声乐入门：很多初学者在学习声乐中，容易有一种错误认识，觉得声乐是一门极其深奥的学问，肯定有一大堆理论。
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声乐入门:很多初学者在学习声乐中，容易有一种错误认识，觉得声乐是一门极其深奥的学问，肯定有一大堆理论。
声乐入门
很多初学者在学习声乐中，容易有一种错误认识，觉得声乐是一门极其深奥的学问，肯定有一大堆理论。
其实不然，声乐是一门大于理论的学科。
学过声乐的都知道，声乐上的理论并不多，较主要莫过于三个方面：
1.气息
2.发声
3.共鸣
这三个方面，是声乐的三大根基，只有做好了这三点，才能为声乐打下坚实的基础。
既然只有三个方面的知识，那为什么很多人还是唱不好歌呢？
要解决这个问题，必须要先说说这三个模块中，大家容易出现的问题：
一、气息方面
1.气息不够长，唱到一半没气了
2.感受不到如何控制气息，唱歌时漏气严重，声音虚
3.声音发抖，起伏不定，唱出的歌曲不稳定
4.无法控制好气息，导致无法唱出颤音
二、发声方面
1.嗓子紧，无法放松，稍微多唱歌两首就会嗓子疼
2.一到高音就止不住往上提嗓子，导致高音上不去
3.声音不稳定，音色不统一
4.声音发虚，音色不洪亮，不结实
三、共鸣方面
1.不了解人体结构，找不到共鸣位置
2.找不到胸腔共鸣，低音唱下不去
3.找不到头腔共鸣，高音挂不起来
4.其他腔体的共鸣更是搞不懂，也不会用
声乐虽然只有三个大的方面，但细化下来的小问题却特别多。
如果您能回答以上的问题，那代表着在理论上，您已经入门。
但理论并不够，知道了理论后还需要正确的，科学的练习。
这才是学习声乐的不二法门。
而如何才能科学、正确的练习，是攻克音乐问题的第二大难关。
至于这些问题答案是怎样的，又该如何练习声乐，在这里不做详细的解释。
因为要讲清楚这些问题，至少要写出上万字的文章。
而且声乐和其他学科不一样，光看文字，必定会一头雾水，不如视频讲解来得清晰明白。
为了回答这些问题，
就可以学习声乐方法普及教育。
天教会大家学习声乐的方法，以及如何运用气息。
设计堂课的目的，是为了让喜欢唱歌，但又不知道怎么学声乐的同学，对声乐有一个初步认识，知道怎么去学习声乐。
不至于自己瞎琢磨时走得太偏。
掌握学习方法比掌握知识点更重要。
这一堂课可谓是一本万利，听完这节课，往后几十年学声乐都能用得到。
第二天教大家如何打好根基，练好中低音，做到正确发声。
发声是声乐的第二大模块。
想要唱好歌，首先是要练好中低声区和换声区，而不是一来就学高音，那样只会更错误。
所以我们开设了第二节课，如何练好中低声区。
练好中低声区，养成良好发声习惯，才能保护好嗓子，唱出优美歌声。
第三天教大家如何理解共鸣，如何唱好高音。
高音是大家关心的问题，但唱高音一定是有方法的，而不是扯着嗓子乱来。
不了解方法只会越长越错。导致较终纠正错误时，因为根深蒂固的错误方法养成了肌肉习惯，很难纠正。
所以学习声乐是越早学，越受益。
喜欢唱歌的朋友可以点击文章下面的“了解更多”进行系统的学习或使用手机百度一下“说话式唱法app”进行系统的学习
如何评价李宗盛演唱水平
对音乐没有真正审美的人，听人唱歌个判断就是歌手唱歌嗓子好不好，如果唱的声音跟叫驴一样就是唱功好，一好就百好。嗓子好的人多了去了，但唱歌不光是比谁嗓门大，还有别的。
这就是我问大家“什么叫唱功”这个问题的原因。我来解释一下，唱功较基本的包括你唱歌得在调上，这是较基本的要求。除此之外，就是你对一首歌的理解，里面表达的情感你如何演绎出来，由于每个人的阅历理解能力的不同，对一首歌的表现上也是千差万别。嗓子好仅仅是唱功的一个方面，如果你缺乏表现力和在创作能力，依旧是平庸之辈。或者是极尽夸张之势，用声音压盖其他方面的不足，都算不上真正的唱功。嗓子好只能说可以为演绎一首作品锦上添花。
李宗盛，罗大佑，黄舒骏，甚至崔健都属于众人心目中唱功比较差的人，因为他们唱的不那么干净标准，缺少标准的美感。但有一点，歌是他们自己写的，他们比任何人在演绎自己作品时都有一个先天的优势，诠释一首作品自然会很到位。
有人曾经说旭日阳刚演唱《春天里》比汪峰唱得好。我觉得这是扯淡，是因为你先入为主同情了这两个民工，联想到汪峰养尊处优的生活，会觉得汪峰写得比较矫情，这种心理暗示会让你觉得旭日阳刚唱的就比汪峰好。如果汪峰自己没有这样的生活体验，会有《春天里》吗？我恰恰觉得旭日阳刚还没有汪峰那种反差较大的生活经历，有些东西是唱不出来的。
李宗盛的歌，他自己唱有种别人无法代替的味道，那种看透一切举重若轻的感觉——别人是学不来的。
现在有些人被选秀的音乐美学给带沟里了。我觉得那些电视上唱别人歌曲的选手，除了在形式上能做出一点区分，都没啥灵魂在里面，哪怕他唱的是一首恶俗的烂大街的歌曲。
国际十大音乐学府
国际十大音乐学府 [/b:ffad4b6826]
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克利夫兰音乐学院
Cleveland Institute ofvMusic The 1920年在美国俄亥俄州成立，该院有37个系(组)，90余名教授。
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巴黎国立高等音乐学院
Conservatoire National Superieur de Musique de Paris前身为1784年创建的”皇家歌唱学校”。1795年正式成立.设:作曲、 音乐学、 音乐分析 、演奏(唱)与舞蹈等专业。 140余名教授来自世界各地学生约千名。
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费城科蒂斯音乐学院
Curtis Inseitute Philadelphia 1924年建立，拥有1250万美圆基金,为世界各地音乐天才儿童提供免费入学的。
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维也纳国立音乐演艺大学
Hochschule Fur Nusik und Darstellende Kunst in Wien
1817年成立 1909年政府接管 1970年改现名 设器乐,声学,指挥,舞蹈,戏剧,电影等专业
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朱利亚音乐学院
Juliard Sohool 1923年朱利亚基金会捐出2000万美圆创立朱利亚研究院. 1926年与音乐艺术学院合并后改为现名. 教师大都有纽约爱乐乐团及大都会歌剧院音乐家兼任
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莫斯科音乐学院
Moscow State Conservatory The 1886年创建 设:音乐学 、作曲、指挥、歌剧、器乐等。 是世界上少数能颁发博士学位的音乐学府之一。
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皮博第音乐学院
Peabody Conservatory of Music 1857年成立 美国马里兰州 巴尔的摩。
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皇家音乐学院
Royal collrge of Nusic RCM 1876年为国家音乐培训学校 1883年正式成立 该院藏书较多 专业学科较全
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丹麦皇家音乐学院
Royal Danlsh Music Conservatoire 1867年成立，学制因专业不同而定。
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西贝柳斯音乐学院
芬兰; 设作曲、音乐理论、指挥、声乐、音乐教育、教堂音乐、民间音乐、爵士音乐等系。学生近千名，毕业可获副博士学位。
在中国，谁教你写歌？
我在中国较好的音乐学院的电子音乐中心呆了整整四年，只有大一的作曲小课中涉及到了声乐曲写作。老师让我选一首现代诗自行谱曲，除了花了点功夫讨论旋律以外，剩下七八成的课时都用在了指导我如何写钢琴伴奏上。尔后作曲课的教学内容就迅速进入了更专业的领域，MIDI 制作、音频拼贴、软件合成，不管写出来是严肃电子音乐，还是影视视频配乐，抑或是音视频互动装置，总归都和歌曲无关了。而隔壁的作曲系离「写歌」就更远了，各种奏鸣曲室内乐交响乐（配置不断升级的器乐曲），偶尔沾点人声的顶多算是「声乐作品」，因为大多是无调性音乐，演唱者（大多是声歌系学生）唱得呲牙咧嘴，普通人听得一头雾水的那种。
其他音乐学院的情况也类似。公立学校基本都不会在官方层面上认可流行音乐，更遑论学术研究与人才培养了。而更接地气的民办音乐学院，比如北京现代音乐学院和北京迷迪音乐学校，倒是设有「音乐制作」和「MIDI 电脑作曲」专业，但主要的教学方向也放在音乐制作（围绕着编曲的MIDI及音频制作技术）上，没有针对歌曲创作的教学目标和评价标准。你看这两个专业所属的系别分别叫「音乐技术系」和「音乐工程系」呢。
总结起来就是，全中国不太能找到一个能够系统地教你怎样写出老百姓们喜闻乐见歌手们欣然接受唱片公司们痛快给钱的歌曲的地方。你只有追着老师不停地问，然后再揣摩他只言片语后的真正含义，还要提防他说法中的前后矛盾，或者干脆就像没上过音乐学院那样，自学。
哦，我还完全没提词的事儿呢。
造成这个现象的深层原因是：我们国家没有把「歌」和「曲」区分开，那么写歌的 Songwriter，和作曲的 Composer，在汉语里就都归为了「作曲家」，Songwriter 这个在音乐产业中的重要岗位，甚至没有一个对应的中文专有名词，我们姑且意译成「歌曲作者」吧。
写歌和作曲完全是两码事。写歌需要为某段歌词谱写旋律（或反过来），并且为之配上（钢琴或吉他）伴奏。而作曲面对的音乐体量则非常庞大，不论是声部数量、作品长度和复杂程度，都远远高于歌曲。简而言之，不能创作大型管弦乐作品的，不能称为「作曲家」。
所以很多我们印象中的作曲家，其实都只是歌曲作者。比如美国的斯蒂芬·福斯特（创作了《哦苏珊娜》、《老黑奴》）、比如民国时期的音乐家黎锦晖（创作了《毛毛雨》、《麻雀与小孩》）、比如国歌的作者聂耳。他们的精力都集中于歌曲创作，而没有涉及更为复杂而深刻的交响乐。
古今中外很多的作曲家，在创作大型作品之余，同样也会对歌曲有所涉猎，而且作品写得脍炙人口广为流传，比如舒伯特的《鳟鱼》、比如黄自的《西风的话》，比如陈其刚的《我和你》。但这并不能表明「歌曲写作」是从属于「作曲」的一个分支领域。所有的作曲家都能写歌，但他们不一定能把歌都写得和管弦乐一个水准，更别提和那些专业的歌曲作者比写歌了。就好比，职业球员都要练短跑，他们的能力也都很强，但我们不能解散短跑队然后从中超球员里选人参加 4X100 接力。
那么问题来了，假如一个年轻人立志要成为像罗大佑、李宗盛那样用一首首歌曲为人带来感动的 Songwriter，他该怎么办？当欧美音乐学院的 Songwirting 专业批量生产着 Songwriter，优胜劣汰留下的 Songwriter 们在批量创作着各种大热歌曲，我们有志于歌曲创作的年轻人，还需要像三四十年前的那些前辈那样，靠自己摸索着，一点点自学写歌吗？我们的通俗音乐，这么多年就没有一点进步吗？
还是有的。其实业界中越来越多的有识之士也意识到了这个问题，纷纷以各种方式来寻求改变。比如付林老师（他本身就是中国泰斗级的 Songwriter，作品包括《妈妈的吻》、《小螺号》等）以近 70 高龄创办了中国网络流行音乐学院「网音网」，除了邀请到多名歌手、乐手担任讲师外，还亲自讲授《流行歌曲写作》 课程。再比如我的一位朋友（其实饭都没吃过怎么能算朋友啊，神交吧）邀请我参加他创办的「上弦乐」系列公开课，前两期请到了侯德健（《龙的传人》、《酒干倘卖无》作者）、潘协庆（《半途而废》、《解脱》作者），携乐手举办课，结合作品谈创作思考和感想。
这些前辈谈及歌曲创作的共同点在于：「平衡」，是创作技法与人文思考的平衡，是形式美感与情感表达的平衡，是主体姿态和客体接受的平衡。他们要对作品的词曲形态进行悉心打磨、精益求精，但他们更关注时代脉搏、世道人心，或随历史洪流快意挥毫，或选平凡瞬间以小见大。这是深刻与通俗间的平衡。这些宝贵的经历和思考，真的该多多与人分享啊。
相比作曲家们对艺术高度的不断突破与构建，歌曲作者们更擅长引发社会广泛而持久的共鸣。他们都为这个社会构建了精彩的精神世界。只不过作曲这棵技能树长期在艺术教育序列的施肥浇水下长得枝繁叶茂，而 Songwriting 尽管在华语文娱大发展的的前提下也不紧不慢地生长着，但偶尔顽强生长出的奇花异果，掩盖不了大农庄内的刀耕火种。它们本可以更茁壮。
Southern All Stars（南天群星）：日本流行乐坛的王道！
由桑田佳佑、原由子、大森隆志、关口和之、松田弘及野泽秀行所组成的Southern All Stars，在1978年出道，於1980年推出的「心爱的Elly」，录得10周在单曲榜Top 3的记录，之后遂平步青云，成为了日本经典乐团之一。他们曾经在80年代中期休业，复出后90年代初的「真夏之果真」「泪之KISS」「Erotica Seven」皆大HIT、90年代中后期的「只有你～Summer Heartbreak～」「爱之言灵～Spiritual Message」获得了优秀的成绩、以及二十一世纪的Monster曲「TSUNAMI」的出现，充份表现了他们对日本人民的影响力，究竟Southern All Stars何以以他们平均四十多岁的年纪，仍能立足流行乐团的位置、他们在90年代如何保持自己在80年代的气势、他们的「王道主义」又如何表露，将在以下分析。
桑田佳佑是乐团的灵魂，没有了他，SAS根本不能到达这个位置，从而发现SAS是一人乐团。我们不仅可以知道桑田的创作才华、他的声线的那种张力以及感染力，和他那种语不惊人誓不休的说话态度，都是使SAS成功的主要原因。而桑田那种紧贴潮流的触角，和他「不认老」的思想，才是他们在成员平均年龄40多岁时人气还能保持的因素。
桑田佳佑虽然时常说话夸张、行为猥琐，但是他同时是一个日本人的典范。桑田对国家的贡献可谓不小，90年代初日本和中国开始发展她们的正面的外交关系，桑田佳佑就毅然率领SAS访问中国。他们於92年在北京紫禁城前的演唱，是继前美国总统尼克逊以及前苏联总统戈巴卓夫之后，第三个在紫禁城前公开谈话的人，桑田更是在该地演唱的人呢。SAS在北京演唱成为了中日友好的桥梁，而在国内则大力推动一些关心国民的课题。在93年12月1日，桑田在世界对抗爱滋病日主办了对抗爱滋病的筹款演唱活动，结果集合了差不多100位歌手的支持（计有奥田民生、小室哲哉、小田和正、YOSHIKI、福山雅治等等），於全日本6个不同的场所举行演唱会，这可看出一众歌手的心目中，桑田佳佑的影响力。
而桑田佳佑怎样对家人、对自己的伙伴亦促成了SAS成为「国民的BAND」的主要因素。原由子常被乐迷称为「SAS之母」，除了是因为她是乐团的女成员，更是由於她是桑田佳佑的妻子。自从他们俩结婚后，桑田尽责成为一位好丈夫，至少在这二十年间，桑田甚少传出过绯闻，这是对日本艺能界中人，十分罕见的一件事。这不但可巩固SAS成员间的情谊，使乐团成立二十多年而不解散；更能使桑田佳佑成为日本妇女心目中的典型男人。而他亦十分珍惜团员间的情谊，亦曾3次出席过青山学院大学的学园祭。对於一间寂寂无名的大学，却出现了一个全日本较出名的音乐部，那倒真的多得Southern All Stars的一众成员在二十多年前在音乐部内相遇。现在每年进入青山学院大学的新生，个希望都是能够进入音乐部，实在可见出SAS在学弟学妹们心目中的魅力吧。
SAS的成员都是神奈川县人，於是他们在每年的年末时节於横滨Arena的演唱就变成他们与歌迷们的定期约会，这个约会在近十年倒真可谓风雨不改。近几年红白都有邀请过他们出席，但他们也都因为不想放弃这个约会而宁愿舍弃红百。而在去年（2000年），SAS在桑田的故乡茅茅崎举行了大型的演唱会，对於这一个沿海的小城市来说，实在好像是举行大型的嘉年华会一样的高兴。桑田佳佑的「衣锦还乡」，可以流露出桑田并不忘本，有情有义的一面。而由於桑田佳佑是这一种深入各阶层的人，所以也就广幅地受别人认同。
在本章的末段要谈一谈SAS内的敲击乐手的野泽秀行，在一般的乐团里，大多没有敲击乐手这一个位置。但野泽身为SAS队内较年长的成员，他的重要性却是不容忽视的。有很多的乐评人都会认为SAS的乐曲有那样多的变化，除了是桑田佳佑的功劳外，便是野泽创造了各式各样的「音」，例如在圣诞歌曲「Christmas Time Forever」用上圣诞的摇铃、在「胜手Saint band」用上不同类型的哨子等等，虽然这些用合成器也可做到，但始终是「生乐器」来得较自然和真实的。在演唱会中，野泽也不断地在「搅气氛」，也是使SAS的演唱会生色不少的原因之一。
较近桑田佳佑的「波乘Johnny」大HIT，很多人都会奇怪为何桑田的Solo作能一举击败GLAY的单曲。而其实当时我人在东京，桑田的曲子在涉谷可谓由街头播至街尾，差不多在每一角落也可听到这首歌，试问又怎可能不HIT？相反GLAY的曲子却并没有受别人谈论之处，较要命的是，我在涉谷的某一间二手CD店，看到二手的「STAY TUNED」只售550日圆，当时还只是7月6日，是唱片发售日之后的第三天。
已谈论过，SAS能够历20多年而不衰，的的原因在於他们的音乐变化多端，又仍然紧贴潮流。而其实，他们在休业前与后的音乐风格分别颇大。在80年代，他们一直喜欢美国式的音乐，结他与底音结他的配合是重要一环。在那个时候，桑田作为主音的作用并不是很大的。
然而他们休业后，音乐风格转至日式味道较重或是夏天色彩为主的音乐。使用乐器的种类变得多样化。由90年「真夏之果实」中的五弦琴开始，例子如「泪之KISS」、「Erotica Seven」（管乐）、「01 messenger~电子狂之诗」（电子合成器）、「TSUNAMI」（弦乐），这可谓多不胜举，而其中两大范畴，弦乐和管乐，SAS找来的都是甚具份量的人物：为管乐编曲的是山本拓夫，弦编曲的是岛健（他成名於「TSUNAMI」，另桑田近期的单曲「波乘Johnny」将山本拓夫和岛健一拼找来压阵，确可谓近期精英尽出的一曲）、Saxophone的包国充，以及结他Supporter小仓博和，或前辅助监制的小林武史等，都是响当当的人物。可知SAS其一的长处是懂得利用人才，而当然另方面人才们亦觉得SAS是他们值得投效的乐团。就这样，一个以Southern All Stars为核心的音乐王国，就渐渐地形成。
音乐风格的转型，是SAS能在整个90年代都能保持人气的原因。而这个转型，大量使用了人力物力和金钱，好处当然是使他们的音乐更具王者霸气，然而缺点却也是显然易见的（可参考本连载第三十五章「乐界的四个现代化」），而事实上，这个转型对於SAS应是利大於弊的，试看看他们在90年代销量=超越百万的四张单曲，不仅风格不同：「泪之KISS」是典型SAS流的「歌谣曲」、「只有你~ Summer Heartbreak ~」则是继承「泪之KISS」而创造的歌曲、「Erotica Seven」是一贯的美式摇滚，三者都大量加入了Horns，但头两者与后者的感觉却完全不同，「爱之言灵~Spiritual Message ~」则是全新的尝试，以EURO BEAT来作为歌曲的Bass…而且可以每每在创新中找到惊喜，有不流於俗套，经典的例子就是以上「爱之言灵」的产生，全因为当时流行跳舞音乐而成，而SAS则加以变化，成为了有自己的风格，又配合潮流的一曲。
「从平凡中找到不平凡」，可以说是SAS的歌曲、或是成员处世本身一个不易的道理。在SAS的所有歌曲中，约有七成的歌曲是C调的，那比起很多作曲家，为了标奇立异，一首歌竟可以专几此调，桑田那种创作手法十分平易近人，也十分舒服。但一个C Chord开始却可以变化出无限变化来，那又是使人十分佩服他的创作才华。很多人都会认为桑田所作的歌词很是平凡，比很多电视剧的公式爱情桥段还要平凡，但是却仍写得很是细腻。乐评人都认为桑田的歌词写得好，但和樱井和寿专写社会时弊的词作方向并不同，而桑田的词较精妙之处，剧本人所认为，是他那种在词中活用促音的创作模式。他惯於在句末使用促音，那种在词中的突兀感却又成为SAS成功的一大因素。
很少人能从平凡中找到一点点性格出来的，但SAS成员们却竟然能够做到了。红白歌和战是歌手梦寐以求的一个年末音乐盛事，SAS就仅在81年和82年出席过两次，近年红白的委员会都想SAS成为参塞乐团，但SAS都轻描淡写地拒绝，全因为不想失掉和歌迷在横滨Arena的约会。横滨Arena是SAS成名之场所，而桑田要求场内歌迷站立的那句叫喊「STAND！ARENA！」遂成为他的口头禅，一句简单的叫喊就成为了SAS得特色之一。茅茅崎是桑田的故乡，茅茅崎的人们都以他们的一个小镇能出了一位大人物而感到骄傲，「TSUNAMI」成为了茅茅崎点播较多次数的乐曲，街头巷尾在2000年都播放着「TSUNAMI」，而SAS在去年的茅茅崎演唱会结果门票「超额认购」了数百倍，这个演唱会亦可算不忘本的表现。SAS成员对世事的那种无欲无求、饮水思源的生活态度，也许就是他们的王道德较高推展吧。
一些歌手以拥有「较年少记录」为荣，然而SAS却拥有不少「较年长记录」，举行过Dome Tour的歌手之中，以他们的年纪较长（较年少的是SPEED），而他们的专辑单曲『BALLAD 3~The album of LOVE』「TSUNAMI」也是较年长的乐团能销量突破二百万的。这表示了他们历久而不衰，到达了40多岁高龄仍大受欢迎，到底是乐界的包容性强或是乐界已没什麽值得追捧的新乐团，这又是值得各位深思的问题。较近有留言版的朋友说桑田佳佑或是传媒形容中田英寿为「国宝级」，本人不甚认同，毕竟在全日本，是有超过一千件国宝。
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