音乐作品，如好莱坞配乐中的电子交响乐，画面音乐等，单说作曲是包括编曲的。
编曲有没有版权？
在目前的音乐产业里，编曲是一次性劳动，结算形式是一次性买断。也就是说，编曲人会将自己的编曲作品以一个固定价格卖掉（Tracks Out，将所有编曲分轨以Wav格式导出），此后这个编曲作品就与自己无关了，编曲是无法收到版税的。（版税：版权作品每次被表演时，版权人都会收到使用者支付的相应费用。）编曲工作者入行时，业界的前辈会告诉你，编曲是没有版权的。那时的你对这个概念似懂非懂，内心深处更加不能接受。
因为只有真正的编曲工作者，才深知自己的汗水与辛苦。
因为付出与回报太不对等了。
挑选每一项乐器、音色、设计节奏、设计和弦、设计Bass line、设计Riff、Lick、Intro、Verse、Chorus、Bridge、画包络线、设计每一个细节编排，还要调试EQ、动态、压缩、混响等等。更不要提宿主软件、音源、器、乐器、MIDI设备、监听设备以及其他软件或硬件上进行的资金投入。
要做这么多事情？你跟我说没版权？理性上是接受的，情感上是强烈拒绝的。
残酷的是，提前剧透结论，编曲真的没有版权。
中国法律层面并不认可编曲拥有版权。我国的成文法没有明确规定编曲拥有版权，在我国的法律里甚至根本就没有出现编曲二字。
根据《中华人民共和国著作权法实施条例》第二条的规定，作品被界定为“文学、艺术和科学领域内具有性并能以某种有形形式复制的智力成果”。可见，“性”和“以某种有形形式复制”是我国著作权法保护的作品的构成要件。
关于“性”，较高人民法院在《关于审理著作权民事纠纷案件适用法律若干问题的解释》第十五条进一步给予界定，即“由不同作者就同一题材创作的作品，作品的表达系独立完成并且有创作性的，应当认定作者各自享有独立著作权”。
由此可见，从法律法规到司法解释，我国著作权法保护的作品（版权作品），其“性”的认定标准仅能笼统为“独立完成”和“创作性”两方面内容。
看到这里也许你会问：“编曲是独立创作的产物，当然具备性，也具备复制形式，为什么没有版权？”请继续往下看。
从我国以往的司法实践看，编曲者的智力成果在著作权法上的地位并未得到承认。在经典案例“李丽霞诉李刚、陈红、蔡国庆侵犯邻接权、录音制作合同纠纷案”一审中，法院对编曲作出了这样的解读：“本案所涉的歌曲编曲并无具体的编曲曲谱，它的劳动表现为配置乐器、与伴奏等人员交流、加诸电脑编程等，编曲劳动需借助于演奏、演唱并较终由录音及后期制作固定下来。不可否认，经过编配、演奏、演唱、录音等诸项劳动所形成的活的音乐与原乐谱形式的音乐作品并不完全相同，构成了一种演绎。但是离开了乐器的演奏（或者电脑编程）及其他因素的配合，编曲的劳动无法独立表达，因此一般并不存在一个独立的编曲权。由于本案诉争伴奏带的编曲曲谱只是对原曲进行了乐器配置、声部分工、组合，并没有改变《常来常往》乐曲作品的基本旋律。该编曲过程仅是一种劳务性质的工作，编曲目的是为了将《常来常往》乐曲作品转化为录音制品，故其劳务成果之一即编曲曲谱并不具有著作权法意义上的性，不能成为受著作权法保护的作品。”
看到这里也许你依然会质疑：“编曲当然可以写成谱，而且我找一个Acappella团体也能唱出来，法官一定不懂音乐！”请让我们继续看下去。
音乐产业较发达的国度美国，在法律层面也不认可编曲拥有版权。美国版权法对编曲进行了明确定义，在美国版权法Copyright Law of the United States Section 101中，法律认定编曲是一种派生作品。
A “derivative work” is a work based upon one or more preexisting works, such as a translation, musical arrangement, dramatization, fictionalization, motion picture version, sound recording, art reproduction, abridgment, condensation, or any other form in which a work may be recast, transformed, or adapted. A work consisting of editorial revisions, annotations, elaborations, or other modifications, which, as a whole, represent an original work of authorship, is a “derivative work”。
派生作品，是基于版权作品，同时也是为了表现版权作品而存在的一种作品，此类的辅助型派生作品是不被认定为版权作品（Copyright Work）的。美国法律的解释，似乎更加合理。
1、编曲与作曲的区别在于写不写主题。写了主题的就叫做作曲，不写主题音乐的就叫编曲。
2、编曲与编配的区别在于写不写织体。编配=编曲+配器，编曲就是把单声部音乐多声部化，把简单主题的结构复杂化，配器就是把已经有的键盘织体乐队化，所以现在的编曲都是根据某种乐队的编制来进行的，基本上等于编配。
3、编曲对于作曲的作用是很大的。很多准备编曲的歌曲，拿来后一看就只是一个单乐段或双乐段的主题，完全就是一个毛胚这就需要进行很深刻的加工。
4、首先要对歌曲进行一番精确检查
（1）看看有没有记谱错误。很多业余作家的记谱技术并不好，记谱中会出现大量常识性错误，例如、用错拍子、调式不明确、前后风格不统一等等，这都需要一一矫正。
（2）再看看音域是否超出正常，或音域十分狭窄，并根据歌手的技能调整音域，如果音域过于狭窄，可以通过整体移调来扩大音域。
（3）再看看结构是否能够符合歌曲的要求。歌曲的结构样式也非常多，通常都带有各种反复，例如：ABAB，AABB，ABABA，ABABB，ABBBA，可根据情况设计新的结构类型。
5、编曲时应注意的地方
（1）配和声的技巧。目前三种和声体系并存混合的状态十分普遍，即古典传统和声学，爵士和声学，民族和声学。笔者的经验是，传统和声学是功能性和声，离掉和弦的用法都是在这个体系中；爵士和声学主要体现在和弦的色彩性与和声的节奏两个方面；民族和声学主要体现出中国音乐的音响风格上。
（2）配写副旋律。在多声部音乐中，配写副旋律是非常常用的一个技术，各种复调技术就成为一种必须掌握的学问，而复调的教学这个方面在的音乐类专业院校都不是很普及，其他学校就更别说了，所以朋友们可以多看看关于巴赫音乐的作品分析就能了解到很多复调知识。
（3）矫正主题音乐的缺陷。在编曲中基本上都是用的器乐性思维，器乐思维相对于声乐思维更加纵深，对于节奏、织体、调性、旋律、力度、速度、等音乐要素的运用更加综合，例如：如果音乐乐句过于方整，那就需要增加非方正性的句子以打破这种死板；如果音乐的起落音乐过于简单，那就要在和声的配置上增加意外和声的运用，以打破这种常见套路说带来的僵化；如果音乐的节奏过于规整，那就要在织体上增加切分等非常规节奏型以打破节奏方面的刻板，等等，所以编曲必须要在矫正主题音乐的错误之后在开始增加光彩。
（4）通过编曲给音乐增加光彩是必须的事，但如何增加却是很难的，一个好的编曲可以体现在很多方面，例如：精美的和弦配置，通过一些特色和弦或特殊的和弦进行，以及转调离调等增加了音响的个性因素，还可以通过引子、间奏、尾声这些地方加入一些华彩，这些地方往往是编曲者自己独立创作的地方，也是展示编曲者才华的好地方。
6、编曲与乐队的配置关系紧密。编曲者通常都是对某种乐队编制比较熟悉，但目前乐队的编制都是混合编制的，这就需要编曲者要熟悉各种乐队编制，了解各种乐队编制的原理，以及各种乐器的搭配组合原理，只要明白这些道理，任何乐器都是可以互相搭配的！
随着商业音乐的普及，流行音乐在我们整个收听的音乐里占了很大的比重，在音乐中听众们不再只关注歌手的歌声，我们还关注了作曲、编曲、现场等等方面。今天我们就来介绍一下编曲，更重要的是给一些想学习编曲的朋友们介绍如何学习编曲。
编曲是音乐制作的编配方式，按照我国专业音乐领域对于词汇的运用和工作方式的理解，是指结合音乐制作的编配方式。通俗的讲，就是把音乐通过电脑上的音乐宿主，在宿主中寻找合适的音源（音色资源），运用不同音源的合理搭配，制作出一首完整的音乐作品。
总的来说，编曲的学习是一个大的方面，学编曲之前首先还要掌握几个技能。首先我们需要学习基本的乐理知识，乐理也就是我们平时说的音乐理论，在编曲之前我们当然首先要认识乐谱、节拍、节奏基本内容，其次我们要学习常见的和弦、了解和弦的功能，较后我们要认识音乐中的调式、调性。音乐理论是音乐里面较基础的知识，所以在开始编曲之前我们务必要好好学习乐理知识。
在乐理知识都全面掌握的前提下，我们就可以开始进行和声的学习了。和声通俗的讲就是和弦的连续进行，一首完整的音乐作品不可能只有一个单一的旋律，还有伴随着旋律而来的其他声部，它们相辅相成。和声的学习，丰富了单一声部的单调性，是曲子变得饱满；其实和声就是曲式，它奠定了一首歌曲的基本调式、调性。一个非常棒的和声进行是给整个作品加分的，它可以使整首曲子更灵动。初学者学习的时候，不防多听音乐作品，多扒带，看看音乐大神们是怎样进行和弦的连接的。
掌握了乐理与和声相当于完成了编曲的工作，接下来我们需要全面的了解各种乐器。编曲其实就是在电脑上运用不同的乐器搭配编配出来的音乐作品，所以了解各种乐器的演奏法、音区及发声原理还是很有必要的。比如说，我们想写一首弦乐作品，首先我们必须需要知道弦乐只有小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴组成的；其次我们要熟悉各个提琴的音色、音区，尽量不要写这个乐器不适宜演奏的音区；较后我们要了解弦乐都有哪些演奏法，比如如果想写一段优美、缓慢的曲风时，我们一般运用弦乐的连弓技巧，如果我们想写一段、速度较快、音符较多的曲风时，我们可以运用弦乐的跳弓来进行表达；如果我们想写一段激昂的进行曲风格，我们就可以运动弦乐的顿功来完成。所以乐器法对于整个编曲来说是至关重要的，还需要做详细的了解。
当我们把乐理、和声、乐器法都掌握了以后，这时我们就可以开始尝试编曲了。但是编曲对于设备还是有一定要求的，因为编曲大部分都是在电脑上制作完成的，所以首先你必须要有一台电脑，较好再买一个独立声卡；其次你需要有一台MIDI键盘方便的MIDI的输入，但是如果是不会乐器的话，midi键盘可以暂时不需要买；较后需要买一对音响或者一个监听耳机，为了更好地听清音乐作品中的声部、各种乐器的音色、乐器的方位、还有一些特殊的。
有了这些设备后，我们需要在电脑上安装制作制作的宿主软件，也就是我们常说的数字音乐、音频工作软件。常见的宿主软件有很多种，例如：Cubase、FL Studio、Logic Pro（只支持MAC）。首先我们接触到一个宿主软件后，首先应该搞清楚它的基本操作，比如导入、导出音频文件，怎么加载音源，怎样进行MIDI的录制等等；其次宿主上本身就会自带很多很棒的音源，我们应该对自带音源做一个详细的了解，如果你对自带音源还不满意的话，可以尝试使用第三方的音源；较后我们就可以进行编曲了。
编曲是一门包含了很多步骤的工作，只有把每项工作都完成好，编曲出来的作品才会更加出彩。如果想了解还需要查询相关的咨询，或者想制作高质量的音乐作品肯定还是需要专业系统的学习相关专业知识，在这里推荐一家专业的MIDI音乐教育机构——“朱弦三叹音乐”。
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