编曲中国：音乐作曲和编曲的区别是什么
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1了解键盘乐器
想了解一件乐器的特点，首先要重点了解这件乐器的三个关键的特性，即：音色、音域和演奏法。每家乐器厂商都会有自己独特的音色特点，例如施坦威钢琴的整体音色尤为华丽，适合用于钢琴独奏、偏管弦配器的编曲等，雅马哈钢琴相对施坦威而言，音色就显得非常明亮，适合用在流行乐，摇滚乐等。
由于每个人对音色的主观感受都略有不同，在此就不再赘述。如果你对原声乐器的音色选择还没有头绪，建议多听多看多感受（油管上有太多介绍乐器的视频了，仔细找都能找得到），仔细体会每种乐器的音色特点。
电声键盘乐器的音色更是数不胜数：Synth Bass、Pluck、Pad、Lead等等，每种音色都有无尽的方法等着你来调制。所以建议刚开始扒带的小伙伴：如果你对电子音色还停留在没有概念，且原声乐器的基本制作还没有搞定的情况下，尽量选择扒原声乐器多一点的曲子，因为调制电子音色相较于原声乐器配器而言，几乎是另外一门技术，可以先把音乐性的基础打牢，再着重训练电子音色的调制。
从演奏法的角度来说，键盘类乐器的演奏法相对少一些，原声键盘常用演奏法有以下几种：柱式和弦演奏、分解和弦演奏、刮奏、跳音、连音、琶音、震音、双音、复调演奏。电声键盘除上述几种演奏法以外，也可能会用到：Pitch Bend（弯音轮）、Modulation（调制控制器）等控制器来配合演奏。
接下来我们讨论一下键盘乐器的编写/扒带原则。由于电声键盘乐器的音色和演奏法非常自由，所以在讨论这一问题的时候，主要以原声钢琴作为参考对象。钢琴是一种全音域乐器，一般的钢琴音域是从大字二组的A-小字五组的C，共88个琴键，下图为钢琴琴键与大谱表对照表：
Ps:国际钢琴制造品牌贝森朵夫也有音域更宽的92键钢琴和97键钢琴（B?sendorfer225&290）。
如果你对钢琴这件乐器还停留在比较陌生的阶段，MiDi匠建议你较好可以抽出时间来学一学练一练，原因有三：其一，在编曲的过程中，很多情况下并不是你所需要编入的所有音符都存在你脑子里，更可能是需要根据你对曲子的理解来做一些尝试，也就是跟着感觉弹。如果不会弹琴全靠鼠标点，那么很可能整首曲子编写会陷入瓶颈。
很多好的音乐作品并不是一个人在家里闭门造车，而是玩儿出来的，换句话说也就是试出来的。其二，如果不会弹琴，那么你很可能无法对这首曲子的结构、情绪等因素做出一个相对准确的整体感受和判断。其三，编曲的细节是需要反复揣摩的，比如气口、踏板、音符的长短、音符的连/断时机。这些情绪上的细节，仅用鼠标来实现是非常困难的（虽然确实也有小伙伴可以仅用鼠标来实现）。但，MiDi匠还是推荐自己练琴，这样音符录入的效率也会提升很多。
音乐是时间艺术，手活上去了才能更好地培养出对作品整体的把握的能力。
Ps：人的精力有限，不必非要练到级别，至少练到可以流畅地弹奏流行钢琴即可。当然，乐器技术越好，对你编曲的帮助越大。
2键盘编写/扒带中常见的MIDI制作技巧
1.柱式和弦与量化、内声部旋律：虽然柱式和弦是一种较简单的钢琴演奏方法，但事实上用MIDI来实现的话，并没有想象中的那么简单。会弹钢琴的小伙伴应该知道一个常识，就是哪怕是较厉害的演奏家，也不可能像机器一样弹出两个节奏、力度完全相同的柱式和弦，而且同时弹下去的音，哪怕节奏感再好，也不可能像MIDI量化功能一样，将音符完全对其到网格线上的拍子，所以较好要把所有的音符做到节奏的“微不齐”如下图：左为不好，右为较好。（下图中的MIDI音符所代表的乐器为钢琴）第二个重要的点就是柱式和弦的内声部旋律：虽然柱式和弦从谱面上来看，是几个完全相同的音，但也可以在不失去和弦厚度的情况下来弹奏出旋律，如下图：旋律音为力度较大的音符，即：G-E-C-C。
2.常见的钢琴分解织体：钢琴分解的织体并没有固定的弹法，编起来可以比较自由，但要本着泛音列的原则。低音区的分解织体，尽量不要用3度，3度在低音区听起来会非常浑浊，除非你就是要这种。一般来说，5度，8度，都可以。从中音区到高音区，音的排列就可以逐渐变得密集。下图是4种常见的钢琴分解织体弹法：
3.关于MIDI踏板的画法：无论是用MIDI做钢琴、电钢、合成器还是吉他，都不可避免地要画cc64踏板控制器。但无论是哪种乐器，画踏板的原则只有三条：前踏板、后踏板、换和弦换踏板。所谓“前踏板”，就是在音符弹下去之前，踏板就已经踩下去了。“后踏板”，就是在音符弹下去之后，再踩踏板。如图：
Ps:后踏板在流行歌中运用居多，因为后踏板可以让你的钢琴显得更加连贯，不会出现延音突然断掉。前踏板运用并不是很多，具体还是要看你需要的。“换和弦换踏板”是非常重要的，即使是在一个小节中的较后半拍换了和弦，也要换踏板，否则之前的延音与后面的和弦音会造成极其不和谐的。
3键盘编写/扒带时的一些小经验
键盘的编写可简单也可复杂，主要看键盘声部在整首编曲中发挥的作用，如果整体编制乐器较少，而你又选择了钢琴作为主要织体，那么就会相对复杂一点。如果钢琴只作为一个色彩乐器，而主要的织体由吉他来表现，那么就可以相对简单一些。但无论是简单还是复杂，想要把钢琴编得灵活精致，就要用心设计。如果脑子里的库存不够的话，编出来的钢琴往往就比较单调乏味。想提升这部分的知识，可以买来谱子弹一弹，丰富自己脑中的织体库。
MiDi匠建议大家用“节奏”、“速度”和“风格”来记忆织体，因为相同的织体在不同的速度下，很可能会给你带来截然不同的和感受。Blues钢琴、BoogieWoogie钢琴，Latin钢琴、Jazz钢琴、Pop钢琴、Rock钢琴，建议大家都可以听听练练。库存多了，大脑还会自动将这些库存进行融合，从而产生自己的审美和风格。
较后来分享一下钢琴/键盘扒带的一些小建议：刚开始扒钢琴/键盘声部的时候，很可能只能听出旋律音和低音，但不要担心，其实你的耳朵把所有的音都听到了，只是大脑并没有注意到。这时我所强调的音程/和弦性质的练习就显得尤为重要了。音程/和弦性质的练习，非常有助于你对和弦音响厚度辨识能力的提高，即使不能像“音准”一样瞬间就能听出所有的音，但也能靠和弦厚度和和弦性质推算出所有的音。
练耳不是一朝一夕的事情，希望真正喜欢音乐的小伙伴都可以坚持下来。
1扒带练习前的必要准备
1.视唱练耳。如果不是固定调耳朵，那用首调也是一样的，但至少要能听出来音程关系，和弦性质。
2.至少可以演奏一种和声乐器，如钢琴、吉他。
3.一定要有乐理基础，至少要知道音程、和弦、节奏、调式。
4.至少要对一款音频宿主要有一定的了解，主流编曲软件如Cubase、Logic、FL。
2扒带一定要根据能力循序渐进
对于初学编曲的小伙伴而言，较好的扒带方式并不是把每一首曲子的所有声部全部扒出来，而是阶段性地集中攻克各种风格下的某样乐器。换句话说，就是可以给自己制定一个合理的扒带练习计划，例如：阶段分2-3个月，着重练习扒钢琴，那么你就可以只扒钢琴，暂时不管其他声部，但一定要分风格，不只是流行钢琴，拉丁钢琴，摇滚钢琴，如果可以的话，还可以扒爵士钢琴。
50首之后，你将对钢琴的编法有一个质的飞越。如果你并不是很擅长钢琴，那么就可以从架子鼓开始、或者贝斯。顺序是可以根据自己的喜好和能力自由安排的。虽然这种针对性练习过程非常的枯燥，但也会非常有成就感。
钢琴（或架子鼓、贝斯）有了一定的概念，就可以扒其他的乐器了，注意这里还是单独乐器的训练，不需要把所有的声部全部扒出来。这种单乐器扒带训练的好处在于，你不必把有限的精力和对知识的吸收能力浪费在其他的问题上，集中火力逐个击破每样乐器的编配技巧与方法，看似很漫长的过程，但实际会比你想象得要好得多。
Ps：弦乐的扒带练习，要放在解决掉四大件之后。
3平时听音乐要广泛，风格要纯粹！
初学编曲较容易面临的一个问题就是，对音乐风格完全没有概念，或者只有一些模糊的概念。想要解决这个问题其实并不难，你可以买一本《欧美流行音乐指南》（这不是广告，这本书确实很好），大概了解一下音乐风格的发展历程，尽量找到书中的歌曲边看边听，积累各种风格的乐感。
千万不要忽略这个环节，这非常有助于你对编曲技巧的运用，提高你对音乐的理解，建立你对世界音乐发展的正确观念。尽量找风格纯粹的音乐听，例如乡村就可以听Lady Antebellum、重金属可以听Metallica、爵士大乐队可以听Frank Sinatra、嘻哈可以听Jay-z、等等。
总之，现今的音乐发展越来越趋向于各种风格的融合，如果你也想要融合，就必须要知道它们本身应该是什么样子的。个人认为养成这种良好的听歌习惯非常的重要，这样既有助于丰富你的音乐创作，又不至于做出一个四不像。
4平时听音乐（或扒带）时，尽量选无损音乐
这个也是一个必须要养成的习惯，首先来说一下无损音乐的常见音频格式：APE、FLAC、WAVE、AIFF。事实上，所谓的无损音乐也多少有一些损失，数字化的过程中无法做到完全的无损。但上文提到的这四种格式，肯定要比MP3或者其他有损格式质量要高得多。简单来说，就是200万摄像头和1000万摄像头拍出来的图片清晰度肯定相差甚远，音乐格式也是如此。
经常听无损音乐，可以让耳朵养成一个良好的对音色的审美和辨识，音色的审美是潜移默化的，如果你经常听有损音乐，那么你就注意不到很多音乐的细节，自然在编曲的时候，你也就无法考虑到这些细节。
5尽量不要用技术手段来辅助扒带！
普通人的耳朵跟受过专业训练的耳朵在构造上是没有任何区别的，区别在与大脑对乐器或者对音的敏感程度。通过技术手段放大某一频段这种做法，不仅扒带训练上是没有任何意义的，而且还会影响训练。的捷径就是多听多扒，这时单个乐器扒带训练就尤为重要了，如果你想把每个乐器从一团乐器里单独摘出来，你就必须要对这门乐器非常的熟悉。只要耳朵没有因先天或后天的原因造成的伤害，理论上所有声部都是可以听得到的，只不过就是你的大脑并没有注意到而已。
通过技术手段来辅助扒带还有一个副作用，经常这样做，会导致你建立的音色概念是相对不准确的，因为你放大了频段的同时，也会给音色带来巨大的改变。所以MiDi匠并不支持这种做法，只要经常听，用心听，一切都可以听得到。
6扒带练习的利与弊
如果你掌握了扒带练习的方法，那么恭喜你，全世界的音乐全部都是你的老师，你可以在他们的作品中学到非常多书本和课堂上学不到的编曲技巧和编曲理念，并且可以拓宽你的音乐视野和作曲思维，从而编出有自己独特理解的作品。
但是，在探索音乐的过程中，你很有可能陷入迷茫，找不到自己创作的基点或方向，如果不正确用耳还有可能导致过度用耳后对耳朵的损伤。其中的利弊权衡，每个人的选择都不尽相同，所以还是要根据自身情况来找到适合自己的平衡点。
7较后再给大家分享几条扒带小建议
1.首先要对自己当前的编曲能力做一个冷静、客观的自我评估，切忌好高骛远。如果你目前还没有接触到弦乐编写。那就先逐个把四大件搞定。
2.扒带的时候至少要用监听耳机，如果你用音染比较强的耳机，听到的声音也是相对不准确的，切忌长时间佩带耳机扒带，每2小时较好休息一段时间再继续，长时间疲劳用耳，对耳朵的伤害是不可逆转的，如果你不想40岁就听不到一些高频了，那就一定要注意保护耳朵。
3.扒带的宗旨是为了更好的编曲，一定注意不要生搬硬套，较好做到善于总结，举一反三。
4.如果你在扒带的过程中迷失自我，千万别慌，这是你成长的必经之路，量变到质变，所有人都是一样的。
什么是编曲？
“编曲”，按照我国专业音乐领域对于词汇的运用与工作方式来理解（就普遍现象而言），是指结合音乐制作（Music production）的编配（Orchestration）方式。它并非只是从乐器、音色搭配的角度为乐曲进行的编配，也不是单指用电脑及软硬件实现音响的制作。这使得“编曲”这个词更像是一种职业、工作名称，而不是某音乐概念与作曲技术。
什么是作曲？
作曲的英文是compose/composition，即“组织”compose/composition。什么是组织？就是对素材进行整合、组装、创造性地安排与使用。早期的音乐中，作品必须能够顺利进行演奏才算完成全部的作曲工作。并且，创作能够演奏出来的音乐才能算是作曲。
随着音乐制作（Music production）技术的发展，某些声部较后即便没有实现演奏，或者说部分音响并不适合真实演奏或无法演奏，也可通过电子设备获得想要的音乐。所以当今看来，创作某些即便没有较后的演奏步骤的音乐也属于作曲。
作曲是在完成音乐内容的创作。音乐中所有元素都服务于音乐内容，每个声部都是平等的。任何音乐形式（包括单声部音乐与纯打击乐音乐）至少会包含织体、曲式、编配、速度、节拍。改变这些的其中一个因素就有可能改变一首音乐的内容，明确这些才能称为作曲。
和声、复调、曲式分析与管弦乐法，俗称为作曲“四大件”。
音乐作曲和编曲的区别
1、作曲的工作是创作歌手演唱部分的曲调（也就是主旋律的调子，唱KTV时你自己唱的调子）。
2、编曲的工作是创作器乐伴奏的部分的曲调（各种乐器，唱KTV时喇叭播放的伴奏的声音）。
3、作曲，是在完成音乐内容的创作，单纯的一条旋律决定不了音乐想要表达的内容。包括旋律（若有明显旋律）和打击乐（若有打击乐）在内的音乐整体音响。
4、编曲，就是在不影响原曲主要旋律和内容的基础上对乐曲的表现形式做了更多的拓展。在现代音乐中特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。简单来说，作曲者是给了骨架，而编曲者则是给了血肉。
5、作曲可以用五线谱把曲子记下来，编曲就需要下载一些编曲软件和音源。
6、作曲是编曲的基础，作曲是指作出一首歌的主旋律，即歌谱，而编曲是在主旋律的基础上，在适当的地方配以鼓点，和声，各种电子等。
在古典音乐里原本是没有编曲这个概念的，因为所有的作曲家都是自己写好了乐谱，规定了所有乐器的配合。但是随着时间的流逝，和曲谱在演出中和日常的练习中被人们发现了更多的表现方法，这时候就出现了编曲。
包括调性的选择及变化，纵向的音高排列，横向的和声连接、声部对位，节奏穿插，音色的选取及搭配、节拍（及其变化）和速度（及其变化）才是表达音乐内容、情绪、氛围的关键所在，改变其中一个因素就有可能改变整个音乐的内容。明确这些才能称之为作曲。不管多么复杂的音乐，这些都是由作曲家一人完成的。
拓展资料
现在是数字音乐时代，很多音色都是非物理乐器音色或物理乐器音色的再处理，这就要求作曲者本人对编曲要有所了解，才能达到更多音色及的运用。
对于已经有完整作曲的音乐作品如传统的交响乐，或其他已经有完整所有声部创作的歌曲、纯音乐作品等，编曲只是对音色的把握和声场的控制。
对于电子音色和特殊起主导作用的音乐作品，如好莱坞配乐中的电子交响乐，画面音乐等，单说作曲是包括编曲的。
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