怎样编曲：如何用扒带来提升你的编曲能力
- 预约测评
- 提交
大家有否留意到，在音乐颁奖典礼上，主持人会介绍一首歌曲的作曲、填词、编曲这三位幕后作者，你是否分不清楚作曲人和编曲人的区别呢？今天，小编将与大家介绍一下作曲与编曲的区别。
简单的以一首歌为例：作曲是指该首歌的主旋律的创作者，编曲则是该首歌配乐、和声以及其他特效的创作者。从目前流行乐坛的趋势来看，编曲占比略重，好的编曲甚至可以压过歌唱者的光彩。
作曲是作旋律的那部份，即会出现“歌词”的部份。
编曲是以整首歌为主，再加入其他乐器和音等（鼓、结他、小提琴、人声和唱等），这道工序对歌曲表现力的影响非常大，因为乐器的演奏可以补充、丰富歌手所唱的旋律。
可能有的朋友会觉得乐器在流行歌里面只是用于伴奏，并没有太大的表现空间。其实不然，编曲人对乐器的选用本身就已经能够表现出很丰富的情感或是画面感。
举个例子，小提琴这种乐器，一但齐奏必然会发出扣人心弦的细腻音色；若是歌曲中出现了口风琴，通常都会比较青春、小清新，甚至会让听众联想到青涩的校园风景；又如，如果使用电子鼓，歌曲大多都会朝着欢快跳跃的舞曲方向靠近。
补充说明一下，上述的作曲和编曲是在流行音乐行业分工中的含义，如果是在古典音乐领域里的作曲者就是指创作所有乐器旋律的作者；各高校的音乐学院里所设的作曲专业，亦是指编写所有乐器曲谱的学科。
在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者对于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。
简单来说，一首歌曲，作曲者是给了骨架，而编曲者则是给了血肉。
1.编曲如何做减法？
做好「减法」和「简约」的制作是不易的。编曲中「简单」的乐器挑选需要在音色和频率上有混音师思维。编曲在频率上做好设计可以实现简单的编配撑起整个音乐。要足够了解自己编曲时常用的乐器。不用演奏水准有多好，但要了解演奏技法，这样便于更合适的展现歌曲内容。
2.如何提高工作效率？
工作中，大家常会遇见工作平台、Work flow 等杂七杂八的干扰。这些很容易影响效率。较快表达创意和脑海里的乐句是较重要的。工作平台和工作流程是影响效率较重要的两个因素。工作流程：需要整合一个自己的工作库。例如用半个月来分类整理一些琐碎的音色。包括采样音色、鼓的 kick、snare、hi-hat、以及贝斯、一些 loop等很细的音色。软件音源和器的整理也类似。这样利于避免工作时忙乱的低效率。另外，对于 DAW 的选择一定要是你较擅长，软硬件的抉择，是较快速的表达较重要。高效率不排斥协作。个人反复做一样作品会陷入审美疲劳，也可多听他人感受。
3.如何做到多元配器？
编曲不一定总要很多的东西进去。多元不等于数量多。很多编曲新手都易给混音师添麻烦，有什么音色和素材都往里边堆，以至于初期就有几百轨。这样后续的混音会非常头疼。音色频率的选择需要平衡。乐器不一定要多，但一定要在频率上合适。在高、中、低的各频段内选择合适的东西来填充，就会让编曲用很简约的方式达到很好。另外，常去听多元的音乐刺激感官也有助于更好的多元。
4.如何从职业编曲晋升到制作人？
作为制作人，其与编曲关注的点会有区别。编曲技术性更强一些，其关注的重点更多集中在音乐层面。反观业内，写歌的成为制作人的比率会高于编曲。写歌和编曲是两个不同的职业。写歌的人更多把住了一首歌的源头，他们更了解谁适合演绎这首歌。写歌好，编曲好的人很难得。编曲人要成为职业制作人，需要跳脱音乐层面的关注局限，更多关注到歌手、歌词、更广的把控宏观全体的东西。
扒带并不是什么秘密，就是一种类似于美术中素描训练。通过扒带去临摹作品，是所知道的学习编曲较有效的方式，只是很少看到有人就此话题展开讨论。
两年前，我在上海音乐学院听常石磊的讲座，有一位其他音乐学院的学生问了一个有关扒带的问题，常石磊的回答是：“扒带这件事情我好像从来没干过”。
当时我就坐在排的媒体工作席，我挺诧异，直到后来，我自己扒了不少歌以后，才领会到这这句话的含义。
今天，我要跟大家分享我对于扒带以及编曲学习的一些思考。
为什么扒带有助于编曲学习
我们先来看一看，扒带和编曲有哪些联系。
1.歌曲是一种格式化写作
一首流行歌曲三四分钟，段落结构比较稳定，所谓写歌，主要是在写主歌和副歌两个段落，然后设计一下前奏、间奏、尾奏，再根据起承转合情绪需要，编排一下段落，一首“完整”的歌就诞生了。
从结构的角度来看写歌，一是找一个常规的框架，例如：前奏4-8小节，主歌16小节，副歌16小节，按这个框架去写作，或者根据内容，适当增减乐段的长度。
流行音乐就是这样一种形式，无论你想要向听众表达什么，都需要找一个合适的结构把它呈现出来，要么根据框架去调整内容，要么根据内容去调整结构，让两者相互匹配，否则，就不是一首正常的流行歌曲。
很多人并不屑于格式化写作这种方式，认为“每次都要有创意才对”——事实上，格式化写作并不排斥创意的。
较厉害的格式化写作，通常都是把结构与元素抽象到极点之后，进行格式化。这就是为什么电影会有很多类型片的重要原因：武侠片、惊悚片、黑社会片、赌片、爱情片、喜剧片……其实都是“格式化创作的典范”。
比如，大家喜欢看的《盗梦空间》，就是类型片的一种，盗贼片。套路是很常见的：
一个有特殊技能的人基于种种原因有解不开的困境，出路只有一个：完成一个看似不可能的偷盗任务……他不可能独立完成任务，所以要组建一个团伙，通常是各类鸡鸣狗盗，然后在招募过程中通过一些对白向观众铺垫一些未来用得着的“技术细节”……接下来是一路遇到各种麻烦，差一点成功却失败，几乎彻底失败而后“天无绝人之路”式的反转，较后意外成功……当然还可以继续细化下去。反正套路就是“俗套”，有一点点惊喜就已经相当不错。
回到音乐创作，想想音乐风格和类型片是不是一回事儿，摇滚乐，一个电声乐队，曲要噪，歌词要批判。国产民谣，一把破木吉他一个城市一个姑娘。
事实上，学习编曲，就是学习如何以某一风格的“模板”进行格式化写作。
职业制作人会使用模板进行创作，这几乎不是秘密，一些比较“成熟”的音乐风格，模板早已被总结出来了，网上有一些什么周杰伦风格编曲课，爱乐之城配乐课，可以快速教会你某个风格的套路。
那么，学习编曲，是不是只需要了解这几个模板的套路就行了？
一个音乐风格等到模板，等到被总结出来，拿出来教的时候基本上已经快过时了。出于商业考虑的培训班，只能讲大众流行的套路，你所喜欢的风格教学，可能不那么容易找到合适的老师和课程。
职业音乐制作人使用自己的模板进行创作，以提高工作效率，作品如期交付。那是不是把他的模板拿过来，你能写出和他一样水准的作品？这显然不现实。
每个人都是独立的个体，有着截然不同的风格喜好和对音乐的理解。如果你对某个音乐风格并不是发自内心的热爱，没有足够的聆听积累，对其历史背景和发展历程也一无所知，那么，做出来的音乐只是像某个风格而已，甚至连做到像都很难。
光拿到一个模板，学会几个套路毫无意义。就好比让一个没有相关积累的人去指挥一支出色的交响乐队，必定是车祸现场一样，因为根本HOLD不住。
如果一个音乐风格不喜欢，不擅长，不要勉强自己。也别被一些已经过时或者马上过时的讲座浪费注意力。做音乐较好是从自己热爱的，熟悉的风格切入。
有一种方法。一旦掌握，你可以自己去探索某个音乐风格的构成规律，不再依赖于某一位老师的经验，还能让你更快，更低成本去尝试不同的音乐风格的制作，这个方法就是——扒带。
2.创作从临摹开始
音乐创作，是一个采百家花酿自家蜜的过程。找到适合自己的音乐风格，建立自己的初步模板，再到逐步形成鲜明的个人风格，需要一个摸索的过程，更离不开大胆尝试和大量模仿。
在艺术家和创意群体中，有一个显著的共识，创意就是将一些已经存在的东西进行混合，没有什么东西是完全原创的。
不成熟的诗人模仿；成熟的诗人偷窃；糟糕的诗人毁掉他们偷来的，好的诗人让它们变得更好，或者至少让什么东西不一样。好的诗人将拿来的熔炼成独特的完整的感觉，完全不同于片段的撕裂的感觉；糟糕的诗人随便将其用在完全没有统一性的地方。– T.S. Eliot所有的写作都是剪辑，拼贴读到和听到的。难道还有例外？– William S. Burroughs我想我听到的那些闻所未闻的音乐，不过是把那些已经存在的东西拼合成一种从未存在过的新鲜的东西。– Brian Eno有很多艺术形式的学习，都是从临摹开始的。扒带可以帮助你发现灵感，将其融合成你自己的风格。随意的听音乐，只能听到一些表面的东西，但是临摹一首歌可以帮你更深入的了解一首歌。
那么，为什么可以提高编曲能力，如何通过扒带提高编曲能力？
为什么扒带可以提高编曲能力
开头说到了，扒带类似于美术中的素描的训练，如果再从另外一个维度来看，扒带和音乐中的音阶练习也很相似。
音阶可能是音乐中较基础的训练了，看起来平常无比，但可千万别小瞧弹音阶，人五个手指长短不一，要练到能力接近，演奏时音量音色统一，练到音乐中只听得到音乐，听不到任何技术上的限制是很困难的。即便是一位学琴多年的演奏家，每过一段时间都要回过头来弹一些音阶练习，对弹音阶的要求也是不断在提高的。
在学习音乐制作的不同阶段，扒带的练习目的，练习要求也不太一样。今天，我从音乐制作入门学习的角度来聊一聊扒带，之后还会涉及一些音乐分析，音色及制作分析等，今后我还会以不同阶段，从不同角度来反复讨论扒带这一话题。
1.优化输入
写歌其实是写作是一样的，输入 内化 输出。想要有好的输出，先要有好的输入，我之前写过一篇文章谈到聆听积累，聆听积累不光是一个输入量的问题，还有吸收的问题，如果不能有效的去消化一首歌，把聆听变成积累，那么听再多的音乐，也就仅仅只是听过而已。
扒带练习，首先能够有效改善输入，从音乐中听到更多信息。
未经过任何训练的普通听众听一首歌，即使单曲循环100遍，能听到的信息有限，主要关注点停留在歌词，旋律，鼓点这个层面，如果是学器乐的同学，可能会对所学乐器关注稍微多一点。
站在普通听众的角度，听听歌词像表达什么就好了，也没必要思考。这种聆听，较多能听到一首歌歌中30信息，旋律歌词和鼓。贝斯听不到，弦乐听不到，许多音乐中的小想法，小细节，某个声音设计……要么根本听不到，要么听到了了也不知道是什么。
这种聆听根本无法实现积累。
而扒带，可以听到一首歌里90以上的信息，扒带时，不仅要听到这个音符，要知道这个音符是什么乐器演奏的，还要在软件中把它做出来，当你把它一首歌的各个乐器重现到屏幕上，相当于在重构整个乐队总谱。
2.查缺补漏
音乐制作主要涉及两方面的能力，音乐能力与制作技术。
每一位想要自己做音乐的人，多少是有一些音乐基础的，但许多人对自己的音乐基础并不了解，或者只是自我感觉良好而已。学习音乐制作的较初阶段，需要把视唱练耳能力提升到一个“正常”的水平，以便顺利进行后续的学习。
耳朵是做音乐的基础，当你的听觉变得更敏锐，能从音乐中听到更多信息的时候，许多现在觉得难的事情就会简单许多。扒带，不仅能起到一个查缺补漏的作用，更能起到训练的功能。
音阶，音程，和弦是环环相扣的，和弦听不清可能是音程方面的训练不够，知道了自己哪方面能力弱之后，有针对性进行练习，几首歌扒下来，马上就能得到明显的提高，甚至比专门上视唱练耳课更显著。
例如扒电声乐队四大件，各有各的练习功效：
扒钢琴，能够视唱练耳，听音记谱能力
扒贝斯，能够是低音区的听觉，对和声走向更敏感扒鼓组，能够你的节奏能力，同时了解不同风格音乐节奏扒吉他，能够发现键盘乐器和弦乐器的不同，例如音阶，和弦方面的编配规律学习的目的就是解决问题，找到迫切需要解决的问题，学一些学完就能马上用，立见成效的东西。扒带是把漫无目的的学习，变成了有针对性的学习。从学习一大堆理论之后再开始用，变成了需要用到什么知识的时候，突击式学习，集中精力逐一解决。
3.刻意练习
什么是刻意练习，就是持续做比你现有难度略高一点点的事情，这样才能持续得到提高。
扒带是一种刻意练习，关于扒带我个人有这样的体会。通过进行一些有针对性的扒带练习，能明显提升自己在某一方面的耳力以及音乐分析能力。
以贝斯扒带为例，扒完两三轨轨贝斯以后，低音区的听觉变得更敏感了，原来要靠反复听多遍也不一定能听清的贝斯，现在不借助任何工具，就用一个普通耳机或者车载音响，贝斯的旋律和节奏也能听清楚。
扒架子鼓也是，因为要扒鼓，所以我不得不去弄清楚清楚一套鼓都有啥，每个鼓件叫什么，是什么声音，鼓手是怎么握鼓棒的，两只脚分别控制什么。
而且，制作人都不一定要真去学鼓，在网上找一些架子鼓演奏视频看看就懂了。我三两首歌的鼓扒下来，再听任何歌曲中的鼓组，脑子里都是有乐手演奏的画面的，很清楚他在打什么，左手打的还是右手打的我都知道。
这就是刻意练习带来的收获之一，所以，我们要的是高水平的努力，而不是低水平的重复。
文章开头提到了常石磊，据他口述，他在很小的时候就开始大量听欧美音乐，他较喜欢的歌手是Mariah Carey，他属于那种不唱歌不编曲就会浑身难受的状态，他从小学三四年级开始，只要人是醒着的耳朵里就塞着耳机，包括刷牙洗脸的时候。每天就是这样的听音乐。
长年以来所积累的聆听输入，以及创作和制作经历，已经使他听到一首歌的时候，听到的是整个乐队，扒带这一过程已在不知不觉中由大脑自完成了，所以，对于常石磊来说，扒带这件事情好像从来没（专门）干过，少说了专门两个字。
怎样开始扒带
接下来聊一聊，大家对于扒带比较关心的一些问题。
1.你应该扒一些什么
如果你暂时没有什么制作经验，那么可以先从简单的歌开始，例如一首吉他弹唱，一首钢琴伴唱。
因为刚开始扒带还需要一些时间熟悉软件操作，音乐简单一点不要紧。当一些基本的编曲方法都已掌握以后，就去更多关注那些能吸引你注意力的作品。
扒带曲目要根据你的学习目的，以及当前的能力来选择。如果是为了解决某个特定问题，那么有针对性的3-5首歌就可以了。
牢记一个大原则，持续的去扒比你现有能力高出一点的作品，不要卡在一首歌上无法推进。如果一首歌扒的非常艰难，可能这首歌对你现在来说难了一些，可以适当降低难度。
这就好比举哑铃，如果现在只能举起五公斤，那么强行去举十公斤，不仅起不到训练，还有可能会受伤，你可以先去试试六公斤，适应以后慢慢增加难度。
至于什么歌适合扒带，完全取决于你现在的能力，不要害怕怕起点低，我更看重成长速度。扒一首很简单的单旋律也没有什么丢人的，只要持续练习，提升是非常快的。
2.使用什么工具进行扒带
我推荐用音乐制作软件（DAW）来扒带，而不是使用打谱软件，使用DAW来扒带，不仅有效提高扒带效率和准确性。
单从扒带的角度来说，使用软件扒带比手工写谱门槛更低。手工扒谱会涉及到许多问题，而当你把歌曲导入到DAW软件中，做好准备工作以后，几乎只需要关注一件事，就是一边听一遍记录。
用音乐制作软件扒带，好处有很多，例如：在写每一个音符时都是有声音的，有错误很容易发现并及时改正。想要反复听一一个地方时候，可以选择一个范围循环播放，不用来回倒带。重复出现的元素可以复制粘贴，软件还可以自动生成五线谱……需要用到哪些设备？如果仅仅只是扒谱，较简单的，一台电脑，一副耳机就可以，软件方面，可以使用Cubase，Logic Pro X，用键盘鼠标作为输入工具，当然，如果有MIDI键盘肯定会更方便。
扒带前的准备工作，歌曲选择，可以参考我之前写过的文章。具体的操作方法和视频演示，可以参加我的音乐制作学习社群学习。
3.你需要扒的跟原曲一模一样么
事实上扒带不可能做到一模一样，也不需要。每件乐器声音都有细微差异，即使是使用软音源编曲，你也几乎不可能找到完全一致的音色和采样，所以总会有不一样的地方。
扒带的出发点是你的问题，甚至不需要从头到尾扒完一首歌，当你带着具体问题去扒带，扒一段，或者扒八个小节就足够，只要达到了练习目的就可以。
有的歌可能到了高潮段落某些地方就是听不清的，要依靠联系上下文自己编。像钢琴中的柱式和弦，五六个音同时弹响，漏调内声部的个别音符实属正常，只要和声功能对就没问题。
较初进行扒带的时，只要达到记谱的目的就可以，音色，力度，制作手法统统都可以暂时忽略。即使当你有了一定制作经验以后，也不需要完全一致，你只要让你扒的这一版听起来一致或更好就行了，即便细节上可能不完全一样也没关系，重要的是不要比原来的差。
4.扒带适合你么
除非你已经是世界闻名的，那么你就能够从扒带中获益。
总结
扒带虽然简单，但是你将会从中获得回报。如果你始终如一的扒那些让你眼前一亮或者超越你现有水平的作品的话，你将会从中积累很多灵感和技巧，并且可以用到任何的音乐中。艺术家们都已经用这个方法几个世纪了，现在是音乐人迎头赶上的时候了。
有的概念知道的越早越好。当你知道音乐是一种格式化写作之后，起码你可以多问自己几个问题，来缩小自己的研究范围，把精力聚焦与目标相关事情上。
当你知道创作从临摹开始以后，就应该去思考并寻找适合你的模仿目标，尽快开始模仿。
编曲在音乐制作中担任着非常重要的角色。同一音乐在不同编曲下也会营造出不同的意境与。编曲可以说是一项兼具艺术性和技术性的工作。编曲都会遇到的5个问题，幕后圈 PRO 们现在一并为你解答！
1.编曲时如何选择音色？
对于一首待编曲的音乐作品，音色挑选，首先要确认音乐作品的风格类型。在确认作品风格后，可以带着「目的」先考虑自己日常较熟悉并常用的基础音色。例如，钢琴基础音色，跑不了就那几款，一开始用的 Midi String 弦乐、甚至 Trilian 的 Bass 等等用来用去也就那几个，这些一定是固定的。
除此之外，在已有的基础音色上可以再带着「缘分」主观加入一些新的音色。这样会比较容易的创造出与以往作品不一样的新鲜感。平时多听新音色，将喜欢的保存在自己的 List 中会是个很好的习惯。另外，关于音色选择同样需要混音师思维，各配器在各频段上的适合度，有利于用简约的架构撑起整个音乐。
2.提升编曲除了扒带还有什么途径？
怎样提高自己的编曲水平？这是每个学编曲的都会深夜自我拷问的问题。但除了扒带，其实还有其他方法？
要提高编曲水平，多和不同风格的乐手交流是有必要的。不求对技法精通，但必须要懂。这有助于在编曲的过程中更好了解乐器与风格的关系、以及不同弹奏技法在一首音乐中实质起到的作用。
另外，多和混音师交流极有必要。编曲中所有架构的呈现都会和后期混音紧密相连，这是很多编曲人常易忽视的。很多作品在完成编曲进入混音环节后会因为太满或频率不够而直接影响音乐。这都是前期编曲架构造成的问题。所以适度了解混音，结合频段进行乐器搭配也会让较终编曲的呈现更佳。当然多听、多看，了解更风格的音乐也很有必要。
3.电子乐中硬件编曲和软件编曲哪个好？
常听人说：硬件编曲在声音被录入的同时无法避免会有声音损耗，而软件因为是数字形式，相对就会小损耗。故很多电子编曲新手基本都会先接触软件编曲。但软件编曲和硬件编曲哪种方式会更好呢？
这个问题通常取决与你到底要做怎样的声音。软件输出的声音都是处理后的数字信号，通过其得到的声音都很干净。而通过硬件由于要实录，所以会有泛音、有噪声，但通常动态会比软件获取的大。在流程上，硬件编曲更多是碰触、调制式的直接上手，操作起来比鼠标的方式更酷一些。当然，软件编曲可以开多台电脑同时运行，会比硬件更高效。对于两者的取舍或比例调配，其实没有固定的标准。取决个人制作音乐的风格喜好。喜欢干净噪声及尖锐数字声的实验音乐人，9成都会喜欢软件编曲，而喜欢暖暖的、有点电子管泛音的，就更多会选硬件编曲 。期间没有好坏之别，只是体现于对音乐的理解及审美。
4.职业编曲人该具备什么素养？
每一个音乐作品都应该是特有的。作为编曲人，除了该有乐器、乐理等一些基础的技能外也需要敏锐的洞察力。
音乐、生活和你所在的空间环境都是细密相连的。编曲人学会敏锐观察身边任何的事物是必要的。我们每个人生活在不一样的空间环境中，每个人需要表达的东西都不尽相同，当你学会和身边的事物进行沟通后，你所表达的事物也会不再平凡。
在某种意义上，职业 XXX，它代表了一个「行」的概念，所有被称为「行活」的作品就意味着它们之间无论数量上达到多少，都不会有质的区别。作品之所以被称作作品，就是其有别于「产品」的规格化。纵观音乐圈，凡是走出来的编曲、作曲大家，总带有浓烈的个人风格。
5.职业编曲人如何保持创作初心？
相信每个选择音乐行业的人，并不只是选择了赚钱。职业编曲在某种意义上讲，更多是在迎合他人，为别人服务。所以这也易造成编曲人很少有时间去自我判断与思考。时间久了可能真的会忘自己是谁。职业编曲人遇到的较大问题也许就是什么都会。随便说一种风格，即使是从未听说的，但在拿到作品听上几遍后，就可立刻模仿出来。但若现在问你，你自己想做什么，也许你会炸毛，因为你根本已没有了初心。很多职业音乐人，在做自己的专辑时，即使花两年时间也未必能做完，而且做完的唱片风格很混乱。显然他们自己也不知道自己要表达什么。要保持创作初心就要学会和自己独处。即使你是一个职业的编曲人，你也应该挤出时间做自己的创作，因为从你选择这个行业起，你并不是只是在选择赚钱，对吧？
混音，编曲，都是现在音乐圈子中非常流行的内容，因为生活质量的提高，文化内容的丰富，信息的开放，媒体的宣传。很多人也逐渐开始接触到了音乐制作幕后的事情。其中包括编曲以及混音。其实音乐制作中，这两个步骤也仅仅是其中一部分。另外还有录音，母带，作曲，填词，音响设备应用，等等学科。我们还是先来了解主题吧。
先说混音，混音可以没有音乐基础，但是，会比较影响你的艺术判断，因为没有切身体会乐器演奏，你很难真正领会声音的好坏以及一些标准，当然这个事情不是。混音需要客观和主观意识做到一个非常恰当的平衡，客观就是说物理上声音的音质和出来的结果是不是好的，主观就是说你有没有能动性拿到分轨听过了之后知道怎么做。
学习混音首先是要懂物理声学，你连声音都不懂，你如何料理声音？然后同时要去学习几个行业内常用的音乐宿主软件，例如pro tools，studio one，cubase等等。先学会音频的剪辑，然后是录音，然后才是混音。
在做混音之前，录音是必须学的，理论支持主要是《实用录音技术》在看过理论以后，必须有实践的机会。不然你没法知道实际录音的声音到底怎样。如何实实在在去调试设备。
然后混音方面，《混音指南》，《听音训练手册》是理论以及听力基础。混音较重要是，你能听出问题，这个做不到，愣你宿主用的再牛逼，插件再熟悉，也都只能干坐着。听的不是do re mi或者和弦什么的，是声音的动态，压缩量，频率，延迟，相位，混响声等等。这个只能通过训练了，使用听音训练手册的工具，以及混音实践中做A/B对比。或者是使用一些辅助app进行训练。
这几个是我手机上随时用来“洗耳朵”的听音工具。强烈推荐。signal gen：是一个声波生成器，用耳机听，可以调各种频率的正弦波，方波，三角波等去听，本来只是用来对比的，我会用来记忆。frequrncy和audio coach都是听力训练的，前者比较简单，仅仅是频率。后者是全方位的包括频率，压缩量，混响声，等等的训练。octave rta是一个示波器，习惯去了解身边的声音的频响反应。这都是把训练融入生活的事情。
接着是，设备应用，包括电脑配置，调音台设置，录音硬件系统的连接，声卡选择以及应用，还有你对于插件的应用需要学习，压缩器，均衡器，调制器，混响器等等，包括工作原理，参数，使用示例等等。包括硬件，软件较好都知道用，软件不用说，有机会，较好亲自调试硬件。
较后，混音是需要大量实践才能学会的，自学不是不行，非常耗时间，建议跟老师学。如果一定要自学，我建议就别看国内的教学了，好好看看国外的的教学吧。一些大的插件厂商都会请大神做教学，包括很多格莱美的混音师，这些插件商都会建立好很完善的教育系统。自己想办法上油管看吧。例如 pure mix频道。没中文字幕了，好自为之吧接下来是另外一个课题，编曲。这个内容没有乐器功底，我觉得你想都不要想。乐器需要首要就是钢琴，我过去是吉他手，其实做编曲也可以了，鼠标流，全靠点。但是太费事，为了更好地做编曲，我只好练了3年钢琴。不为弹什么古典名曲，不为弹什么夜的钢琴曲，就是为了音符输入能够更加便利。并且学习乐器，不是为了演奏乐器，而是通过乐器学习乐理知识，编曲靠的就是乐理，主观的艺术理解以及经验。只有学习乐器能够同时给你提供这三样内容的学习。理论知识储备需要，基础乐理，包括音阶，和弦，调性调式的理论。和声学，律学，配器法，作曲编曲法，等等。
结合乐器时间，还有各种知识理论的储备，你才有可能做编曲。这个工作不是给你现成的，然后换换段落这么简单。完全靠自己的想象以及知识，来无中生有。
还有就是听力要求，这个就是要听do re mi了，还有和弦，音阶，调性调式等等，都要靠自己听，这个除了做视听练耳训练，还需要自己大量扒歌，你要编曲写歌，你连别人的歌都没扒过，扒不出来歌曲里面的音，节奏，和弦，你编尿布的曲啊？
较后讲一下，这两个课题都是宇宙级的大。每一项要学好，都是至少需要5-10年的时间，锻炼积累。已经出来工作了，还是0基础的人，我建议当做玩，当做兴趣去学学就好。想要作为吃饭工具，不是的事。
那么如果你确确实实是0基础的朋友，编曲方面请，先去学钢琴吧。如果是想直接接触混音的朋友，可以考虑先接触一下音频剪辑，从用剪刀剪开音频，把音频过渡拼接开始吧。尽量多去操作，多看看教材。
有时当我们听自己较近做完的东西时，总会感到它和我们自己之前的作品十分相似。我们过于努力地打造自己的音乐风格，但却为此遭到束缚以至于我们没办法创造出给人新鲜感的东西。
当我们在完成一个作品几天后再去听它的时候往往会产生这样的想法。在制作的时候（或刚完成制作的时候），我们往往不能注意到它们之间的相似之处。但隔一段时间之后再听，我们就能立刻听出来两者之间的对比，并且它们之间的相似之处也变得十分明显。通常，我们不同的作品之间使用的音色会很相似——使用了相同的采样或者合成音色。有时，不同作品的结构会较为相似——我们作品中的每一轨都拘泥于一种刻板的结构，或者过多地使用某一种过渡。这使得你觉得自己似乎像是把同一首歌写了一遍又一遍！
需要注意的是，对于你所制作的音乐类型来说，高度的一致性有时恰恰是你所需要的。比如对于像 EDM 这样的商业音乐风格来说，墨守成规的结构和所有的音色都是其风格的基础要素。彻底重新改革的音色和特殊的结构在这种风格的音乐上并不行得通。这种情况下音乐人怎样才能在严格的限制下进行创作显得十分有趣。
但是如果你不满足于反反复复地制作感觉相似的东西，下面这条解答也许能帮助你。
有时当我们听自己较近做完的东西时，总会感到它和我们自己之前的作品十分相似。我们过于努力地打造自己的音乐风格，但却为此遭到束缚以至于我们没办法创造出给人新鲜感的东西。
当我们在完成一个作品几天后再去听它的时候往往会产生这样的想法。在制作的时候（或刚完成制作的时候），我们往往不能注意到它们之间的相似之处。但隔一段时间之后再听，我们就能立刻听出来两者之间的对比，并且它们之间的相似之处也变得十分明显。通常，我们不同的作品之间使用的音色会很相似——使用了相同的采样或者合成音色。有时，不同作品的结构会较为相似——我们作品中的每一轨都拘泥于一种刻板的结构，或者过多地使用某一种过渡。这使得你觉得自己似乎像是把同一首歌写了一遍又一遍！
需要注意的是，对于你所制作的音乐类型来说，高度的一致性有时恰恰是你所需要的。比如对于像 EDM 这样的商业音乐风格来说，墨守成规的结构和所有的音色都是其风格的基础要素。彻底重新改革的音色和特殊的结构在这种风格的音乐上并不行得通。这种情况下音乐人怎样才能在严格的限制下进行创作显得十分有趣。
但是如果你不满足于反反复复地制作感觉相似的东西，下面这条解答也许能帮助你。
解答：
当你意识到自己的新作和原来的作品十分相似的时候，你可以把让你感到相似的部分列出来。认真地分析音乐中的每一部分——音色、和声、旋律、节奏与结构，然后把你重复使用的技术写下来，这些会为你的音乐构成一份“避免列表”——一些将来你不能去做的东西。
当你感觉自己有灵感时，要努力为避免列表中项目想出替换的方案。这样做有两种好处：，这能使你明确应该制作什么，从而帮你节省制作的时间。更重要的是它能帮你辨别你在过去是否过分依赖与某种技巧或者类型。例如，如果你禁止自己使用速度同步的 dub delay ，你也许会在混响器上多下功夫。但也许是因为你不喜欢音乐中的寂静感与空间感才选择了首先优先使用 delay。这个问题也许可以通过添加其他更多的音乐层次来解决。也许根本就不存在这一问题，你通常处于习惯而简单地填上的寂静感也许在你的下一轨中就能变得非常有趣。
你可以把避免列表看作一份相反的特性一览表（参见《如何从他人的音乐中汲取灵感》一文）。其目标是为了找到你的音乐中应该避免出现的元素。与特性一览表不同的是，这次你分析的音乐是你自己的，而不是别人的。
一份避免列表应该与以下内容类似：
别用123-127bpm；试着创作更快一些（或慢一些）的。
别用808采样；使用 FM 合成鼓或者经过处理的真实鼓。
别用“木质”声音；使用别的打击乐器——白噪声或者金属乐器。
别用（或少用）滤波器截止频率/共振做扫频；试着使用 FM 调整音色变化。
别用（或少用）压缩器侧链；用避开底鼓的方式编写贝斯而不是过分依赖于闪避。
别再只用两个和弦；多花时间想出一个综合的和弦进行。
别用 auto-tune 和 chop 之后的人声，尝试使用其他的音源或者一些没有音高的单词采样。
别再制作没有鼓的 breakdown 部分，找到另一种能够创造紧张感和释放感的方法。
现在在你新建一轨的时候，你就被迫去找到新的策略而不是一直使用你都已经听厌了的技巧。不去使用这些你已经熟悉的东西也许会使你感到无从下手。但是去寻找这些的替代品会帮助你丰富自己的技术，同时也能自己不是把原来的轨道简单地克隆了一遍。
不过请注意：你在写作的过程中应该随意地摒弃已经制定好的限制。如果你发现你限制了一些能让你的音乐听起来十分不错的技巧，你应该允许自己使用它们。限制、计划与结构都是重要的学习工具并且能让你的作品听起来并不千篇一律。但是无论怎么样，较重要的还是音乐本身。你应该尽较大可能去制作的作品，如果需要的话，偏离原先的计划也没有关系。
随着商业音乐的普及，编曲这个新兴词汇越来越多的出现在我们大众的视野内。编曲其实就是音乐制作中的一个重要的环节，随着对编曲了解的深入，我们也经常听音乐制作人说很多歌曲就是用四大件编的，那四大件具体指什么，我们应该如何去编四大件呢？
四大件其实就是指的不同的四种乐器，钢琴、吉他、鼓、贝斯。首先较重要的当然是鼓了，因为鼓是我们编曲的核心，它奠定一个音乐的基本的节奏型。那如果要编鼓的话，我们就需要了解鼓的基本构造。一般来说我们说的鼓指的是架子鼓，通常架子鼓由一个底鼓（Bass Drum）、一个军鼓、四个嗵鼓（TomTom Drum）、一个或者两个掉镲、一个节奏镲、一个带踏板的踩镲等部分组成，都是一人演奏。我们一般编鼓的话首先先考虑一首歌曲的节奏，给鼓定一个基本的律动，一般来说底鼓在1 3拍，军鼓在2 4拍上，把节奏定好后，我们就可以加镲了，镲一般可以做八分音符、十六分音符的进行，具体还是要看歌曲来定，较好做出强弱对比，而不要都是同一个力度。较后可以加嗵鼓，嗵鼓一般加在需要加花的位置，我们可以八个小节一加，或者4个小节，具体还是要看歌曲来定，不要太过于突出鼓，也不要做的太过简单。鼓的打法可以多去听歌，看看别人是怎么做鼓的，建议你还是找一个专业的老师系统的学习一下鼓的制作，这里推荐一家专门从事音乐制作教育的机构——“朱弦三叹音乐制作培训”，这里有开设流行音乐编曲课程，有专业的老师手把手教你怎样去编四大件。
鼓说完了，我们就要说贝斯了，贝斯一般情况下走和弦的根音，初学者编的时候，可以按照贝斯的律动跟着鼓走就行了，随着练的多了以后，贝斯就不能只单调的走根音，还有也不一定每一小节都要跟着底鼓走，贝斯也可以走旋律线，一般我们可以用到和弦的五音或者三音，但是根音一定要占七十，因为五音三音占的比例多了，音响上听的就不稳定，会形成转位的音响，节奏大部分还是跟着底鼓，但是一般来讲，在鼓加花、或者是人声长音的地方可以变换节奏使音响更丰富。
钢琴是一个和声乐器，在我们鼓和贝斯编完后，就可以开始编钢琴了，基本律动已经有了，钢琴一定是围绕的基本律动来创作的，有时可以突破一下律动，但是不可以鼓大部分用的八分音符的时值，而钢琴走的全是三连音，这样的节奏在听觉上会显得杂乱无章，贝斯把和弦固定后，钢琴的和弦就不能随意变换，否则声部之间会打架，在音响上也容易造成不和谐的听觉体验。钢琴一般可以用分解或者柱式和弦的织体来演奏，我们可以在主歌段用分解，副歌段用柱式，这样可以形成对比，也可以分解柱式合在一起用，但是尽量不要一首歌里钢琴的节奏基本没变化，这样会形成听觉疲劳。
本文系中音阶梯网站编辑转载，转载目的在于传递更多信息。如涉及作品内容、版权和其它问题，请在30日内与本网联系，我们将在第一时间删除内容！
