唱歌,音乐人解读好耳机所带来的震撼
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唱歌,音乐人解读好耳机所带来的震撼
唱歌
音乐人解读好耳机所带来的震撼
就如同从录像带时代跳过VCD、DVD，直接到达1080p蓝光，甚至4K时代一样震撼。这些年我也拥有了几款数千元的耳机、也听过上万元耳机，感觉大多数时候真是一分钱一分货。一首早已听麻木了的伤感歌，换一副更好的耳机突然会被重新感动。不过，我当初较早的一副耳机是SONY E808（索尼早期随身听和PSP的配塞，单买价40RMB），有让我触动的时候，就如同渣画质的电影也可以看得很开心一样，这也不能一概而论。
音质如画质，录像带的时期，我对自己喜欢的歌手，脑海里记忆的是录像带里那个形象：
但也许1080p甚至4K画质下，才更接近那个真实的她：
因为从事和视觉有关职业，所以拿画质来比喻，其实道理大家都懂，我只是分享下个人听到一款好耳机时的感受：
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好的耳机通常解析力更高，乐器与人声分离度更好，我听到了更多细节。
就如同现在很多电视画面预设选项也有所谓“柔和模式、艳丽模式”等色彩选项一样，好的耳机也会适当修饰音色（音染）以讨好耳朵，有的还追求还原真实。但更少夸张、扭曲到严重失真的地步。
好耳机帮助下，很多乐器，我都能大致判断它在我什么方位、它离我的远近。更少出现主唱在乐团后面唱歌的方位混乱感。就像图片有了透视关系一样。这也许就是老烧们提的“定位”吧。该是大剧院的，不会演绎为演唱会，该是录音室的，不会演绎为荒郊野岭，好耳机也追求能模拟出真实的“声场”。
假如我们用图片的黑色比喻低音，用亮色比喻中高音，好耳机的深色的部分能真正黑得下去（下潜），而且较深处也见得到细节，不会黑成一团，也不会因为黑得沉闷影响到该亮起来的部分。大多低端耳机特喜欢把所谓重低音作为卖点，其实它们的低音又不好，该低又低不下去，而且量太足又影响了中高音。我从那类低端耳机过渡出来时，确实经历了“听音观”的重建。
依然用图片的黑灰白比喻声音的低中高，好耳机低中高三个频段衔接自然，很少觉得低音堵、中音死、高音刺，就如图片灰度过渡自然顺滑与否一般。
好耳机拥有更加出色的“泛音”。比如我认为敲响三角铁时，优美的堂音和残响也许就是“泛音”的一种。有朋友认为“泛音是一个声音之上成倍数频率的超高音。即任何声音都可以拆分成无数个不同的正弦波，频率较低的那个音量较大，影响音调和响度，其他小波频率则会翻着倍的往上长，哪怕小提琴等低音也会产生成千上万赫兹的泛音，泛音越好，音色越丰满自然”。
拿图片比喻的话，或许就好像我们看到的物体是光线直射、反射、折射、漫反射叠加后的结果，这种叠加不影响清晰与否，但却可以让物体更自然、更富有光泽。甚至某些光线下，会有一种“圣光照耀”之感。华丽的“共鸣感”是动圈耳机较动人之处，我觉得古人说的“余音绕梁”，就是指此类状态。
好耳机，往往有优秀的动态表现、瞬间细节表现。我个人理解，这就好比好车在更短时间内从零速达到满速，也能在极速奔驰中立刻刹车的能力（动态）。或者即使高速运动时，你也可以拍一张饱含瞬间细节、不会模糊含混的照片（瞬态）。这在快节奏舞曲和部分摇滚歌曲中尤其重要，不拖泥带水，所谓动如脱兔、静如处子、时时清晰，尤其是部分动铁耳机此项尤其出色。
有些好耳机，声音凝聚密集，力道不散。声音更有“形体”，所以更容易“魔音入脑”。我想这点用《功夫》中的一个镜头来形容再贴切不过了，电影里的盲人琴师化古琴为兵器，声音如刀光剑影一般袭来。该如铁锤砸击的，不会演绎成打沙袋……
……
这些很多都是“听感”层面，我相信不完全都是“玄学”，或多或少也有电声参数的支持。
较后，不可避免的：
逼厕神锤 VS 好耳机的十八般兵器
音乐艺考合唱指挥基础知识：起拍和进声
起拍是在音乐开始前的号令动作，指示声音在下一拍进入，在合唱中也叫气口。
所以当音乐的拍是强拍时，起拍就从前一拍的若拍开始起。
其动作是手腕向外旋转一周，“虎爪”向外，作好预备姿势，然后手腕带动手掌向上一台进声。
弱起是指当音乐的拍是弱拍时的起拍。 其起拍动作是向外打强拍起拍，再向内打弱起进入。
为何电影里很多坏人做事前都喜欢来段古典音乐
简单的说，是为了让这些电影中“坏人”的人格更丰满。
就举几个例子。
在电影《沉默的羔羊》和《汉尼拔》中主人公汉尼拔较喜欢的就是巴赫的《哥德堡变奏曲》，该作品曾经几次出现在电影中。《哥德堡变奏曲》是音乐史上规模较大，结构较恢弘的变奏曲，依然体现着巴赫理性严谨的思维。
这正切中了汉尼拔的某些人格特质。
在大卫·芬奇执导的电影《七宗罪》中就出现了巴赫的《G弦上的咏叹调》。
当警察在昏暗的图书馆里查找资料时《G弦上的咏叹调》响起，马上便有了宗教感。这是首美好的音乐，就像是上帝的福音。这种光明美好和后来影片中代表光明美好的警察的妻子被杀形成了强烈的对比，使得作品带上了一种宿命式的苍凉感
其实古典音乐在电影中的运用还有很多，比如贝多芬的《欢乐颂》，这首表现人性光辉和乐观精神的歌曲在《死亡诗社》和《发条橙》中都出现过。
还有——
《关于莉莉周的一切》中德彪西的钢琴曲。
《意志的胜利》中瓦格纳的恢弘的史诗音乐等。
这些音乐是作曲家表达感情，探索人类精神世界的重要途径。通过对这些音乐的人文涵义分析我们不仅能够对影片的主题有进一步的了解，还能够回味音乐所蕴含的情感与思想。
再继续讨论一下电影中那些优雅的坏人。
优雅而智慧的坏蛋总是很讨喜，很受大家欢迎。
现在的英雄们都开始彷徨、自我怀疑，开始了一个人格上的下降过程，这种改变也是为了避免长期以来英雄类型片的陈旧叙事给观众们带来的审美疲劳。
"反英雄"(anti-hero)是与"英雄"相对立的一个概念，是电影、戏剧或小说中的一种角色类型。
通过这类人物的命运变化对传统价值观念进行"证伪"，标志着个人主义思想的张扬、传统道德价值体系的衰微和人们对理想信念的质疑。
想想超人原本是的慈父人格，而新的超人《钢铁之躯》，让他重新的经历了青春期。超人也要有建立世界观的折磨，去面对善恶的选择。
而坏蛋也不能是提供永恒的负面，他们要引起人们的注意，也不得不必须拥有一个人格上升的过程。
七宗罪这部电影的成功在很大程度上得益于这个反派角色的塑造和凯文·斯派西在剧中精彩的表演.对于宗教的极度痴迷造就了他认为自己是上帝的代言人的理念,因此不断的用他自己的手法来"惩罚"那些他认为"有罪"的人,社会的法律极其约束力在他眼中不值一提。
这种坏人包涵的意义不是一个“坏”字就可以概括了的。
反英雄的特点是具有某些人格缺陷、不良癖好，或用错误行为手段达到较终目标，和高大英俊、道德端正、行为正确光明的“超人”式高大全英雄形象有较大的区别。
凌驾在他们的不和阴暗面之上的，仍是某种英雄的使命感、责任感和道德观，引导他们行为的原因和目的，可以引起大多数人的共鸣和认同。
所以让他们听听古典音乐，给他们一个美学层次上的提升，对角色塑造本身也很有帮助。
反英雄题材的电影和电视剧在近年极为流行，但这一概念在好莱坞也并不是21世纪的新鲜概念，很多深受男性影迷喜爱的经典电影如1976年的《出租车司机》和阿尔·帕西诺的“教父” 系列电影都是典型的反英雄电影。
以及——
《暗夜骑士》里的小丑。
《沉默的羔羊》里的汉尼拔。
《猫鼠游戏》里的弗兰克。
不一而足。
当电影对这些坏人有了一些除了“坏”之外的描写，这些角色会变得更加丰满。
合唱曲目的选择分析
合唱曲目选择要慎重、果断、因队而异。在有限的时间里(八到十次)，一定要三思定稿，既定不变，一气呵成。总之要发挥本队的特长，克制对方的弱点。下面举些我在辅导实例，从中看看选曲的经过和，其中也有失败的例子。
1.市住宅公司的名唱《走进新时代》
几年前，经一位干部介绍，和住安建筑公司的一个部门建立辅导合唱排练的关系。我们的任务是一月后参加总公司大合唱比赛，二首歌，一是为住安公司司歌，二自选。经研究，定下自选歌曲唱《走进新时代》。
排练开始，在工棚内，有一套旧家用音响，经修理我放响了新时代的VCD，工人师傅们在音乐声中很快学会了歌曲，这里的合唱队员都是超重量级的男声，我们的歌声经常把简易房震得一颤一颤的，就怕要塌下出事。在唱出阳刚之气的同时，我要求他们唱出方法，唱出感情。很快一首行业歌一首抒情曲排成。为了要出，我把新时代做较后加工，领唱加合唱，合唱加动作。其实动作也不过是前后两排作剪式摇晃。可是，小小的动作难倒了五大三粗的汉子，大家都说那是学跳芭蕾，不干。我好说歹说才声明大义，要感动要拿大奖只有华山路一条。没办法，他们很不情愿地扭起来，一动起来好多了。
比赛在总公司礼堂，漕溪北路上的一条弄堂里，我们先唱“住安，住安”。此歌进行曲没有变的余地，就让师傅们来个惊天动地吧！第二首，我们的领唱一张嘴，其他的目光就聚过来，到合唱一起，我们歌声如潮，歌队如波，全场一片掌声。比赛结果，我们。工会主席上台领奖，全部演员设宴庆功，皆大欢喜。总结：你无我有，你有我强，你唱我动，变能取胜。
2. 较冒险的二队合排
我到上虹中学半年，要参加学生艺术节，校长要求二支歌队(校队和班队)同参比赛。时间紧任务重，只我一人怎么才能同上。一般说排合唱需一钢琴伴奏一指挥，二个歌队要四人合力。现在就我一个音乐教师，能生出三头六臂来吗？我苦思冥想，想出一奇招：两队合排，唱同样曲目，以班队为主，加20人成校队。
合唱队员很快定下，以初二(1)班为主，另招外援，什么男生需三分之一，必唱<打扮绿色地球>，那就按常规办了。一个月，我的二支歌队同时收工，除上面的必唱歌外，我选<十月是你的生日，中国>为主打歌，把我校独唱一二等奖的当领唱。在一位物理老师的指挥下，我手捧风琴上台。二首歌一慢一快，一大调一小调，搭配合当。我的赌博成功了，班队获区名，市二等奖，校队也完成了任务。校长见了我，使劲拍了拍我肩，说:"下次拿市"--啊！！！…
3.较悲壮的合唱：国际歌
合唱中难忘的是长春合唱队的失败。长春歌队原有40人，还请了医院作外援，我们60`70人可谓声势浩大。每次排练在长春一饭店里，先吃后唱，一开饭八桌，那气派可不小。
可是唱歌抽签的抽不好，要在出场唱<祖国颂>，那是高难度的曲目，我们能胜任吗？改是改不了了，只有硬着头皮上。还好医院的同志担起了男女领唱，他们的能力不弱。经过十次的吃饭，我们的歌排成了，每次排练我用琴教，用手指挥。我总想和乐队和真正上场的长春指挥合一下。但都没有机会。较后的比赛来临了，乐队来了，他们是高手，出不了错，我说改D调，马上就来。可是指挥不见了，那里去了，大家急得团团转。这时，只见指挥满身酒气上来了，说：二斤白酒下肚，我什么也不怕！好嘛，我们合唱队要与醉拳同舞。结果，大家可想而知，得了三等奖。“庆功会”上，我们高唱“起来，饥寒交迫的奴隶…英特那雄耐尔就一定要实现！”
4.唱无伴奏《半个月亮…》
以前教合唱接触年龄大的不多，可是在接手金汇合唱团后，对他们的热情和投入，有了更深的认识。
长年以教师的身份组织学生歌队。在那里，学生的主动性很差，一切都要我去设计，教唱，集合，每一次的排练都要做思想动员，每一次的开始都有人问怎么时候结束，每一次课外活动都有语数外老师的干扰，学校合唱很被动，很吃力，很叫人心烦。
金汇的中老年歌友，他们的情况恰恰相反。退休在家没事干了，要学点艺术，寻点开心，唱歌是个好方法。他们主动要唱，唱个没完，精力充沛，热情高涨。一个个老小孩似得天真，学童般的抢出“风头”，唱起一曲曲60年代的热歌(那是我较熟悉的)，我很快溶入了他们的热情之中。
应居委会的邀请，我每周一次参加排练，(后又加了双休日的公园唱和乐队，独唱训练)金汇歌队以本地女声为主，客席男生为辅，四个声部基本齐全，特别因为有团长作男低音的支撑，该团可以唱混声合唱较经典的曲目了。己有曲子:同一首歌、念故乡，那就做保留曲吧，新排的节目选了“巨龙昂首”。这个曲子气势滂渤，形式多样，声部交错有一定难度。在前半段，我又请了较强的男声作领唱，此曲使合唱队注入新意。我还选了<梦中的卓玛>藏族风格合唱，发挥男声的力量。
排无伴奏合唱是我多年愿望，但由于条件所限一直没能实现。我现在想在金汇实验，我选“半个月亮爬上来”作练习曲。排练前的准备开始，分析该曲，速度符合中老年的习惯，但要注意太温太慢，一般观众会听不下去。要唱出层次，抓住高潮，给听众以享受。训练合唱队员的气息控制和强弱伸缩，成为完成“半个月亮爬上来”艺术表现力的关键。再有该曲大量半音出现，这是合唱队以前没有接触过的，要在经过半音上下功夫。
有了准备，排练也就有的放矢。说到容易做到难，排练中我用各声部分练，男高女低，女高男低不同组合练，半音跟琴练，记忆力差就次次先唱谱再背谱再唱词地练。金汇的“半个月亮爬上来”终于成型。
居委会要开纳凉晚会，我们去练兵。在高热无音响和小孩的嬉闹声中，我们的唱不理想。会后各种意见反馈上来，使我可以借此来激将全队，“半个月亮爬上来”我们一定要唱好。
不是说我们唱平了，那就加工起伏。前面再做轻，到“请你把那窗口快打开”时全力爆发，我要求歌队忘记我们的年龄，以情带声，使声音响亮而年青，激情表达出王洛宾爱情歌曲的原意。“半个月亮爬上来”的较后句的“扔”字，我们作了突强变弱而持久的处理，为了扔好，我们一唱就是十遍。我用夸张的指挥手法，一次次强调扔的要领，我扔出了全身的汗，为了，只有拼了。
区艺术节开始，这次我们要做东道主，以歌汇友，迎八方来客，演出在街道文化中心。各位同行来了，各位教授来了，我们可要拿出看家本领，好好露一手噢！这里的条件不错，专业音响为我们准备，剧场有空调，队员们着暗红的演出服，我们要上场去展示合唱之较高境界的无伴奏。(其实要伴奏也无人，我兼指挥和伴奏)。报幕了，上场了，我到台边用钢琴发出F大和弦，各声部哼出自己的音，稍顿，我手起音飘:“半个月亮爬上来，依拉拉，爬上来。。。”台上台下静极了，只有轻雾般和声在荡开，“请你把把那。。。”歌声骤响，全场激奋，我的手高起低落，“依拉拉”响，“快打开”哀求，全队歌唱四部合一，用心打造西部风情，我们为自己塑造的音乐形象而陶醉，我们尽心而吟。较后一个"扔"字甩出去了，轻轻地，轻轻地，我们收音。半晌，台下传来热烈的掌声，我徐徐转身，看到教授的许可的眼神，看到居委会干部高举双手。我们满足，我们欣慰了，没有比肯定认同更重要。无伴奏的“半个月亮爬上来”啊，你又在我合唱生涯中抹上浓彩的一笔。
看了几例，选歌对路，就有成果。那个失败的例子，原因多多，但愿你我以后不要碰到。关于选歌，在以下例子中也牵扯，限于篇幅，我在此不一一细说。
视唱学习指导：五线谱的视唱误区（三）
“固定唱名法”与“首调唱名法”都不适合视唱。
目前，在五线谱视唱训练中，人们通常使用两种方法，即“固定唱名法”和“首调唱名 法” 。固定唱 名法开始的时间，有说是十七世纪初，目前尚未查到相关资料。首调唱名法则 是十九世纪中叶才发源于 英国的一种视唱方法，由于这种唱法较容易把握音准，随后，便得 到了许多国家的采用。应该说，首调 视唱方法的出现以至被人们采用，本身就是对固定唱名 法的评判和改革。然而，首调唱名法并非就是一 种科学、实用的视唱方法。下面我们就来看 看这两种唱名法存在的问题。
1. 固定唱名法
在长期的音乐实践中，由于五线谱记载的是“固定音高” 、西洋乐器奏出的是“固定音 高” （多数情 况下是接近固定音高） 、视唱中“固定唱名法”也要求唱“固定音高” ，于是， 很多人就认为： “ 固定唱名法”能培养人们“固定音高”的听唱能力，是较科学的训练方法。
由于上述原因，在进行视唱训练时，几乎所有的西洋乐手用的都是清一色的“固定唱名 法” 。结果怎 样呢？据调查，在专业西洋乐手中只有极少数人能记住“固定音高” ，而绝大多 数人都记不住“固定 音高” ，也唱不出“固定音高” 。这能说“固定唱名法”是科学的吗？
如果有一首新的、没有调式变音的简单乐曲，用线谱的 C 调记谱、或用简谱记谱（什么 调都可以） 相信大多数的音乐人都能很容易地视唱下来； ， 可还是这首乐曲、 还是这些人员， 倘若换成调号里 有两三个升降号的线谱， 要求用 “固定唱名法” 视唱， 怕是很多人就作难了。 这种现象，不能不让 人疑惑：难道“固定唱名法”的科学性就在于将“容易的”变成“困难 的”吗？
我们认定一种学习或训练的方法是否科学，决不能只看名称表面，重要的是看结果、看 。倘若是 对多数人都没有、或没有多大的训练方法，也算是“科学” 的话， 那么， “科学”二字就毫 无价值和意义了。
即使“固定唱名法”能培养人们“固定音高”的听力，恐怕也不见得是件好事儿，我曾 与几位音乐界 的朋友进行过探讨，大家都认为： “固定音高” 的听力没有多大实用价值，甚 至弊大于利。因为，在 音乐实践中，由于环境、温度对乐器的影响，我们演奏的音高可能与 国际标准会有些许出入，这丝毫不 影响音乐表现，对听众和绝大多数的演员、演奏员都不会 有任何影响。但对极个别已习惯了听“固定音 高”的乐手来说，则会感到不适，会直接影响 他（她）们的情绪和演奏。这样， “固定音高”的 听力，倒给他（她）们套了一个无形 的枷锁。
有人认为： “固定唱名法”的科学性在于唱名能直接反映西洋乐器上的相应音位，有助 于西洋乐手的 视奏。
应该说， 这样的认识本身就是偏颇的。 为什么人们总要把视唱和视奏的识谱联系起来呢？ 我们知道 ：视唱不是单纯为了器乐演奏的识谱， “视唱是学习音乐的基础，是一门综合性的 技能训练。视唱的 主要作用是训练初学者的音准、节奏、乐感和识谱能力”（这里所说的音 。 准，肯定是相对音高的音 准。因为多数音乐专业人员都记不住音高，显然，人们唱出的 和感受到的都是相对音高的音准。既 然如此，应该说视唱教材无论用什么调高记谱，都能训 练人们相对音高的音准，而且，谱子越简易、越 适合视唱，训练的效率就越高） 。
假如就是为了器乐演奏的识谱，固定唱名法的唱名实际也不能“完全、准确”反映乐器 上的相应音位， 实际上，它的唱名只能准确反映乐器上 C D E F G A B 各个音级的音位，而不 能直接反映其它升降音 级的音位。 如果为了器乐演奏的识谱， 人们只要记熟各调调号里所升 降的音级就行了，完全可以通过 各调的音阶练习进行，有必要让人花五、六年的时间、通过 艰难的视唱训练来记忆各调所升降的音级吗 ？
固定唱名法只有一样是固定的，那就是：只固定了五线谱每线、每间的唱名读音。这虽 然能让人容 易地唱出五线谱每线每间的唱名， 但给人们出的难题则大了： 很难让人唱准有调 号乐曲的调式音级— —尤其是调号里有三、四个升、音级的调式音级。
通常，人们将“固定唱名法”也称作“固定唱法”，在此唱法中，唱名的音高并非固定， 每个音位的唱名音高实际都有五个，即本位、升、降、重升、重降。
本来，人们用“多来米发索拉希”作为自然大调一级到七级的 7 个唱名（自然小调一级 到七级的 7 个唱名是 “拉希多来米发索” 此不再叙述） 目的就是要确立一个自然大调的 ， ， “唱 名音阶” 从而确定这几个唱名相互间的音高关系、 ， 确定每个唱名在自然大调中的音级属性。 以这个唱名音阶 为标准，让人们视唱时，能唱准乐谱中的唱名（即音符）音高，唱对乐谱中 不同唱名（不同音符）间的 音高关系，同时感受每个唱名固定的音级属性。
可是，在用“固定唱名法”视唱五线谱的十五个自然大调时，除了 C 自然大调完全遵循 这个“标准” 、升 C、降 C 两个自然大调基本（升 C 自然大调整体高半音、降 C 自然大调整 体低半音）遵循这个“标准”外，其余十二个调都破坏了这个“既定标准” ，推翻了人们初 学音乐时所建立的唱名音阶的概念， 打乱了部分唱名间的音高关系， 废除了每个唱名所固有 的音级属性。 于是， 因调而异， 每个唱名的音高都可升降， 不同唱名间的音高关系均可改变，每个唱名都可分别成为调式中的一、二、三、四、五、六、七某个音级，每个唱名的音级属 性总随着调号音名的改变，动荡不定、变化“无穷” 。
由此可见：这种“多标准”的所谓“固定唱名法” ，实则是一种“无标准”“不固定” 、 的视唱方法。其结果必然导致唱名与音高的矛盾出现、不同唱名之间的音高混乱，每个唱名 的调式音级属性的变更，调式感的淡化与模糊。让人难以把握、无所适从。
根据以上分析，我们不难看出： “固定唱名法”实际上是一种倾向于“无中心”“无标 、 准” 、 “ 无调性” 的视唱方法； 是不好掌握音准、 不易把握调性、 不适合视唱的。 所以， “固 用 定唱名 法” 来进行视唱训练，无疑是一种得不偿失的做法，尤其是对成年人。
2. 首调唱名法
由于固定唱法不容易视唱， 到十九世纪， 人们才发明了首调唱名法。 与固定唱名法相比， 首调唱名法虽然固定了不同唱名之间音高关系， 容易让人把握调式音级的音准， 容易感受每 个唱名固定的音级属性，但调高的音名字母不同，五线谱同、间位置上的唱名读音也不 相同。所以在视唱时，就要根据所标的调高，能迅速反应出线、间位置上的唱名读音才行， 这是很麻烦的。
人所共知：首调唱名法对于西洋乐手明显是不适用的——因为它“明显”不能反映乐器 上的音位。那么，对于声乐来说，这种唱法就更无必要了，我们知道，十八世纪就已经有了 简谱，将歌曲的谱子印成简谱也同样使用，现在，歌曲的谱子又都是简谱，连有些带钢琴伴 奏的声乐谱都用了简谱， 我们就没有必要花费大量的精力和时间， 来进行五线谱的首调训练了。
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