怎样唱歌好听,音乐理论基础：音的主要性质及分类
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怎样唱歌好听,音乐理论基础：音的主要性质及分类
怎样唱歌好听
音乐理论基础：音的主要性质及分类
一、音的主要性质：
音的高低音的强弱音的长短音色
(1)音有高低、强弱、长短、音色四种主要性质，在音乐表现中非常重要，其中以音的高低和长短较为重要。
不知道艺考生否有这样的体会：对于一首歌，不管您人声演唱还是乐器演奏，唱的声音是小是大，也不管您演唱或演奏时用什么调，音的强弱及音色有了变化，但这支歌的旋律依旧。可是，如果这首歌的音高或音的长短有改变的话，则音乐的感受就会受到严重的影响。可见，对一段旋律来说，音高和音长短的重要性。
(2)音的高低决定于物体在一定时间的振动次数（频率）。振动次数越多，音越高；振动次数越少，音越低。
音的强弱决定于振幅（声音波形的振动幅度）的大小。振幅越大，音越强；反之，振幅越小，音越弱。音的长短决定于音的延续时间的不同。音的延续时间越长，音越长；音的延续时间越短，音越短。而音色由发音体的性质、形状及泛音的多少等多种因素决定。
(3)那什么是音色呢？音色是指音的感觉特性，是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。发音体的振动是由多种谐音组成的，其中有基音和泛音，泛音的多少及泛音之间的相对强度决定了特定的音色。人们区分音色的能力是天生的，音色分为人声音色和器乐音色。人声的音色有高、中、低音，并且有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色也是各不相同的。
二、音的分类
即乐音、噪音之间的区别
根据音振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中使用的主要是乐音，但噪音在是音乐表
现中必不可少。如架子鼓发出的声响就是一种噪音，不过，这种噪音有一定的规律。
湖南卫视举办的《声入人心》节目可谓是获得了非常大的成功，虽然节目已经结束了，但是还是可以在许多晚会上看见《声入人心》成员的精彩表演。作为六位之一的蔡程昱既有着帅气的外貌也拥有别人都没有的金色男高音，还凭借此节目收获了许多自己的歌迷，不少粉丝提出了他今后会不会踏入娱乐圈的疑问。
《声入人心》的期，蔡程昱演唱的《多么美好的一天》就以9个high C征服了三位出品人，获得的建议。之后演唱的《Grande Amore》、《鹿 be free》更是受到许多观众的喜爱，并成为许多观众心目中的歌曲。而湖南卫视的跨年演唱会、华人春晚等晚会上都可以看见蔡程昱的身影，可见他已经都快成为美声界的流量担当了。
在《声入人心》节目中稍稍崭露头角后，蔡程昱微博的粉丝就蹭蹭的往上涨，粉丝们还有了一个统一的名字叫油爆虾。但随着自己越来越受到大家的关注，在录制节目第六期前，网上突然出现蔡程昱“耍”的黑料，因为黑料他一夜没睡但还是选择了沉默，积极面对舞台而不是连夜发微博回怼。虽然油爆虾认为蔡程昱平时看着傻傻的，但面对挫折还是非常沉静理智。
也许是人红是非多，网上除了造谣蔡程昱“耍”，还传言他的微博和粉丝群其实都是由女朋友在打理。同样的《声入人心》的其他成员张超也被曝出在KTV私会女生，张超得知后立即在微博上澄清是《声入人心》的工作人员在团建，其它成员也在，并表示自己非常生气。蔡程昱也在时间安慰他，说出自己也无缘无故多出个女朋友，让张超不用太在意。
原来蔡程昱一直都知道自己在网上被人黑，但是始终保持沉默，许多油爆虾对此也非常心疼。节目结束后，蔡程昱在微博也只是偶尔放些自己的自拍，很少空降粉丝群，不做直播也不像别的成员经常活跃在微博发一些Vlog，已经官方又礼貌的和粉丝拉开了距离，这也侧面说明了他不想进娱乐圈。在之前的访谈中他也表示过自己想走学术派路线，很大程度上会选择出国深造。
而对他来说参加《声入人心》较大的收获就是认识了许多有着共同音乐梦想的朋友，和在音乐方面有着非常高造诣的前辈。积累了宝贵的表演经验和人脉，这对他之后音乐道路上的发展也是十分有利的。粉丝们也对他提出了各种建议，既希望他未来能有更好的资源，也希望他能够戒骄戒躁，好好打磨自己的唱功和对歌曲的处理能力，毕竟专业能力和作品才是长久的安身立命之道。
其实许多关注蔡程昱的人知道蔡程昱学习美声也才四年的时间，在高三之前，蔡程昱根本没有接触过跟美声相关的东西，家里也没有人从事与音乐相关的工作。
蔡程昱自己也表示当时对艺术没有追求，一开始都听不懂也不喜欢美声。可以说是零基础了，但仅仅依靠半年的训练时间，蔡程昱就成为了当年上海音乐学院声乐歌剧系的专业名，除了自身的努力，不得不说蔡程昱有着异于常人的天赋。
2月15日周五晚，蔡程昱将搭档郑云龙、阿云嘎、鞠红川，与钱正昊进行《歌手》第六期踢馆资格争夺赛，而阿龙川蔡组合将会给大家带来《鹿 be free》和《Never Enough》，相信蔡程昱炸碉堡的高音一定会燃爆全场，给观众带去不一样的视听震撼！
纪念华语乐坛音乐巨子黄家驹
今年6月30日，是黄家驹离去21周年纪念日。
从1994年至1999年我是听beyond歌过来的。
那个时候，我有一个同县一起考上同一所大学的校友，他弹得一手好吉它，也唱得一嗓子好歌，当然，我认为他弹吉它要比唱歌好一点。
他经常为我们伴奏，在宿舍里、地草地上、操场边，疯狂地唱Beyond的经典歌曲，《光辉岁月》、《海阔天空》、《不再犹豫》、《AMANI》、《真的爱你》、《再见理想》等等，没有一首不让我们热血沸腾，就像酒精被火点燃。现在回想，正是Beyond的歌曲陪伴，我走过些青葱却又寂寞的日子。
我们这样疯狂地唱，一面是喊出青春的梦想，说实话，Beyond的歌曲很有励志的味道，告诉人们不怕困难，勇敢向前，超越自我，给人完限广阔的想象，某些情愫极像汪峰。大约就是因这个原因吧，这种引发人们梦想的歌曲总是有无数粉丝。无论在任何年龄阶段，都需要梦想牵引，而在青春的时候，尤其渴望。与其说我们在歌唱，不如说在呼唤、在嘶喊梦想。
然而梦想是什么呢？那个时候其实并不清楚，但是，还有什么比渴望梦想更适合于做青春的注脚呢？所以要疯狂歌唱，填充进无限的激情。毫不夸张地说，那些跳跃的音符感染力超强，让我灵魂颤抖。
一面是纪念黄家驹，就在1993年6月30日，刚过完31岁生日的Beyond乐队主唱黄家驹在一次演出意外中逝世。之后，失去了灵魂的Beyond也解散了，这是一件令人心碎的事。假如黄家驹活着，假如Beyond不解散，会是什么样子？然而，人生无法假设，它只有结果。
我们有时候在唱Beyond的歌曲时会泪流满面，不知是为黄家驹流泪，还是为自己流泪。我们拎起啤酒瓶子，边喝边唱，调都走乱了。较后，吉它声音嘎然而止，吉它手也在抹泪。你可以说我们是为心中的偶像离去而伤心，哀叹世间的不公平，为什么天妒英才，在生命在较光辉灿烂时候结束。也可以说我们是在为自己平时遇到的某些痛苦而借机发泄，喊出心中的压抑。就像啤酒和着泪流，分不出来。
Beyond创造了香港乐坛的一个盛况，一个高峰，我认为是华人地区中较有影响力的乐队，没有之一。他们的歌曲涉及很多题材，如《真的爱你》赞扬母爱，《Amani》表达对战争的控诉，《海阔天空》是自白，《光辉岁月》向曼德拉致敬，《情人》和《喜欢你》描写爱情，《岁月无声》的呐喊，《长城》的纪念，等等，如此丰富而宽广。
而黄家驹更显示了一个天才音乐人的禀赋，他能写、能弹、能唱，写可以写得深刻饱满，弹可以行云流水，唱可以声入云宵。后来也有这样的音乐全才，但我的心很大程度上已经被黄家驹已经占领。直到现在，我听那些歌曲，仍然觉得百听不厌，它给人的精神激励难以言喻。在多少个难过的日子，我都会哼起他的歌曲，从中获取新的力量。
怀念黄家驹其实是怀念自己的青春，想再次像大学时代那样肆无忌惮地疯狂唱那首《海阔天空》，只是，同学四星散落，谁能与我共唱？
海阔天空
黄家驹
今天我寒夜里看雪飘过
怀著冷却了的心窝飘远方
风雨里追赶
雾里分不清影踪
天空海阔你与我
可会变（谁没在变）
多少次迎著冷眼与嘲笑
从没有放弃过心中的理想
一刹那恍惚
若有所失的感觉
不知不觉已变淡
心里爱(谁明白我)
原谅我这一生不羁放纵爱自由
也会怕有一天会跌倒
被弃了理想谁人都可以
那会怕有一天只你共我
今天我寒夜里看雪飘过
怀著冷却了的心窝飘远方
风雨里追赶
雾里分不清影踪
天空海阔你与我
可会变（谁没在变）
原谅我这一生不羁放纵爱自由
也会怕有一天会跌倒
被弃了理想谁人都可以
那会怕有一天只你共我
仍然自由自我
永远高唱我歌
原谅我这一生不羁放纵爱自由
也会怕有一天会跌倒
被弃了理想谁人都可以
那会怕有一天只你共我
被弃了理想谁人都可以
那会怕有一天只你共我
原谅我这一生不羁放纵爱自由
也会怕有一天会跌倒
被弃了理想谁人都可以
那会怕有一天只你共我
1. 在音乐艺术中，声乐是人们较喜爱的，因为声音较能直接表达人的思想感情，较具感染力，所以司空见惯地听歌，自娱自乐地唱歌，早已成为多数人生活中一个不可或缺的组成部分。然而，除了部分专业工作者外，很少有人会把这种听和唱上升到一种声乐艺术高度去欣赏、去追求，上升到一种理论高度去学习、去研究。
2. 人的嗓音经科学地训练发展，就会产生美妙动听、丰富多彩的声音，就会激发听众美感，产生内在情感共鸣，但即使是通过训练有了的嗓音，那也只是声乐所需要的基础，距离真正的声乐艺术仍很遥远。
3. 声乐是用歌声塑造艺术形象的，歌者是以自己的歌喉作为发声乐器来抒发感情的。歌者发声、呼吸、共鸣、咬字器官的不同构造将直接影响歌者的音质、音色、音量、音域。歌者发声方法的科学与否，也可在相当难度上重塑或破坏他的发声器官并会极大地帮助或影响他的感情表现及声音美感。
4. 声乐是艺术，但就其机能调节的技术或技巧课题而言，却是一门科学。美国声乐教育家范纳德（W·Vennard 1909—1971）多年研究声带的振动原理，运用生理学和物理学的理论，进而证明了声带振动的轻机能和重机能才是造成歌唱者声区不同的根本原因。这从科学上否定了17世纪以来的传统“声区理论”（声区是声音从一共鸣到另一共鸣的转换所形成），取而代之的是“声带机能理论”。根据这一理论，中声区实际是声带振动的重机能状态，高声区实际是声带振动的轻机能状态。
5. 理论是解释为什么的，方法是告诉你怎么办的。好的理论不一定是抽象的，而好的方法一定是具体的。声乐理论是声乐教学的指南针，不仅要知其然，还要知其所以然。否则，初级学习没有方向，继续提高没有空间。
6. 任何理论都是在实践的基础上，从头脑中想象出来的产物，它是否称其为科学在于其是否能通过进一步观察、实践和验证，给出一个能使人普遍接受的解释并较终用以指导实践。科学的发声方法就是训练2-3个月，每周2次就能使歌者具备歌唱所需要的基本状态。科学的方法是在个人自然条件及原色彩的基础上进行进一步的加强拓展。科学的方法就是使歌者能够永葆青春，在60-70岁时还能对得起听众，不失水准地举行一场独唱音乐会。
7. “唱法”是一种经长久实践、发展、总结所形成的具有理论基础的体系,它是无数矛盾交织的网, 一定要抓住它的纲,才能纲举目张。区别唱法很重要的一点，是区别其歌唱时所用腔体的部位和所用腔体的大小。虽然不论什么唱法、流派，在这充满“交融”的时代，已难有泾渭分明的界线，但若不研究唱法，人类的声乐艺术就会停滞不前。
8. 我们所说的“西洋”唱法，它涵盖了意、德、法、俄等不同西方国家的不同学派唱法，但随着各国歌唱家们的长期不断交流，在20世纪中期，各国的不同唱法就已被意大利美声学派同化，殊途同归了，其发声方法和艺术标准已基本纳入了意大利美声学派的发展轨迹。目前，国际上统用意大利语称bel canto，我国译为“美声唱法”（字面意为“美好的歌唱”）。
9. 唱法和方法是两个概念。唱法是一种模式，也可称为“流派”或“学派”；方法是为实现这种模式所使用的手段。真正高水准的演唱，无论什么唱法，其发声方法都应该是科学的，声音都应该是美的，艺术表现都应该是感人的。
10. 学唱的人一开始就要明确你喜欢和要学的是什么唱法,并有针对性地去找寻老师，学习方法。好的歌唱家即使感冒，身体不适，声带红肿，也可不误登台，这就是因为有好的方法。在选择唱法学习时，应首先考虑个人爱好及嗓音条件；而在选择唱法演唱时，首先要考虑作品的艺术风格。
11. 声乐艺术是歌者的嗓音条件、发声方法、个人修养和歌唱风格的综合表现。风格是艺术美的重要特征和灵魂，是思想的独特表达，是内在精神的外在展示。对歌唱家来说，风格是舞台形象、气质修养和语言变化的独特表现。
12. 人声调节的原理有“弦乐”和“管乐”之分，前者是气息之“弓”和声带之“弦”的作用，后者是声道之“管”和声带之“簧片”的作用，由此产生美声唱法两大流派或学派，即“前面安放”和“后面安放”（或称“往前唱”和“往后唱”）。前安放，声音放置面罩，容易集中并获得头声；后安放，着重咽腔打造，易于掩盖，音质浓度大。前与后各有优劣，可以互补。
13. 卡鲁索和帕瓦罗蒂分别是20世纪初和20世纪末意大利美声唱法两大学派的代表人物，也可分别视为传统美声和现代美声的代表人物，他们之间唱法的不同主要是靠后和靠前的不同。
14. 美声唱法较早的实践者是阉人歌手。从16世纪末到18世纪末，阉人歌手的盛行把美声唱法推向了顶峰，这一时期曾被称为声乐史上的黄金时代。这是因为那些阉人歌手在7-12岁之间被阉割，而他们身体的其他器官仍会健康发育，唯独声带和喉头的发育停滞在阉割前的状态。这样他们的声带比女子的声带更短、更薄，而又不失男子的体魄与肺活量。所以，经过训练后，阉人歌手的声音高亢华丽，明快轻巧，且音域宽广，极具技巧性，深为达官显贵们所喜爱。直到19世纪初“关闭”唱法出现，正常男歌手的发声方法才产生了飞跃，音域音量倍增，声音雄壮、丰满、高亢，令阉人歌手所不能匹敌。同时，妇女们也打破了“在教堂保持缄默”的指令，加入了歌唱的行列，进而走上了歌剧舞台并以高超的演唱技艺改变了阉人歌手长期男扮女装的舞台局面。至此，阉人歌手作为一种历史现象退出了称霸两个世纪的歌剧美声舞台。
15. 20世纪初，卡鲁索把美声唱法推向鼎盛时期，美声唱法逐渐取代其他唱法占据了整个欧美歌剧舞台。如果说每个时代都有自己的代表人物，那么卡鲁索毫无疑问已超越了美声唱法的各个时代，直到21世纪的今天，尚无人可以匹敌。只憾多数美声学唱者还未曾听到过他那举世无双的声音。
16. 由于卡鲁索是有史记载的个有录音资料可研究的歌唱家，所以对一般声乐研究者来说，意大利美声从卡鲁索时代开始探讨才是较实际的，并且足够了。争论传统美声和现代美声的时间划分，争论究竟是“靠前”唱，还是“靠后”唱才能代表美声的黄金时代，这既可笑也无现实意义。
17. 传统美声唱法的歌剧模式是通过小舌后面这条通道把喉咽上下的腔体用声音和气息灌满，字声共鸣坐靠咽腔，进而把声音反射到头腔，头腔里的一部分声音又会自然波及到面罩；现代美声直接往面罩处唱，即把字和声同时送到面罩，通过鼻腔共鸣带动头腔共鸣。这种方法比传统美声往后唱省力且致远力也会比传统美声好，但如果没有后面腔体的充分打造和下面腔体及横膈膜的有力支持，声音就会缺少威力，会小一大块。
18. 学唱者应明辨声音前后安放的不同特点，并根据自己的先天条件和审美取向去选择或将二者折中混合，加点靠前或靠后的方法和感觉去训练。那些在不断争论应该往前唱，还是应该往后唱的人，那些学了往前唱就否认往后唱，学了往后唱就否认往前唱的人，不论是学生还是老师，他们都没有搞明白，声乐是全身的、全腔体的运动，前后绝不是孤立的，而是互为作用的，但在训练方法上要因人而异。能否阶段性地，甚至在一节课中能否轮回地着重往前或往后的分别训练与调控掌握，是判断老师优劣的标准之一。
19. 2005年出了一盘美声CD，收录了包括沈湘、斯义桂、林俊卿、李晋伟等在内的我国代美声歌唱家的代表性曲目。若按年代与资历论，王信纳先生原本应属第二代，但也被收录其中。从王信纳先生明亮、管状并极富穿透力的高音，既可看出中国美声的发展，也可以听出王先生究竟是开得大还是小，究竟是往前还是往后唱。从本书所附带的王信纳先生演唱CD中，您可听出王先生声音前与后的分别驾驭能力。
20. 不同唱法字声结合“力点”的安放位置不同，传统美声打开喉咙向后向下吸着唱，结合点在咽腔；现代美声打开喉咙向里向上吸着唱，结合点在眉心。在横膈膜支撑力的作用下，传统美声其力点产生的声音会贴着后咽壁被气息送向头腔或反射到头腔，现代美声其力点产生的声音会通过面罩共鸣，带动头腔共鸣或直接从面罩向前推送出去。
21. 1854年西班牙人加尔西亚（儿子）发明了喉镜，这是声乐和医学史上一件划时代的大事。喉镜使人们看到了自己的发声器官，从此开始了人们对人体发声机理的科学研究。他创立了“声门冲击”学说并认为在歌唱发声中呼吸是基础，声门是关键，声带闭合不良是声音不明亮、不干净、漏气的主要原因。加尔西亚父子也是19世纪较的声乐教育家，其蜚声乐坛的名言是：“歌唱家真正的嘴应在口咽。”这使主张声音应明亮“靠前”打在硬口盖上的人迷惑不解，而加尔西亚父子及其教学却又是明亮“靠前”的，这是20世纪声乐理论研究和争论中的较主要问题。遗憾的是，21世纪的今天还在争论。
22. 近年来，国内外声乐界“往前唱”（面罩共鸣）的方法似乎比较流行，因为这迎合了学唱者急于求成的心理。再者，当今的听众已很少苛求音色的，他们多重视带有漂亮高音的整体，美声的法则随着时代的变化已没有那么严格了。但从2008年在宁波举行的“第四届世界美声大奖赛”的决赛情况看，“往后唱”的选手明显多于“往前唱”的选手，尽管他们向后打开的程度尚不够。而从目前整个世界歌剧美声的发展情况来看，“前面安放”的歌者占大多数，这是因为一场歌剧非同一次比赛，用“后面安放”的方法唱一场完整的歌剧，对多数歌者来说会感到力不从心，但他们无疑都已具备了后面打开及安放的坚实功底。
23. 只要全部腔体都能灌满，整个共鸣都能得到运用，在任何一个部位唱都会得到前后呼应的音响。因人而异，在哪个部位感到省力就在哪个部位唱，哪个部位还感到薄弱就着重哪个部位的训练。面罩、咽腔、胸腔甚至腹腔都可以唱，也都可以练。较后的境界是：一张嘴全身都在响，哪里都有，而且“点”又很清晰。
24. 一般认为声音往前容易亮，这是因为腔体没灌满，没后坐力；一般认为声音往后容易暗，那是因为咽壁松软无力，声音不实，没有力点，难以得到有效共鸣。美声强调的是自下而上的通畅，所以首先要求建立尽可能长的声音通道。
25. 只有在腔体前后上下都灌满的基础上，才能谈“往前”或“往后”的问题。卡鲁索往后唱感到“母音在咽部后面”。帕瓦罗蒂往前唱感到“在面罩有个共鸣盒子”，同样都得到了的音响。这个“灌满”也就是沈湘所说的“整体歌唱”。
26. 不要简单地说“往前”或“往后”。“往前”也有两种完全不同的层次概念。是否能在后面和下面腔体完全打开灌满的基础上往前，是决定声音优劣的关键。而大多数的学唱者，不论是业余还是专业，一般都缺少后面和下面的充分打造和灌满。而这恰恰是美声歌唱的基本功。没有后面腔体的支持去往前唱，声音必然会单薄无力，或直接就是鼻音。
27. 往前唱更多要求的是气息和位置，往后唱更多要求的是能力和技术。能往前唱者却难以往后唱，但能往后唱者，再往前唱却不难，而且一旦有了后面基础，往前唱出的声音与没有后面基础往前唱出的声音，是有明显区别的。好的传统美声在喉咙里发声，好的现代美声在面罩里发声，都有明确的字声结合点，而不好的美声总是在口腔里，声音混浊，听不出明确的字声结合点和明亮圆润的音色。
28. 所谓“后面”，是指咽腔充分坚实的打造；所谓“下面”，是指有力饱满的横膈膜和腹腔支持以及松弛明亮的胸声依托；所谓“前面”，是指大面积的鼻咽腔连带头腔的共鸣。在上下前后都打造好的基础上，再能够用气息、用横膈膜的力量使声音在高位置上放出去，放送到面罩之外，这才是美声唱法对高音要求的。多数学唱者的问题在于缺少后面腔体的坚实打造，声音推送无力，靠不下去，顶不上去，更送不出去。
29. 由于意大利语是元音的语言，所以的大歌唱家们大多往后唱，如：卡鲁索、吉利、莫纳考、毕约林和科莱里等。中国现活跃在舞台上的歌唱家如：魏松、戴玉强、莫华伦、丁毅、范竞马、王霞、马梅、迪里拜尔等也大多采用往后唱的方法，特别是当他（她）们唱外国歌剧时。
30. 现代美声往前唱，字声结合点也有不同的位置。若安放在上齿龈或硬腭，则咬字和声音集中会更容易，但如果腔体扩展不好，会造成半民半美的感觉。若字声安放在鼻后、鼻根或鼻咽腔或面罩，声音位置会高，易有金属光泽，穿透力强，头声来得容易，并有助于使集中的高音再抛扬出去，但在咬字的清晰度上较之前者会略为逊色。
31. 面罩唱法本身也有前后不同位置和不同开合大小的感觉调整，也有往前一点就亮，往后一点就暗的不同音色区别。一种感觉声音在鼻咽腔里行走，一种感觉声音从两个颧骨上方释放。前者集中的感觉更好，后者打开的状态更到位，音场更辽阔。
32. 现代美声的字声结合点在面罩，气带着声，声混着气，辅音把元音推送或弹送到面罩，共鸣在面罩形成。这时一定要用气息把元音紧紧顶靠住面罩，而辅音只是用舌尖和唇齿一带而过，元音要发得干净饱满，辅音要发得清晰短暂。
33. 为什么说往前唱易集中，往后唱为掩盖。这是因为集中的工作多在鼻咽腔和上齿龈，而掩盖的工作多在喉咙或声道。
34. 靠后学派强调，在意念上声音一定要放在后面，咽后或颈后，但唱出来的声音在“外感觉”上却是靠前的，这是从后向前反射的声音。没有充分的咽腔打开就没有反射向前的通道空间，若在“外感觉”上，声音是靠后的，那就错了。由于东西方人种不同，身高、体重、骨架、腔管都不同，所以在歌唱时，肺活量大小，音量强弱，呼吸能力等都有普遍的差别。
35. 传统美声唱法强调“往后唱”或用“内口唱”。贝吉说：“唱歌的人嘴是长在里面的。”对此可进一步解释为：“传统美声的元音要在后牙、软腭、舌根和后咽壁之间形成。”当然，这时的辅音还必须用唇齿和舌尖来帮忙，一带而过。
36. 传统美声是用外口对着内口唱，内口对着喉下唱，字声结合点也在口内。 “在内口对锁中，胸声通头声，上下全打开，声在管中行”，这体现了保持吸气状态发声和“吸着唱”的美声歌唱原则。
37. “真正的嘴在咽部”，这是传统美声唱法的真谛。感觉在咽喉里的声音，并不一定是喉音。只有当舌根发硬、软腭抬不起来、喉咙没有打开时，才会成为喉音。从下丹田到头顶要形成一条管道，在内口，在咽部形成的字声要始终保持在或吸在这管道里，不可推向外口。
38. “内外有两个口，前面口吃饭，后面口唱歌”。这说法沈湘很欣赏。外口即上下牙齿的开合口，内口即小舌与大舌后端喉咙的开合口。传统美声唱法对内口的要求非常明确。内外两个口的开合大小不是互为作用的，两者没有必然的逻辑关系，反而常感到的是外口越大则内口越小。
39. 传统美声唱法在歌唱时能否正确运用喉口的大小伸缩，将直接影响音量、音高与音色的调节。在自然生理现象中，喉口收缩表现在咳嗽时，在喉部括约肌控制下可以关闭呼吸道。喉口收缩是指喉咽口部位肌肉的收缩，特别是在唱高音和加大音量时。
40. 用中文唱美声在确定一首曲目要往前唱或往后唱之后，口型基本应是稳定的，但嘴唇却不能不动，往前唱字声结合点在面罩，所以上唇要相对更积极地活动进行咬字，以带动下嘴唇。往后唱字声结合点是在咽腔，所以下唇要相对更积极地活动参与咬字，以带动上嘴唇。
41. 美声唱法就口型而言有两种不同的声音发送状态：一种是竖式或垂直状态，暗色彩多，强调会厌充分竖起，是一种强调发声器官上下对抗的状态；一种是横式状态或称水平状态，以微笑用力将颧骨提上去，注重声带张力，这样亮色彩多，是一种强调发声器官前后对抗的状态。
42. 美声唱法用横式和竖式口型都可以，用横式口型多往后唱，用竖式口型多往前唱。但民族唱法多采用横口型，多用笑肌，字声结合在硬腭，所以亮和白的特点较突出，高声区一般只需要声带的轻机能调节，声道无需太大变化，而美声却要着重加强这种调节和变化。
43. 口型是声道的末端出口，开得不好会影响声道的管形，甚至失掉本应有的声音。一般低声部用竖状态多，高声部用横状态多，合唱用竖状态多，独唱用横状态多，而卡鲁索可两者交替使用。但不论横或竖，口型都应是因人而异的、自然的，而不是僵的和刻意制造的。
44. 东西方美声歌手在声音质感和力度上普遍存有明显的差距。原因在于，后者多用声带、用喉咙作为发音的核心源头，而多数中国歌手在所谓“科学唱法”的追求中，前面的腔体和器官运用得太多，声带的轻机能状态运用得太多，虽然腹腔与头腔上下也通了，但中间的咽腔运用得太少，不敢碰嗓，这必然缺乏应有的嗓音之美。
45. 传统意大利歌剧的发展使演员们必须为扩大音量而努力提高发声技巧，这大大推动了声乐技术的发展。而现代商业气息极浓的音乐会，特别是露天音乐会，电声得以充分利用，这使更多的歌唱家把声音送上了面罩，虽然这会使音量变小、变薄，影响后面腔体的扩张，但通过麦克，声音却更具有了飞扬性，而靠后的声音对麦克的作用却相对较小。音质好坏和音量大小在相当程度上靠音响质量和调试。
46. 用电声麦克的美声歌唱更多的是商业价值，缺少传统美声在歌剧院所应感受到的艺术价值。但艺术应该为更多的人所享受，应该具有不同的时代色彩，学习的人多了，高手自然会脱颖而出。
47. 其实真正的传统美声就是意大利歌剧唱法。这种唱法在威尔第时代得到了规范，普契尼时代得到了发展。所以对职业歌手来说，不唱威尔第作品就不能称其为真正的美声歌者，是因为威尔第剧本的需要，才诞生了华丽激昂英雄般辉煌的美声唱法。
48. 歌剧是人类艺术发展到相当高度的产物，是迄今为止世界上较成熟的综合艺术，其永无止境的魅力主要来自于她那迷人的咏叹调。歌剧美声追求的是美妙之声、华彩之声，观众直接从歌者的歌声和旋律中获得感动，观众的感情与歌者的声音之间几乎不存在字与内容的中间环节。
49. 美国大都会歌剧院坐席4000个，21世纪以来每年演出200多场，票房几近，但在世界大多数的国家，意大利歌剧正遭遇着如中国京剧一样的困境。而值得欣慰的是，在世界范围内美声唱法的学习和发展趋势却经久不衰，就连欧派的流行唱法以及我国的民族唱法也早已借鉴了她的许多方法和技巧。更可喜的是歌剧的咏叹调在世界范围内正流行一种现代表现手法，训练有素的歌者们无需造型服装，也不用舞台实景，只需在声光电背景里与乐团，甚至简单地与钢琴合作就会得到的演出，这使历经400年发展的意大利美声有了更加广阔的前景，而才历经200年发展的中国京剧却正在等待着中央政府的拯救，更没有在世界范围内被学习和传承性的可能性。
50. 不论什么唱法，科学的方法都可以有很多种，都应该是很具体的，基本的东西都应该是相通的，有共性的。科学的方法不应有定式，更不应该只有一种。特别是对声乐训练来说，不同方法的美学概念和声音是不尽相同的。
提升音乐修养：零基础听古典音乐小攻略
首先：听自己觉得美的音乐。音乐是可以重复欣赏的，只有听完一遍意犹未尽还想再听的音乐才是自己觉得好的音乐，别为了某些目的强迫自己听并不爱听的东西。
古典音乐历时数百年发展，形成了不同阶段和风格的乐曲，推荐几种不同路数的音乐，每个人可能有不同的喜好，建议都听听再做取舍：
1. 巴洛克时期的音乐，比较容易入门且旋律性较好的比如亨德尔的《水上音乐》，维瓦尔第的《春》（其实《冬》也不错啦），巴赫就像个灌水型作曲家，作品多如牛毛，随便可以找来听。巴洛克时期的音乐特点是以弦乐、古钢琴和少量管乐为主要音色，旋律规整，编制不大，大多数作品比较轻柔而优美（管风琴作品暂不讨论，想感受一下可以听巴赫的《D小调托卡塔与赋格》……），我接触的大多数风象星座（如天平）比较喜欢巴洛克的音乐。
2. 古典时期的音乐：代表人物第二个灌水型作曲家莫扎特，性格型作曲家贝多芬。莫扎特比老贝大几十岁，所以音乐更偏向巴洛克风格一些，莫扎特几乎所有的作品都非常和谐而优美，适合做背景音乐反复听，并且很适合孕妇胎教……代表作《第40交响曲》，各种奏鸣曲（耳熟能详的《土耳其进行曲》就是某奏鸣曲的某一章），基本上他的每个作品都可以拿来直接听。老贝的作品都很有性格，因为比莫扎特晚一些，作品有一些浪漫时期的风格（老贝是我个人较喜欢的音乐家之一），代表作是交响曲三、五、六、九——即《英雄》、《命运》、《田园》、《合唱》，他的钢琴奏鸣曲无比精彩，推荐先听《悲怆》，然后是《月光》，然后是《热情》，如果这三首奏鸣曲和《命运交响曲》听完了完全无感，你可以再听听的钢琴曲《致爱丽丝》，如果再不喜欢，放弃老贝吧……
3. 浪漫派的作曲家和作品如浩瀚烟海，列举几个比较经典的人和作品。肖邦——只会玩钢琴的作曲家，听听他的《降E大调辉煌的圆舞曲》、《降E大调夜曲》、《一分钟圆舞曲》、《升c小调幻想即兴曲》、《谐谑曲》，如果不喜欢就跳过吧。柴可夫斯基（以下简称老柴，是我较喜欢的作曲家之二）——浪漫主义音乐的巅峰之一，有很多旋律非常优美的作品，建议先听听《花之圆舞曲》，如果你觉得爱上他了，再听一听《胡桃夹子序曲》、《天鹅湖序曲》和《1812序曲》，如果还喜欢，咱们私聊……约翰施特劳斯（包括老的和小的）——那个年代的通俗音乐作曲家，他的主要作品你可能都听过，但不知道叫什么，好吧从《蓝色多瑙河》听起，然后是《春之声》、《皇帝圆舞曲》、《南方玫瑰》、《维也纳森林的故事》、《拉德茨基进行曲》，听完以后你应该会爱上古典音乐的，后遗症是这几个曲子之间经常会串调……再推荐几个其他作曲家的作品斯美塔那的《沃尔塔瓦河》、圣桑的《天鹅》、里姆斯基-科萨科夫的《野蜂飞舞》和《王子与公主》、李斯特的《爱之梦》。
4. 印象派的作品——到了这个阶段，有些作品欣赏起来可能就有点困难，不过还是可以推荐一下早期印象派（还有浪漫派的痕迹）德彪西的《月光》。
5. 印象派之后的直到近现代的作品就不推荐了……
还有个小捷径，如果觉得古典音乐离自己太远，有一定距离感的话，建议可以听一听现在改编的古典音乐，比如劲乐团曲目V3，改编自贝多芬悲怆奏鸣曲第三乐章，相当精彩华丽，不失为入门的好曲目。还有就是《猫和老鼠》，里面有我上面提到的肖邦的《辉煌的圆舞曲》，李斯特的《第二号匈牙利狂想曲》以及施特劳斯的《蝙蝠序曲》，有情节的哦~
总之，一个原则，别勉强自己，听自己喜欢的，可以重复听的曲子。
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